viernes, 17 de noviembre de 2017

SONIDOS POST-INDUSTRIALES DESDE BARCELONA

Desde Barcelona, Silvia Konstance, una activista del ruido underground, a través de su sello especializado en los sonidos post-industriales, Màgia Roja, nos comparte dos de sus últimos lanzamientos, y aquí los reseñamos.  
PASO EN EL VACÍO
FUTURO DE HIERRO
Màgia Roja, Opal Tapes
(2017)
Futuro de Hierro es el proyecto solista del músico, productor, promotor y creador del sello, Viktor L. Cruz, quien también ha sido colaborador de Jochen Arbeit (Einstürzende Neubauten) y de Nurse With Wound, entre otros. En este disco, su segundo álbum, nos expulsa sin piedad, certeras descargas de “electroshock” industrial y ruidismo, junto a sus desaforados gritos, sacándonos de este mundo, para introducirnos a uno gobernado por la angustia y la sordidez.
Y es que las corrosivas, brutales y transgresoras ambientaciones de Cruz, resultan adictivas, pues nos evocan al minimalismo de los Neubaten, al caos sonoro de Throbbing Gristle y los parajes infernales de los primeros Swans.  Justamente “No et pots fer enrere”, pieza que abre el disco, presenta a todas luces aquellas influencias: ruidismo, sonidos del inframundo, así como macizas descargas sintéticas, al más crudo Nitzer Ebb; para luego sucederse una pugna entre lo maquinal y la intensidad vocal.  
Más contundencia sonora dispuesta a sacudirnos el cerebro, se combinan con las densas y procesadas voces de Cruz, en “A veces somos uno”, generando desconcierto y zozobra, interviniendo ruidos que alcanzan niveles siderales. Su machacante ritmo proseguirá, para triturarnos los sentidos y terminar por entregarnos a su adictivo “loop”, por donde transitarán más interferencias y caóticos sonidos.
La misteriosa (y extensa) “Paso en el vacío”, cuyas ambientaciones inhóspitas y oscuras, ¿acaso intentando sonorizar el vacío?, conciben el corte más minimalista de la obra, donde Cruz menciona una y otra vez el título de la pieza, aumentándole angustia en su entonación conforme avanzan los minutos, interviniendo nuevamente una marea de interferencias y sonidos magnéticos, llegando sobre su final gritos más aterradores, que nos incitan a cumplir lo dicho porque es “un acto de fe”, donde no nos queda claro, si su propósito es cuestionar la “fe ciega” o mostrar disposición hacia algún deseo esotérico.
Finalmente, más densa se perfila “No Hay Final”, ambientando sensaciones claustrofóbicas, viéndonos acosados por sus “loops” y amargas voces a lo Jean-Luc De Meyer (Front 242), colocando un tenso final para un sombrío trabajo.



ZOZOBRA
Màgia Roja
(2017)
Este disco (sin título), dirigido por Antonio Gonzáles, Zozobra, persigue a través de su obra iconoclasta, plasmar diversos ambientes relacionados a este sentimiento, extrapolando con sonoridades abstraídas de su entorno. Por ejemplo, en “Intro”, donde samplea su propia voz (o la de alguien) para recrear ambientaciones inquietantes.
En “Refugiense”, justamente trata de ambientar sensaciones de amenaza, como si estuviéramos próximos a una catástrofe. Luego los resonantes beats de “Tu cuerpo”, lucen como sólido asfalto para que transiten sus voces mefistofélicas, creando una ambientación tétrica. Prosigue, “Soy un hombre”, donde el músico manipula el sonido para recrear parajes lúgubres. Mientras que un desfile de sonoridades enigmáticas, sirven como fondo para que se replique la palabra que da título a la pieza, “verdad”, para luego irla modificando para llevarla hacia latitudes lunáticas, en medio de capas de feedback.  
El álbum, concluye con los inconexos ruidos, voces fantasmales y enajenadas ambientaciones de “Sal de Allí”, y la atronadora “Fallé”, cuya instrumentación ruidista alcanza rasgos dramáticos, para luego diluirse en sonoridades perturbadoras, voces ininteligibles, y parajes pesadillescos. 
Zozobra, concibe un viaje hacia la locura, pero a partir de abordar temas comunes como el amor y la identidad, pero exhibiendo su lado más incómodo. 

jueves, 16 de noviembre de 2017

PIPE VILLARÁN:MALA INFLUENCIA, ROCKEANDO CON FERVOR. Reseña

MALA INFLUENCIA
PIPE VILLARÁN
A Tutiplén Records
(2017)
Las distorsiones y ramalazos guitarreros iniciales que desatan el estallido rocanrolero con el que Pipe Villarán abre su segunda entrega solista, el single “Cruel”, es una clara intención del músico por salir de la atmósfera introspectiva que rodeó su anterior trabajo, para trasladarse a otra atmosfera más rockera y festiva, sin dejar de lado a la psicodelia y sonoridades “hippies” como aliadas. En “Mala Influencia”, no hay espacio para lo bucólico ni agreste, sino para ambientaciones más coloridas y eufóricas.
Este nuevo álbum, ha sido producido Kieran Kelly en sociedad con Rafael de la Lama, la misma dupla de “Cosmos” (2014). Grabado entre Nueva York y Lima durante 2016 y 2017, el disco contó con la participación de Marcos Maizel (Uchpa) en solos de guitarra, Iván Mindreau y Kieran Kelly en la batería, Joni Chiappe en los teclados, Gonzalo Polar en el saxo, Cleia Luna y Daniela Ghersi en los coros, Luis de la Lama en el bajo y Rafael de la Lama en la guitarra acústica.
Sigamos con el álbum. Luego que las incendiarias guitarras de “Cruel” se extinguen, surgen las embelesadoras melodías y coros de “Hijos de la Revolución”, más rock explosivo, concluyendo con unos estridentes arreglos de cuerdas. Pero cuando parecíamos alejados de la influencia Beatles, que asomaba en gran parte de “Cosmos”, irrumpe “Superstar”, pero los guitarrazos psicodélicos de “Medicina”, nos vuelve a esa atmósfera delirante y desenfrenada con la que arrancó el disco. Mientras que “Stone”, evoca diversos pasajes “dance-gospel-rock” del Scremadelica de los Primal Scream, coronado su éxtasis sonoro, sus delirantes solos de saxo.
Luego de un pausado preludio, los acelerados riffs “vaqueros” y bluseros de “Cae La Tarde”, construyen una entusiasta ambientación, donde emergen también exquisitos punteos y solos de la guitarra. Una reposada ambientación, cuyos rasgos lucen cercanos al pop ensoñador, persiste con “Parece Que He Encontrado Algo”, destacando sus sólidas armonías, terminando con sonoridades atmosféricas.
Para el trayecto final, en la nostálgica “Deja Vu”, Pipe nos lleva por parajes reflexivos luego de tanta bohemia sonora. Cierra “Superstar” (reprise)”, cuyos teclados inconexos y líneas de guitarra, de a pocos irán construyendo una hipnótica melodía, impulsada por un lúdico y sideral ¿moog?, que la vuelve adictiva, sumándose a ello, las guitarras de Pipe, con arreglos que, recrean un ambiente triunfal como colofón del disco. 
Pipe Villarán en esta segunda entrega solista, ha pasado de la psicodelia introspectiva a la extrovertida, sobresaliendo la espontaneidad exhibida por su guitarra, y ese contagioso entusiasmo por rockear en esta ocasión, el mismo que ha logrado una serie de piezas que nos embarga de frenesí.  

