martes, 30 de diciembre de 2014

PUNA: "PREFERIMOS QUE LA GENTE DEJE VOLAR SU IMAGINACIÓN AL ESCUCHAR LOS TEMAS DE NUESTRO ÁLBUM"

AU DIAL
PUNA
DOROG RECORDS (2014)
Si bien la banda peruana ya tiene varios años en la brega de la experimentación, es con su formación actual, Jorge Rivas (guitarra, secuencias y teclado), José Rodríguez (guitarra, secuencias y teclado) y Rolando Apolo (guitarra, teclado y oscilador), que ha consolidado un sonido espectacular capaz de llevar nuestros sentidos por atmósferas oníricas, haciendo transitar nuestro subconsciente por hermosos paisajes naturales como lo dice su nombre, relacionándonos con las alturas más sublimes de los andes.
La música de Puna nos introduce por una especie de marcha ascendente a los cielos, cuyas bellas melodías, mucha de ellas tan relajantes como el avizorar el arribo del alba, contemplar el rocío de la mañana, o ser ligeramente “golpeados” por la suavidad de la  neblina o las gotas de la garúa sobre nuestros rostros en ambientes otoñales o invernales. Es música que logra dibujar en nuestras mentes esos lugares inhóspitos y a veces gélidos de las aturas.
El trío si bien se vale del shoegaze, ambient, noise, etéreo y la electrónica para crear su música, no se limita a replicar a los principales representantes de estos estilos sino experimentan con todos estos para concebir el suyo, dejando en claro su sello personal. Es así que guitarras etéreas uniéndose a sonoridades ambient construidas por sintetizadores, osciladores y atmosféricos saxofones nos elevan hacia la estratosfera. Donde cada una de las piezas del álbum ha sido diseñada y estructurada con singular maestría, destacando el cuidado por los detalles más mínimos, de ahí que los resultados arrojen música de lo más estética y bella, no en vano el trío se tomó 2 años en concebir semejante obra de arte.  
La atmosférica pieza inicial “Llachua”, nos conduce entre una especie de remolino sónico elaborado a base de gruesas capas de guitarras y osciladores, convirtiéndose en una hipnótica y progresiva marcha poniéndonos a punto para el despegue sideral que significará la alucinada “Au Dial”, cuya explosión de sonoridad triunfal y angelical irrumpe en el ambiente perturbando nuestra sensibilidad, transportándola hacia parajes que la música le sugiere a nuestro subconsciente, convirtiéndose en todo un viaje espacial entre hermosos paisajes tantos terrenales como celestiales, interviniendo también sendos y ruidosos feedbacks que no harán más que sacudir todavía más nuestros sentidos, convirtiéndose de lejos, en una de las mejores canciones del 2014. Unos suaves teclados y delicadas cuerdas nos transportarán por los adormecedores parajes de “Trasnoche”, como lo señala su título, su melancólica música resulta sugerente para acompañar nuestras travesías a través de amaneceres lluviosos o nebulosos. El delirante y atmosférico saxofón de Arturo Quispe Velarde (Cholo Visceral) nos envolverá hacia las melodías relajantes y nostálgicas de “Aún Horizonte”.  El ruidismo electrónico de la abstracta “Inmerso” nos muestra a los Puna explorando por los terrenos del IDM, para  crear una serie de ambientes  repletos de sonoridades espaciales y psicodélicas. Unos taciturnos teclados ambientan sensaciones nostálgicas en la pausada “Niveo” que girará hacia parajes más ruidosos, ruidismo que proseguirá en “Nula Riviera” donde unas guitarras yuxtapuestas que por momentos se asemejan a sonoridades tipo Sonic Youth,  explotarán hacia ambientes de psicodélico “noise”.  En “Vespertar” Puna nos manda por relajantes extensiones celestiales. La hermosa melodía de la pausada “Celaje” resulta estimulante. Mientras que la sonoridad épica de “Spleen” adquiere dimensiones majestuosas. Sobre los cimientos de estructuras electrónicas, noise y etéreas un volátil saxofón nos delira en la astral “Monorriel”, llevándonos hasta las cimas más elevadas y fascinantes.
Au Dial logra como pocas obras hechas en nuestra patria, hacernos experimentar sensaciones tan cercanas a la realidad, contemplando latitudes andinas, tan astrales y espaciales. Tremendo disco, que ha encontrado buenos comentarios en varias webs foráneas, pues la majestuosidad con que ha sido concebida no es algo que ocurra todos los días.     