lunes, 13 de noviembre de 2017

R ✞ E ✞M: LA ENAJENACIÓN SONORA DE POUNDA & NOMODICO

R E M
POUNDA & NOMODICO
(2017)
La reinvención, experimentación e innovación sonora, ha sido una constante en la trayectoria de Pounda & NoModico, y su nueva producción, REM se convierte en una cachetada hacia los “puristas”, pues el dúo se enreda con lo que le venga en gana, sin límites, ni parámetros, desde el trap, pasando el industrial, hasta llegar al synth-wave. Sin duda estamos ante su obra más experimental; es más sus actos en vivo, con banda incluida, son muestra de las inquietudes sónica de los raperos por salirse del molde.
Desde el saque, el dúo, quienes se han encargado de toda la producción y ejecución musical, solo acompañados por “DJ Prax” en los “stratches”, nos capturan con las sonoridades espirituosas y chamanísticas de “Espíritus”, escuchándose samples de rasgos tribales y amazónicos. Prosigue los sintetizadores enigmáticos de “Corona”, acompañados por el áspero rapeo de NoModico. Luego, unos golpes de synth, haciéndoles guiños al industrial, inician “Que Arda Todo”, nuevamente con los gruesos fraseos de NoModico, ahora alternándose con las de Pounda, sucediéndose ambientaciones etéreas y flotantes.
La intrigante sonoridad electrónica de “Hadas y unicornios”, con sus susurrantes rapeos, luce liricas que buscan desenmascarar las mentiras que nos rodea el mundo real. Sigue, la adictiva guitarra sampleada de “Kintsugi”, realmente suena gloriosa, por ratos evocando sonidos orientales y por otros metaleros, pero en verdad inspirada en los cantos gregorianos, según nos contó Pounda; luego se alternan voces lunáticas, parajes surrealistas, enajenados y lóbregos, acompañados por los furiosos rapeos del dúo, psicodélicos breaks, además de fantasmales voces y cajas de ritmos. Una perfecta alucinación el tema.
NoModico, DJ Prax & Pounda
Y si hasta aquí pensamos que habíamos llegado al “pico” del álbum, pues estábamos equivocados, pues el sugestivo collage de sampleos televisivos que presenta “Sobrevivientes 80s”, es una visitación retrospectiva hacia aquella época embargada por el terrorismo e ineptitud política, ambientados por oscuros sintetizadores y sonoridades new wave, recreando oportunamente aquella densa atmósfera ochentera, que nos tocó vivir a muchos.
El revoloteo discotequero e industrial de la frenética “Euflowria”, resulta estupenda, cuyos rabiosos rapeos coronan la dancística pieza. Otra pieza rescatable del disco. El rollo sociopolítico e existencialista de “Lomo Plateado”, luce como el manifiesto de los músicos, sobre qué significa hacer música para ellos, teniendo como fondo, una ambientación sonora de tenso “trap”. Mientras que “M15”, inspirada en Mateo 15, es más, donde se repite una y otra vez el pasaje bíblico “No es lo que entra en la boca lo que contamina al hombre; sino lo que sale de la boca”, aborda el problema de la bulimia y los desórdenes alimenticios, influenciados por los estereotipos, mensaje que fluye sobre teclados misteriosos y espectrales percusiones.  
La vertiginosa y agresiva “Bounce”, con sus enigmáticas líneas de sintetizadores, resulta adictiva, incluso sus robóticas voces finales. Concluye, “Portal Subconsciente”, donde se escuchan una serie de audios de entendidos en el tema, tratando de explicar sobre la interpretación de los sueños, desplazándose los mismos, sobre la base de industriales percusiones, sirviendo como correcto epilogo de esta surreal obra. 
Pounda & NoModico han logrado, un trabajo de dimensiones oníricos, en su esfuerzo por plasmas el proceso y las connotaciones relacionadas el REM, pero también colocando ante nuestra vista los problemas que observamos en la vida real, y que terminan siendo muchas veces más reales y extraños que nuestros propios sueños. El dúo anuncia la salida del álbum en físico para inicios del próximo año, en una atractiva edición de disco doble, con “features” incluidos. Habrá que esperar.    