"PREFERIMOS QUE LA GENTE DEJE VOLAR SU IMAGINACIÓN AL ESCUCHAR LOS TEMAS DE NUESTRO ÁLBUM" Puna
ENTREVISTA
A fin de  indagar un poco más sobre las inquietudes que nos había dejado el majestuoso Au Dial, conversamos con sus artífices. 


Guido:¿Cómo se forma Puna?
Puna: La banda se forma en Lima – Perú en el 2008 por Jorge Rivas O' Connor, José Rodríguez, Gerardo Flores y Arnold Medina. Estábamos desde mediados de los noventas dentro de la corriente del post rock, asimilando estilos como el Ambient, Ethereal, Shoegaze, Noise, Dream pop, el IDM, Space y Drone. Nos reuníamos en casa de Jorge (Ionaxs) para tocar y empezamos a grabar algunos temas que componíamos a manera de improvisaciones. En la actualidad Puna lo conformamos Jorge, José y Rolando Apolo, quienes hemos producido el disco AU DIAL.
¿Cómo definirían la música que hacen? ¿Cuáles han sido las bandas que les han servido como influencia o punto de partida para desarrollar su obra sonora?
P: Preferimos que nuestra música hable por sí sola, son varios los estilos musicales que nos gustan, por lo tanto las definiciones se las dejamos a la gente que nos escucha. Tratamos siempre de aportar algo nuevo en nuestras composiciones.
Son muchas las bandas que nos influenciaron con sus sonidos, pero podríamos nombrar algunas como Dif Juz, My Bloody Valentine, Seefeel, Slowdive,  Cocteau Twins, Spectrum, Love Spiral Downwards, Silvania, The Cure, Yo La Tengo, GusGus, el IDM de la warp, la milleplateaux, la 4AD, los proyectos ruidistas de la Mego, y estilos como el jazz, el kraut rock, el doom metal, etc.
¿Por qué el nombre de Puna? ¿Alguna relación con la región natural, sus paisajes y el tipo de música de practican y las sensaciones que desean transmitir?
P: Así es. Creemos que Puna es una palabra que encierra lo visual y lo sonoro en nuestra música, sus paisajes y el sonido del viento sobre las alturas más el ruido de la ciudad.
¿Cómo eligieron la portada del álbum y cuál es su relación con el concepto del disco?
P: Es un fotograma de nuestro videoclip “Au dial”. Queríamos apostar por una carátula que sea un poco diferente a las clásicas portadas shoegaze que nos gustan ya que en nuestra música la influencia también es múltiple. La portada del disco tiene relación con algunos paisajes recreados como en los temas “Vespertar” y “Llachua”.
¿Por qué les tomó dos años terminar el álbum?
P: Había mucho por terminar, por ejemplo “Nula Riviera” fue un tema que compusimos años antes, así como también nos vimos con la necesidad de dejar muchos temas fuera del disco. Los medios que  disponíamos no eran los óptimos, las composiciones y grabaciones se fueron acumulando, por otro lado el sonido LO FI siempre nos agradó y cada vez nos íbamos equipando mejor. Nos reuníamos en las estaciones más frías del año para grabar nuevos temas, así nacieron las primeras versiones de “Au dial”, “Aún horizonte”, “Celaje” e “Inmerso”.

Disculpen que vuelva a insistir con la relación de algunos elementos del álbum y su música, encuentro una relación entre ellos pero solo deseo validen o descarten mis suposiciones ¿Cuál es el vínculo entre cada una de las canciones y sus respectivos títulos, podrían comentar brevemente cada uno de sus temas?
P:En realidad preferimos que la gente deje volar su imaginación al escuchar los temas de nuestro álbum. Desde “Llachua” hasta “Monorriel”, nuestro disco Au Dial es la materialización de toda una serie de experiencias sonoras concebidas en conjunto, cada una de ellas representa paisajes que los escuchas y pueden interpretar a su gusto.
¿Qué tal la repercusión nacional e internacional de Au Dial?
P:En lo nacional ha sido algo reducida debido a la complejidad de nuestra propuesta, sin embargo afuera hemos tenido una mejor respuesta del público, nosotros tocamos lo que no encontramos en la música normalmente difundida a nivel nacional, tocamos para un deleite personal y agradecemos a las personas que gustan de nuestras composiciones y asisten a nuestros directos.
¿Cuáles son sus proyectos a corto plazo como Puna?
P: Para este 2015 nuestra prioridad es la difusión del disco, la creación de nuevo material y la remezcla de algunos temas que tenemos pendientes, siempre en la vía de la experimentación.


Déjate llevar hacia un viaje sideral. Escucha Au Dial aquí

http://puna.bandcamp.com/album/au-dial 

Disfruta su clip "Au Dial"


lunes, 29 de diciembre de 2014

BÚHO ERMITAÑO: HORIZONTE-Reseña

HORIZONTE
BÚHO ERMITAÑO
G.O.D. RECORDS (2014)
Que gusto encontrar discos como estos dentro de la escena nacional, que no suenen a más de lo mismo, ni recalcitrante post-punk, ni a "revivals". La banda limeña Búho Ermitaño a pesar de paradójicamente no ofrecernos algo innovador o vanguardista en su disco debut Horizonte, sí nos presenta algo diferente, poco explorado en nuestro medio y con resultados más que satisfactorios y eso es más que meritorio. Además de contar con el apoyo de un sello griego (¡!) para su edición.
¿Qué de novedoso tiene Horizonte?  El explorar a través de sus 7 temas con diversos estilos, donde música exótica y andina puede juntarse con cumbia, mezclándose con sonoridades progresivas, psicodélicas, post-rock y hasta folk. El jugárselas con 5 temas que sobrepasan los 10 minutos y otros dos que pasan los seis. Cada uno ellos siguiendo el espíritu del rock progresivo de estructurar piezas musicales, cada una con sus respectivas partes, capítulos, episodios o cómo quisiéramos llamarle, que no se observan en el tracklist, pero una atenta escucha nos dará la alerta de los cambios que van experimentado las composiciones durante su ejecución. 
El proyecto fue iniciado en el 2008 por Franz Nuñez (guitarra, quena, charango) y Diego Pando (guitarras eléctricas y acústicas, bajo, charango), pero no será hasta febrero de 2012 que se presentan con el nombre de Búho Ermitaño en un concierto en el distrito limeño de Barranco. En el disco participan también Irving Fuentes (Sintetizadores, charango, guitarra y bajo), Leonardo Pando (bajo, guitarra, sintetizador) Juan Camba (Batería), Ale Borea (percusiones exóticas) y contó con la colaboración del ex Espira, Serpentina Satélite y Ahora Registros Akásicos Aldo Castillejos en la batería de algunos temas.
Abre el álbum la extensa "Kharisiri" peculiar por su reposada y etérea música, cuyas sonoridades de influencia oriental evocando característico folklore hindu que por momento se mezcla con la cumbia, donde las guitarras y tambores girarán hacia ritmos más acelerados y por momentos bailables, donde unos esporádicos teclados espaciales le darán un toque psicodélico al tema, y las cuerdas irán llevándonos por ensoñadores parajes exóticos. En "Odisea del Espacio" se despachan más de 14 minutos de lisérgico Krautrock, sobre el minuto 10 unas retorcidas guitarras mutarán hacia una expulsión de corrosivos feedbacks, punzantes bajos y abrasivas cuerdas hardrockers. La breve y minimalista "Kundalini" -tocada solo con órgano- servirá de correcto interfaz para conectarnos con los espaciales tambores y delirantes charangos de "Impresiones de Marcahuasi", instrumento éste útlimo que durante tramos de la pista se mandará con unas espectaculares "ráfagas" sonoras haciendo mayor nuestro festín auditivo, aunque esa eclosión de sonidos de irá diluyendo para desembocar hacia atmosferas más sosegadas. 
Un ecleticismo que resulta alucinógeno expulsa Búho Ermitaño en su disco
En "Camino a la Montaña" la banda prosigue por las pausadas sonoridades  que nos dejó el tramo final del tema anterior, pero bajo un clima más lóbrego, donde una lenta marcha tribal irá in crescendo conforme avancen los minutos, y unos momentáneos riffs, sutiles punteos y psicodélicos wah wah aparecerán para crear ambientes más cromáticos. Unas afiladas guitarras siguen una marcha oscilante sobre la base de exóticos tambores y replicantes platillos en la abrumadora "Estampida de Elefantes" que sobre su cierre se "empujen" con unas sabrosas guitarras "noise" como para rompernos los oídos. Finalmente en "Asunción" nuevamente unos adictivos tambores, son una invitación a la danza étnica de rasgos orientales, ofreciéndonos sus siderales punteos de guitarra un psicodélico disfrute.
Quizás algunos temas podrían pecar de pretenciosos, y tornarse sosos por instantes, pero no podemos negar que este trabajo, abstraído del "jammear" con un afán sincero de explorar e ir más allá de lo convencional en la búsqueda de un nuevo horizonte sonoro, nos entrega música embargada por un contundente eclecticismo, que nos hace estar ante una de las propuestas más atrevidas y se podría decir inéditas de la actual escena nacional -Esto sí suena experimental-.