sábado, 11 de noviembre de 2017

21-EL OTRO INFINITO. Reseña

21
EL OTRO INFINITO
CHIP MUSIK
(2017)
Se está volviendo una sana costumbre en la actividad musical de Alfonso Noriega, A.K.A El Otro Infinito, lanzar un promedio de dos discos por año, dejando registradas, nos imaginamos a este ritmo de trabajo, todas sus epifanías sonoras.  En 21, el músico mira hacia el ambient music para combinarlo con sus consabidos sonidos misteriosos y transnochadores de rasgos IDM, y entregarnos seis piezas de buena factura.
El disco arranca con los sintetizadores expulsando sonoridades enigmáticas a manera de preludio, dando pase a la ebullición electrónica de “HánAnke!!!”, donde espontáneos y cristalinos sonidos electro adornan la pista. En la minimal “Hypnia”, somos hipnotizados por sus palpitantes loops, además de líneas de synth que se van alternando, entre rasgos densos y tensos, por momentos recreando ambientaciones de suspenso.   
“Moloch”, composición que contó con la participación de Ionaxs, ¿acaso una referencia al dios cananeo?, posee justamente esa característica de transportarnos por terrenos esotéricos, donde van sucediéndose distorsiones atmosféricas que luego van desvaneciéndose para que solo una espectral caja de ritmo concluya la pieza. Más sonidos alterados, suponemos que de guitarras sampleadas, se enlazan con sintetizadores fantasmales y envolventes percusiones, para dibujarnos desérticos parajes en “Los dioses de arena”, toda esa marcha se diluirá para que por algunos instantes nuestros sentidos sean guiados solo por un lánguido synth y un marcial bucle, retornando posteriormente los arcanos teclados.   
Finalmente, la IDM, “Ananké”, personaje femenino de la mitología griega que encarna al destino, presenta una secuencia cíclica, impulsadas por oscilantes sintetizadores en modo “piano”, allanando el terreno para que se sucedan ligeras sonoridades cibernéticas. Mientras que la vaporosa “Trakl” con sus estallidos “ambient”, soplando sobre una ligera marea electrónica, pondrá punto final a la obra.    
En este EP, Noriega sigue demostrando ese interés por lo enigmático, como base para iniciar su exploración sónica; simpatía que se observa no solo reflejada en su música, sino en la titulación de sus temas, involucradas con ese rasgo de las antiguas culturas. Otro feliz ensayo de El Otro Infinito.  

martes, 7 de noviembre de 2017

MENTE & LOS MANUSCRITOS: ENTRE LOS ALIAS Y EL RUIDO-Reseña

UNA DE TUS VIDAS PRESTADAS
MENTE & LOS MANUSCRITOS
(2017)
Los alias, álter egos, “A.K.A.” o seudónimos son parte de la cultura rock, y la escena arequipeña no ha sido esquiva a este detalle, es así que Herber Paredes (Hombre del Espacio), asume una nueva identidad para presentarnos otro proyecto solista, paralelo a Vida En Marte, Mente & Los Manuscritos. Desde hace un tiempo el músico se hace llamar Mente Paredes, y para este nuevo acto sonoro, actúa bajo el nombre de Raúl Armas y su banda ficticia, siendo el compositor de la obra y ejecutor de la mayoría de instrumentos que la musicaliza.   
Paredes, ya había lanzado en septiembre de este año, un single EP, “Nietos Cósmicos”, como Vida En Marte (no te has mareado con tanto “alias” del músico, ¿no?) previo a este disco que, a decir de su autor, sirve como material de transición, para lo que vendrá en sus próximas apariciones discográficas como Vida En Marte. Aunque la estética lo-fi, precariedad sonora (para grabar, no sabemos si adrede o escases de recursos) y ese ruidismo electroacústico, tan característico en su música, permanece inalterable.  
La acústica rustica de “La Muerte de los Suburbios”, cuyo audio pareciera grabado directo a una radiograbadora, abre el disco, seguido por las guitarras “indies” de “Múltiples Paraísos”. Los reverberantes punteos de “Juguetes en Exposición”, crean una lúgubre ambientación, en medio de amargas liricas. Mientras que toscos riffs se alternan con agudas saturaciones en “Día 12”.
La ruidosa dinámica de “Ciudades del Futuro”, acelera el ritmo del disco, enlazándose con estrepitoso ruidismo y diluyéndose para dar paso a la reflexiva “Premio al Primero que se Autodestruya”, cantada casi sin compañía musical, más que de golpes secos de un objeto que solo Paredes sabrá qué es.  Continua la lánguida “Mantente despierto Antes del Rapto”. También hay otras piezas inconexas como “Construyendo Caminos”, que recién sobre su final adquiere forma. En la instrumental “Una banda llamada Moon”, las influencias Sonic Youth de Paredes saltan a la vista, el ruido empoderado por acoples, feedbacks, distorsiones y todo aquello que resulte ensordecedor, se unen en el efectivo cierre “Universo, Mente de Inspiración”. 
Mente Paredes, Raúl Armas para la ocasión, a través de sus diez piezas de corta duración, nos sigue mostrando esa pasión por la experimentación con el ruido, combinando cuerdas acústicas con otras corrosivas, si bien no todos sus intentos y ensayos concluyen de la manera más óptima (pues algunos son de data antigua), sí nos manifiesta la intensidad del músico con explorar con el sonido y perseverar por la senda del DIY, y como nos manifestó, este trabajo es producto de sus ganas por simplemente divertirse.     

jueves, 2 de noviembre de 2017

YUME STATION - MINIMALISMO DESDE LA INTIMIDAD MÓVIL

BROKE MY BASS
YUME STATION
Chip Musik
(2017)
La primera vez que vi a Karen Huacasi, fue disfrazada de monja junto a sus compañeros de banda, en la Feria del Libro de 2014, pues era un hábito del grupo alternar su indumentaria para cada presentación, en otra ocasión, salió con un aspa (hecha con esparadrapo) sobre su boca, pero con lo que estuviere cubierta, siempre se ha dado maña para lucir enigmática y misteriosa, irradiando un aura inquietante a pesar de su sencillez y timidez.  
El generoso compilatorio Lego 10 -Evas, a cargo de la gente de Chip Musik, nos presentó a Karen como Yume Station, la nueva identidad sonora, de la ex bajista de los arequipeños Ruidósfera, donde se deshace de su clásico instrumento para entregarse a la parafernalia electrónica y construir sonoridades minimalistas e indescifrables, pero desde la intimidad de su equipo móvil. Ella señala que su proyecto es de “carácter íntimo y autobiográfico”, sustentado en la dualidad del dolor y la inocencia, constituyéndose sus temas “Hole” y “Under” en claro ejemplo de ello.
Su primer trabajo, Broke My Bass es una obra atractiva, radicada en su simpleza, inspirada en las ansias de experimentar con las diversas posibilidades que ofrecen los sonidos y ruidos tan elementales que se dejan escuchar en sus diez minutos de duración a través de sus siete misteriosas (y en algunos casos, dramáticas) piezas, comenzando con la brevísima, “Plug 28”, cuyos peculiares sonidos, cuál látigo que se contrae, emprende la senda enigmática que rodea esta producción. Luego los sutiles pero resonantes (y algo saturados) teclados de “Hole”, acompañados por finísimos beats, logran hipnotizarnos. La misma base rítmica prosigue como pista para la inescrutable “Under”, cuyos recónditos sonidos son manejados de manera improvisada y aleatoriamente, cuasi antítesis de la anterior.
Casi sin cesar se aproxima “Faulty”, con sus sinuosos y replicantes sonidos, apoderándose de tu cerebro, merced a su cautivante instrumentación de rasgos orientales (por encontrarle una explicación), donde Karen, experimenta, juega y hace lo que le viene en gana con estos, pero paradójicamente respetando una estructura sónica. En “Arrived Son”, juega con unas escuetas líneas de teclados pero que resultan agradables, agregándoles ligerísimas percusiones. Un intento algo más convencional se viene con “Red Flap”, a pesar de su alterada línea de synth. Finalmente, los “desérticos” teclados de “Throwback”, evoca cierta ambientación ufológica. 
Breve, pero contundente manifiesto experimental de la arequipeña, cuyas lúdicas sonoridades son capaces de ambientar parajes dramáticos como reflexivos, pese a su riguroso minimalismo.    

lunes, 23 de octubre de 2017

Katalaxia/grita lobos - reseña

KATALAXIA
grita lobos
A Tutiplén Records
(2017)
Personalmente desconozco los efectos “redentores” y “purificadores” de la ayahuasca, pero sí los de la música, ante el tedio y la rutina, su poder catártico y cómo paradójicamente este arte “banal”, para algunos, logra liberarnos de lo mundano y unirnos como comunidad, ya sea en un concierto, en una pista de baile o en la soledad de nuestras habitaciones. Y hago todo este preámbulo, a raíz del nuevo trabajo del proyecto (en modo incógnito) grita lobos, Katalaxia, un disco conceptual que gira en torno a “un viaje que empieza como una huida de la ciudad y las corporaciones, para entrar a un estado de conciencia modificada” por el brebaje amazónico.
La palabra deriva del griego “katallasso”, que significa también «admitir en la comunidad» y «pasar de enemigo a amigo», y es una “teoría sobre los intercambios en un orden espontáneo, sin objetivos comunes ni plani­ficados entre las personas”; cuyas siete piezas testifican de esa naturalidad, anunciada como “luminosa, enérgica y expansiva”. Sin embargo, considero que se trata de un material todavía más enigmático que su predecesor.
Esta segunda entrega del productor misterioso, es un trabajo que requiere una atenta audición para su interpretación, que va desde sonoridades, llamémosle, convencionales de la electrónica para mutar a otras más abstractas, representando la concepción ya descrita. Desde el saque, los beats y teclados ascendentes, acompañados por la sombría voz de Santiago Pillado (El Hombre Misterioso), nos arrastran hacia una vorágine electrónica, con el hibrido “interzone inc. pt.II”, envolviéndonos con sus ambientes trance, house, dark-wave y por instantes luciendo punteos Depeche Mode  era “Playing The Angel”, así como misteriosos ¿aullidos? (¿de lobo?).
A los oscilantes ruidos electro y correcta base rítmica de “curiosity”, la ascendente guitarra de Efrén Castillo (Liquilardo Celuloide/Moldes), le otorga dimensiones siderales, así como logrando una perfecta ambientación de club nocturno, donde gobierna el hedonismo. Hasta aquí hemos estado en la ciudad, pues con “dimetrilptamina”, pieza que sirve de eslabón para comprender la obra, empieza el recorrido por los senderos psicóticos y alucinógenos, y es que el tema hace referencia al “principal compuesto químico del brebaje, generando una experiencia que sana el cuerpo, ilumina la mente e integra a las personas en comunidad”, resultando musicalmente hipnótica sus machacantes caja de ritmos, loops, espaciales synths y sus sutiles guitarras New Order, logrando sensaciones psicodélicas.
La parte más experimental y abstracta del disco se exhibe con la indeterminada “la soga de los espíritus”, sucediéndose una serie de sonidos magnéticos y “extraídos” del cosmos, intentando sonorizar ese poder de la planta para conducir a “los límites de la vida…el medio para unir el mundo de los vivos y los muertos”, yuxtaponiéndose sobre su final los filosos feedbacks que ejecuta el guitarrista Efrén Castillo. Luego las coquetas pulsaciones computarizadas de “karampi” (nombre ashánika para la ayahuasca) son un prefacio para el variopinto desfile de sonidos robóticos que irán transitando, en medio de una atmósfera misteriosa nuevamente asociada con las cuerdas de Castillo, hasta que sorpresivamente la pieza se “desenchufa”.
La volátil voz de Katia De La Cruz, llena el espacio y predomina sobre las capas frenéticas, discotequeras y psicodélicas en la delirante “the far east”, cuya ambientación dancística parece interminable, pero justo allí, asoma una etérea percusión étnica, volviendo más adictiva la pieza, hasta que unos sonidos resonantes marcan su fin. 
Concluye esta expedición espirituosa y redentora, que la música también es capaz de lograr, con la vertiginosa “katallaso”, pieza que va adquiriendo rasgos enigmáticos, gracias a sus lóbregos beats (¿Depeche Mode etapa “A Broken Frame”?) hasta convergir en una maraña de sonidos caóticos y ensordecedores, anunciándonos el final de nuestra catarsis y el retorno a la monotonía de la vida real. Un disco surrealista e ideal para dar rienda suelta a nuestras placenteras utopías. 



                                           

miércoles, 20 de septiembre de 2017

EL SONIDO DE LOS PERROS-Reseña

El Sonido De Los Perrros
Desde Chile, este “power trío” conformado por Pedro Lobo (guitarra y voz), Juan Mono (batería) y Pablo Mazho (bajo), expulsa áspero, crudo y maloliente rocanrol, ofreciendo una serie de sonoridades que van desde el “garage rock”, pasando por el “rockabilly”, hasta llegar a la “no wave”, y vomitando desencanto a través de sus escépticas liricas, todo esto en la suma de lograr una ambientación lúgubre y caótica.
En su epónimo trabajo, distribuido en seis piezas, enlazadas por breves interludios contenidos por interferencias telefónicas, réplicas de campanas, ambientaciones inhóspitas y otros sonidos peculiares, dan la apariencia que nos encontramos frente a una sola historia dividida en episodios.  

El disco se inicia con enigmáticos sonidos que abren paso a la guitarrera “Los Rastros”, de corrosivas cuerdas, donde un psicópata sínicamente nos confiesa que dejará rastros de sangre como señal de sus fechorías y su impotencia al no sobreponerse a su instinto asesino a pesar de sus rezos y búsqueda por indulgencias. Prosigue “Nuevo orden”, con guitarras enredándose entre sí, contrayéndose y finalmente retorciéndose con el “fuzz” al límite, con un desencantado canto proclamando el arribo de “la automatización para la población” y pidiendo un doctor que le devuelva la motivación; misteriosos sonidos preceden a la palpitante básica rítmica de “Más Allá”. 
Unas campanas fúnebres anteceden al rocanrol cavernoso y caótico de “Cae La Noche”, donde Lobo manifiesta su frustración ante la monotonía de la normalidad. Luego el sonido de gaviotas sobrevolando lugares costeros y unos arpegios ensoñadores iniciales nos traen una aparente calma, ante tanta confusión, pero no, pues la surf-rock (y hasta bailable) “La Playita” nos presenta la conflictiva y enfermiza historia romántica entre dos desorientados, donde el narrados manifiesta: “yo soy un drogadicto y tú eres como Courtney Love”, resultando entretenido su relato a pesar de su atmósfera bizarra.  
Finalmente, un ambiente desértico precede a la ruidosa “Duna”, otra loa a la impotencia ante el ritmo vertiginoso que se vive en la ciudad, “desierto en la ciudad/Soldado sin cuartel, desierto en la ciudad” confiesa con patética resignación su vocalista.
El Sonido de Los Perros resulta explosivo y rebelde, y están próximos a lanzar su primera producción oficial con la gente de Sucio Records, con quienes vienen celebrando una serie de presentaciones, en los diversos festivales y conciertos organizados por el sello arequipeño. Mañana jueves 21 de septiembre como parte del Festival del Libro, tendrás la oportunidad de apreciarlos en vivo y dejarte embriagar por su lisérgico sonido en la rotonda del parque de la Libertad de Expresión en Umaccollo. Una cita impredible.   


sábado, 9 de septiembre de 2017

ATRAPANDO RAYOS-ALTOCAMET. Reseña

ATRAPANDO RAYOS
ALTOCAMET
Casa Del Puente Discos
(2017)
El trío marplatense acaba de lanzar su nuevo álbum, Atrapando Rayos, el sucesor de su encantador Más Allá (2014) y de su respectivo disco de remixes y outtakes El Ascensor (2017), que contó con la participación de Graham Sutton (Bark Psychosis) en la post-producción y Tim Young en la masterización.
La combinación de colores tenues con rojizos que exhibe su portada, no es sino una muestra de la versátil propuesta que el trío sigue plasmando a lo largo de sus lanzamientos. Esa exquisita y elegante fusión entre “dream-pop”, “shoegaze”, “ambient”, “chill-wave/out”, edulcorada con sutil electrónica y ambientes post-punk, que, en esta ocasión a diferencia de su anterior entrega, luce más reposada y etérea, así que no esperes más “Somos Tornado” o “Aurora Boreal”, sino déjate atrapar por la estética que se presenta a lo largo de los nueve temas que conforman el registro.
La instrumental “Tormenta de Verano”, vaporoso corte que nos introduce a esa ambientación gélida ya mencionada, donde sus delicadas cuerdas surgen como ligeros halos y sus atmosféricos teclados edifican penetrantes sonoridades, sirviendo de efectivo interludio para “Glaciar”, cuyos gaseosos sintetizadores resultan hipnóticos, y ese tranquilo clima construido por el trío, además de la acogedora voz de Canu Valenzuela, resulta relajante.  
En “Carro de Fuego”, sus embriagantes cuerdas y teclados “ambient”, van mutándose hacia una palpitante pista, embellecida por la dulce voz de la invitada Paula García (Sobrenadar), dejándose escuchar por ahí, arreglos de guitarra acústica, esfumándose repentinamente la pieza, para que luego la guitarra de Canu adquiera dimensiones ligeramente ásperas sobre cristalinas sonoridades en “Vibra en Frecuencia”. Prosigue la cándida y nostálgica “Atrapando Rayos”, corte interpretado por la tecladista Mariana Monjeau, donde Altocamet exhibe su lado pop más tierno. Mientras que las inquietantes guitarras atmosféricas de “No Están Quietos”, nos muestra su perfil “shoegaze”, por así decirlo, pues hay otros estilos que se yuxtaponen dentro de la pieza, pero exalta la canción, esos instantes donde el dueto de voces Valenzuela-Monejau hace su presencia en medio del clímax sonoro, sonando realmente fabulosa.
El sutil electro-pop de la introspectiva “Hemos Cruzado”, nos presenta al segundo invitado en voces, Benito Cerati. El bajo en clave funk de “Cuando ya no Esté”, flotando en medio de burbujeantes y atmosféricas sonoridades, participando nuevamente Mariana en voces, es una clara muestra del eclecticismo de Altocamet; y por esa senda de fusión sonora, sorprende la trompeta que se incrusta en la pieza de cierre “Persiste”, donde nuevamente los músicos hacen gala de su elegante y versátil pop. 
Atrapando Rayos  es un sobresaliente ensayo de texturas sonoras, donde la audición de cada pieza resulta una caricia para los oídos, reflejando el trío toda su sapiencia - alcanzada durante sus veintidós años de impecable trayectoria- para combinar los diversos estilos de la vanguardia pop.  




jueves, 7 de septiembre de 2017

STORMS, LA MADUREZ SÓNICA DE THE DEAD-END ALLEY BAND

STORMS
THE DEAD-END ALLEY BAND
Necio Records / Inti Records / Forbidden Place Records
(2017)
El cuarteto psicodélico capitalino antes de emprender su tour europeo (2015), dejó algunas maquetas para trabajarlas a su retorno, de estas se desprenden los seis temas que conforman esta nueva producción (se anuncia para la edición en vinilo un “bonus track”), una placa donde el “fuzz” y el farfisa se dan maña para recrear atmósferas densas y pesadas, siempre con esa sensación de zozobra, de misterio que hacen fascinante la música de la banda.
Storms, su reciente producción, sirve como testigo del progreso del grupo por hacernos delirar con sus parajes oníricos, claustrofóbicos, tétricos, una clara muestra de ese afán por fantasear con lo “pesadillesco”, aspecto que destacamos de su anterior entrega, recala en la densa “The Clock Has Stopped”. Este nuevo álbum significa el logro de los músicos en la consecución de su propio estilo, de una maciza y compacta sonoridad menos “vitange” pero a la vez más etérea, donde una detenida audición de la espectacular pieza de cierre “Waiting For The Void”, sintetizará lo que trato de explicar.    
El arranque del disco no puede ser más alentador, con la ascendente “Red Woman”, donde unos teclados siderales uniéndose con la guitarra in crescendo consiguen una ambientación épica, para que luego la rugosa voz de su líder Sebastián Sánchez-Botta, la lleve por terrenos mefistofélicos; el vertiginoso y explosivo estruendo sonoro emprendido por Javier Kou (bajo) Leonardo Alva (guitarra) y Jafer Diaz (batería) colocarán el broche de oro para esta apoteósica pieza, que sin duda es uno de los mejores temas del año.    
Los pesadísimos punteos y riffs de la densa “Headstone Fortress”, resultan delirantes, donde somos retorcidos una y otra vez por sus abrasivas cuerdas y el canto angustiado de su vocalista. Por ese mismo sendero de lisérgico “hard-rock” se desplaza la psicodélica “Need Yout (It’s Enough)”.  
Para “Thunderbolts & Lace”, los Dead-End irradian desenfreno rocanrolero, con su delirante farfisa, unos envolventes “wah-wah”, así como resonantes guitarras e inquietantes percusiones, para luego por unos instantes ponernos el ambiente más tensa, arrojándonos por mundos enajenados con sus sonidos misteriosos pero nos harán retornar finalmente a la pista de baile.
“The Clock Has Stopped” es otro “temón” del disco, una canción que resalta por su impecable estructura, narcotizándonos de inmediato con su enigmático teclado y sus claustrofóbicas cuerdas, para posteriormente dar rienda suelta a la experimentación y la espontaneidad, donde cada uno de sus integrantes exhiben sus destrezas con sus instrumentos, concluyendo con una intimidante marcha.
El lanzamiento en vinilo se hará a través del sello Clostridium Records
Cierra la volátil “Waiting For The Void” merced a sus flautas pan, percusiones nativas, sonoridades étnicas y otras virtudes ya mencionamos, sirviendo como perfecto colofón de esta nueva entrega, donde The Dead-End Alley Band aflora la madurez y auspicioso ensamble conseguido por el proyecto sonoro emprendido por Sánchez-Botta y compañía, que seguramente los catapultará al primer plano de las producciones nacionales del 2017, no en vano el interés de gente de sellos foráneos en editar este material. Recomendadisimo.


sábado, 29 de julio de 2017

LOS 20 MEJORES DISCOS MUNDANOS 2017 (Ene-Jul)

Ha pasado ya más de medio año y también se nos ha escapado una buena cantidad de discos por reseñar. Antes que siga avanzando el tiempo compartimos nuestra lista de favoritos, que ya la teníamos preparada días atrás, pero estábamos a la espera de lo nuevo de Arcade Fire. ¿Qué podemos comentar del último disco de los canadienses? Está años luz de lo que significó “Funeral” (2004) y “The Suburbs” (2010) ni siquiera al regular “Reflektor” (2013). Desde que se entregaron hacia la música disco y los sonidos sintetizados, perdieron parte de su magia, a pesar de presentar por ahí algunos buenos temas. Vayamos a los discos que sí valen la pena. 
20.
FORGET
XIU-XIU
La dramática voz de Jamie Stewart y los siniestros teclados que lo acompañan, nunca defraudan. Los complejos climas sonoros (tan inmersos en lo paranoico y lo esquizofrénico) que ambientan estos músicos, nos siguen cautivando, a pesar de conocernos casi de memoria sus predecibles parajes.     

19.
LIFE WILL SEE YOU NOW
JENS LEKMAN
El músico sueco en esta ocasión logra un disco esperanzador, colorido, versátil, de temas bailables y amenos. Entre la salsa, el calipso, la bossa nova o la música disco, Lekman se da maña para visitar cualquier estilo y emparejarlo con su carismático pop.   

18.
MIGRATION
BONOBO
En esta entrega, el DJ británico, Simon Green hace confluir la electrónica con la música “ambient” para entregarnos relajantes piezas, que además han sido enriquecidas con oportunas colaboraciones, destacando entre ellas, la de Rhye para “Break apart” o la del DJ Nick Murphy para la hibrida danza en “No Reason”.  

17.
ROCK N ROLL CONSCIOUSNESS
THURSTON MOORE
Hace tiempo que el buen Thurston Moore, no sacaba efectos tan viscerales e infernales, retorciendo sin piedad las cuerdas. Esos seis maquinales minutos de “Cusp” son oro puro.


16.
FROM DEEWEE
SOULWAX
Electrónica compacta, lúdica y espontánea, y uno que otro arrebato, es lo que ensaya la dupla belga conformada por los hermanos David y Stephen Dewaele en este nuevo álbum.


15.
NOT EVEN HAPPINESS
JULIE BYRNE   
No solo su belleza física nos deja boquiabiertos, sino su nostálgico e introspectivo folk. Este segundo trabajo de la artista americana, se erige como un manifiesto de una carrera en franco ascenso.   


14.
HALO
JUANA MOLINA
La bonaerense sigue por esa senda experimental, que ha sido celebrada por la crítica mundial. En este episodio, Molina se vale de sonoridades acústicas (en su mayoría, porque siempre hay espacio para lo electrónico) para seguir hipnotizándonos, aún con las piezas más abstractas.    

13.
OCCULT ARCHITECTURE VOL. 2
MOON DUO
Algo desconcertados por los resultados del primer volumen, en este disco, el dúo psicodélico nos narcotiza con sus prolongadas melodías volátiles, incluyéndose sintetizadores en varios pasajes de las mismas.  
12.
WEATHER DIARIES
RIDE
Junto a Slowdive, han logrado auspiciosos retornos, no viviendo de sus discos pasados sino de sus actuales creaciones. A característico sonido “shoegaze”, se le suman en esta ocasión, ambientes pop-rock y sobre el final del disco se incluyen sonoridades de rasgos etéreos.


11.
CONTACT
PHARMAKON

Margaret Chardiet viene concibiendo una serie de obras sonoras, que deben estar consideradas entra las más aterradoras de su generación. “Contact” es música para escarapelarnos el cuerpo, son golpes contundentes para nuestra sensibilidad, es “Sensient” son sus retorcidos teclados llevándonos al borde de la locura. Seis piezas son suficientes para sentir la sensación que hemos salido vivos del peor de los manicomios.


10.
NARKOPOP
GAS
El músico alemán de “ambient music”, Wolfgang Voigt, vuelve a dar vida a su seudónimo GAS, tras 17 años de silencio, reuniendo diez hermosas piezas que sedarán tu alma.


9.
WORLD EATER
BLANCK MASS
Electrónica contundente y alucinante, su extensa “Rhesus Negative” se presenta como una odisea a través de los diferentes estados de la locura.  El británico Benjamin John Power no tiene reparos en expulsarnos sus violentas descargas sonoras y combinarlas con orates sonoridades. Tu sentido de la realidad no será el mismo después de su escucha.

8.
NO SHAPE
PERFUME GENIUS
Los estallidos sonoros (y dolorosos) de “Otherside” resultan conmovedores, enganchándonos de arranque con la obra. La envolvente sonoridad sintética de “Slip Way” nos termina de atar a la misma y ni qué decir de la cándida voz de Mike Hadreas. Imposible despojarnos de ella de principio a fin.  


7.
THE FAR FIELDS
FUTURE ISLANDS
Su sonido new wave y la peculiar voz de Samuel T. Herring poseen poderes hipnóticos sobre el oyente, lo que hace imposible soltarnos de cada una de sus pulcras piezas.


6.
ZONA TEMPORALMENTE AUTÓNOMA
LOS PLANETAS
La consagrada banda española, es otra que no se sale de su molde sonoro y para nada suena a remedo de sí misma. Sino todo lo contrario, luce más vigentes que nunca. Sus cósmicas piezas siguen enamorándonos, sobre todo la genial “Una Cruz a Cuestas” con Soleá Morente en las voces, semejante a un mantra dispuesto a purificarnos el alma.   


5.
ARCA
ARCA
Alejandro Ghersi además de someternos a sus tensos ambientes y extrañas sonoridades, canta con pesadumbre y en su idioma, busca conmovernos con sus falsetes; su música penetra nuestra sensibilidad, exprime nuestros recuerdos tormentosos. Este disco merece más líneas, que esperamos hacerlas prontamente.    


4.
PLANETARIUM
SUFJAN STEVENS/NICO MUHLY/BRYCE DESSNER/JAMES MCCALISTER
Con la mira de crear ambientes sonoros inspirados en la galaxia, este selecto grupo de músicos, con el gran Sufjan Stevens a la cabeza, ha conseguido hallar la belleza de lo humano para hacerlo lucir espacial, no solo musicalmente (con sus sonidos vaporosos) sino temáticamente. 


3.
CRACK-UP
FLEET FOXES
Luego de silenciosos seis años, la banda nos ofrece otro gran disco de atmosférico folk, por momentos psicodélico e hipnótico, aunque también se suceden instantes introspectivos.  


2.
DAMN
KENDRICK LAMAR
Cada disco de Lamar es un cambio de curso y eso hace atractiva su propuesta, pues nunca sabemos hacia dónde irá su sonido, como los oníricos y vaporosos ambientes de “Feel” o que intempestivamente nos transporte de un ambiente a otro en una misma pieza, además de esas liricas embargadas por la violencia, donde escupe sin tapujos su desencanto.  


1.
SLOWDIVE
SLOWDIVE
Espectacular retorno de esta abanderada del shoegaze, quienes visitaron la capital dejando más que satisfecho a sus seguidores.  Un disco casi perfecto para el amante de las guitarras atmosféricas y las melodías ensoñadoras.

viernes, 28 de julio de 2017

Los MEJORES DISCOS PERUANOS 2017 Enero – Julio + Bonus Track (rezagados 2016)

Hoy nuestra patria cumple un aniversario más y queremos celebrarlo con los mejores álbumes nacionales que a nuestro “egoísta” criterio se han producido hasta la fecha, así como una breve lista de aquellas producciones que salieron en las postrimerías del año pasado y no alcanzaron a ser mencionadas en el recuento anual, pero que creemos merecen ser reconocidas.
Esta relación está libre de jerarquías, eso lo dejamos para nuestro ranking de fin de año. Algunos de los discos ya han sido reseñados y otros esperamos hacerlo prontamente. Iniciemos…


PARAÍSOS, REVOLUCIONES Y TÚ
WILDER GONZÁLES AGREDA
Super Space Records
Lee nuestra reseña aquí  



NIÑOS ADULTOS EP
JIMMY DOROTHY
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http://tesorosenlatierra.blogspot.pe/2017/02/ninos-adultos-ep-jimmy-dorothy-resena.html 



DEAD*POP
Ya leíste nuestra reseña ayer…


SATÁNICOS MARIHUANOS
SATÁNICOS MARIHUANOS
Necio Records
Sonoridades “duras”, psicóticas, densas y transgresoras son las que plasman este trío de “stoner” y “doom” en su mefistofélico debut, recreando caóticas ambientaciones del inframundo que esperamos dedicarle más líneas próximamente.   



¡VÁMONOS!
WAYO
El cantautor limeño celebra sus quince años de trayectoria lanzando su sexto álbum, disco de fresco y ligero pop-rock, en esta ocasión endureciendo sutilmente su sonido, sobre todo en los arreglos de guitarras.


RATITAS MODERNAS DE BARRIO
LOS CUNCHES
Faro Discos
Ahora sí la banda se lanza al ruedo sin Split de por medio, con una propuesta más definida y dirección sonora enfocada hacia el “indie-rock” melódico (noise, psicodelia, gaze) entregándonos momentos delirantes como en “Tulitarri”. 



LO QUE NO PUDIMOS CAMBIAR
MY JARDÍN SECRETO
Cuaderno Roto Producciones
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SINTROPÍA
R1FFM4N
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NO MIGTHIER CREATURES
NO MIGTHIER CREATURES
Lee nuestra reseña aquí…




PULP FICTION-SURF THEMES
LOS STOMIAS
Mosquito Records
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TRASANTLÁNTICO
SUBMARINO
Faro Discos
Su primer álbum fue sin duda uno de los esterales del 2015. La incursión en mayor proporción de instrumentos de viento, como el trombón, es una característica en este EP. Donde la banda sigue exhibiendo ese melódico “noise-pop” tan embriagador. Ni qué decir del “shoegaze” triunfal de “Dominique Crenn”.    


SONIDOS ULTRASÓNICOS Y AUDIBLES PARA CALLAR AL PERRO DEL VECINO
ALMIRANTE ACKBAR
Faro Discos
El ensoñador “noise-pop” (por ratos también “dream-pop”) que exhibe en su álbum debut, resulta cautivador de principio a fin, sobre todo en piezas como “El Falso Autostop”; ya habrá tiempo para hablar más de la música de estos eres galácticos.


EL OTRO INFINITO
FEVER
Chip Musik
Lee nuestra reseña aquí




LA CASA NO EXISTE
ALEJANDRO Y MARIA LAURA
La ecléctica pareja sónica, sigue creando música encantadora, donde la melancolía cohabita con lo enigmático sin problemas. 


LA TERMINAL
LA TERMINAL
Custom Made Music
Hasta que por fin vio la luz el esperado álbum de los arequipeños, y de qué manera, pues su angustioso ruidismo logra retorcernos hasta el suelo. Ya se viene su merecida reseña.


NYMPH
MIYAGI PITCHER
Chip Musik
Otra espectacular placa de Alexander Fabián Gómez, el hombre de los múltiples alias, quien, bajo la faceta de Miyagi Pitcher, parece haberse concentrado en el “ambient music” para concebir obras de oro puro como “Mesmerize” o de rasgos abstractos a lo Ben Frost como “Yuge”.          




ALOYSIUS ACKER
ALOYSIUS ACKER
Bifronte Records
José Rodríguez (Puna) incursiona en solitario para a través de sus cinco bellísimas piezas, de influencias post-rock y etéreas, compungirnos el alma. Música que nos lleva hacia la levitación para desde perspectivas aéreas contemplar la naturaleza.  




THE WAY OF LOVE
ALE HOP-IGNACIO BRICEÑO
A Tutiplén Records
El camino del amor muchas veces es tormentoso, sombrío y siniestro como las lúgubres ambientaciones que la dupla experimental ha preparado para este disco.




RAVELERS
RAVELERS
Delirante pop psicodélico el que producen estos músicos, oriundos de diversas partes del país, fusionando su estilo con sonidos folclóricos de diversas latitudes patrias, en su afán de conciliar nuestra cultura ancestral con lo moderno. Una mezcla alucinante de sonoridades pocas veces experimentadas en un álbum debut. Hipnótico de principio a fin.



EL SIGNO MOVIMIENTO
FOBYA
Tesoros Mundanos
Ya que casi ningún medio ha comentado nuestra producción, pues nosotros le hacemos justicia. Si bien los arequipeños repasan el post-punk ochentero, lo revitalizan con sonidos de vanguardia.



ZAMBA P*TA
LA LÁ
A Giovanna Núñez le ha sido más que suficiente solo 25 minutos para demostrar todo su virtuosismo y conmovernos nuevamente con su bellísima voz, para superar con creces el fantasma del segundo disco. Nueve hermosas piezas, de rasgos todavía más eclécticos que sus antecesores que la sitúan en el pedestal de las iluminadas.    


DREAMS
ASTRONAUT PROJECT
Lee nuestra reseña aquí…
http://tesorosenlatierra.blogspot.pe/2017/05/dreams-astronaut-project.html 




I ENJOY THE WORLD
EFRAÍN ROZAS
Buh Records
El músico peruano radicado en NY, con estudios de post-grado en etnomusicología y composición, desarrolla sobre una firme (y fina) amalgama   electrónica, lo que se conoce como “world music”; 40 minutos sin interrupciones, de sonidos para la meditación y reflexión.  




LA COSTA DEL PACÍFICO
LOS ZAPPING
Faro Discos
Desde el 2007 esta banda “indie”, y muy alternativa, ha mantenido perfil bajo y dejando de paso varias joyas entre sus álbumes, EPs y “singles”, ubicables en su cuenta en bandcamp. Por ello no es de sorprender lo expuesto en esta fascinante obra, donde sonoridades “noise-pop” y “shoegaze” de corte melódico nos embelesan inmediatamente.


SUPERFRICCIÓN
LIQUILARDO CELULOIDE
Buh Records
Sencillamente magnífico. El ruidismo volándonos la cabeza y llevándonos al éxtasis. Las palabras quedan cortas (por ahora…).   



PARADISO ETERNO
ZETANGAS AND THE MONSTERS OF COMIDA
Bifronte Records
Lee nuestra reseña aquí…  



BONUS TRACK (ReZaGados 2016)

MITAD HUMANA
MITAD HUMANA
El grisáceo pop que ensayan Pamela La Hoz y Michael Dawson, resulta irresistible, por momentos áspero, turbio y enigmático, creando ambientaciones sombrías, presentando una propuesta poco explorada en nuestro medio.    



EL JEFAZO
Necio Records
Sindicado por muchos como la mejor banda “stoner-doom” del momento y de mejor impacto en sus directos, ha agotado casi el tiraje de este álbum, síntoma de haber alcanzado una considerable cantidad de seguidores. Su pesada psicodelia instrumental resulta hipnótica.  


MOVIMIENTOS
POLVOS AZULES
Dorog Records
Es el tercer ensayo de Giancarlo Samamé, el hombre quien está detrás de Dorog Records, donde explora con una diversidad de géneros y estilos, así como también con la poesía, inclusión de registros sonoros, instrumentales y samples, refugiándose en la improvisación y la espontaneidad para ofrecer su visión crítica del país, logrando una obra por demás meritoria.



LIMA DE BLUE
DJ LOCOPRO
Dorog Records
Miguel Ángel Elescano eligió el seudónimo “DJ Locopro”, para resumir sus trabajos a través de sus diferentes alter egos (Teiza Raizi, Lima Centro Project, entre otros.). A través de la electrónica, fusiona diversos estilos como el “drum & bass”, “hip hop”, “dubstep”, “techno” o el “house”, sampleando también piezas de música criolla y andina, logrando adictivas ambientaciones.


EL REGRESO DE LOS BRUJOS
ANCESTRO
Necio Records
Auspicioso debut de los trujillanos, creando densas y pesadas instrumentaciones influenciadas en el stoner y la psicodelia.