Delira con las eclécticas sonoridades de Búho Ermitaño aquí

sábado, 27 de diciembre de 2014

MOLDES: "EN ESTE DISCO HAY UNA MUESTRA MÁS INTENSA, MÁS CLARA DEL RUIDO" KATIA DE LA CRUZ



ENTREVISTA
Aguas de Marte, el segundo álbum de la banda post-punk experimental Moldes -quienes han presentado su música por escenarios de Colombia, Alemania y Francia durante este año- es sin duda uno de los mejores discos del año. En nuestra última visita a la capital conversamos con su lideresa, la carismática Katia De La Cruz, quien nos absolvió algunas interrogantes sobre las canciones y conceptos que forman parte de su espléndido trabajo.
APRENDIZAJE
Guido ¿Qué aprendieron de su primera experiencia discográfica?
Katia: Fue una especie de escuela de cómo funciona la microindustria de la música independiente. Hicimos todo, desde conseguir el dinero a través de fiestas para poder grabar. En realidad empezamos cuando el Chino Hamann nos propuso grabar el primer tema, “El árbol”, para un compilatorio entre el 2008 y 2009, a partir de eso decidimos grabar los demás temas, algunos lo hicimos en casa de un amigo, de ahí en la de otro, luego se juntó todo, pero no nos satisfizo cómo terminó la mezcla.  Entonces Juan José Salazar se ofreció para hacernos sesionar, se sucedieron una tras otra, las que parecieron infinitas tratando de acomodar los ritmos, porque nosotros tampoco éramos muy diestros. Aprendimos un poquito de mezcla, sobre gráficos y photoshop, pues diseñamos el arte del disco. Fue cómo hacer un postgrado.  
Sacamos el disco en físico, vino el día de la presentación en el Centro Cultural España, y luego hacer notas de prensa, conseguir los números de teléfonos, estar insistiendo, llevar los discos a todos los medios en mi mochila, cuando todavía no existía metropolitano, del centro de Lima a Miraflores a Barranco, y felizmente todo eso sirvió porque se tuvo bastante acogida de la prensa musical y bueno todos me “dieron bola”.  Llevaba 30 discos a un lugar, 50 a otro. Imagínate que recién ayer coincidentemente recién he facturado los discos que dejé en Phantom en el 2010.
El aprendizaje fue bien amplio en ese momento y fue duro. Felizmente era más joven, tenía más tiempo y más fuerza, más fe (sonriendo). Todo eso fue el aprendizaje del primer disco y gracias a ello, se presentó la oportunidad de trabajar con A Tutiplén, que no es que te lo dejan todo en bandeja pero es una gran ayuda.
¿Qué tal les ha ido con Aguas de Marte?
K: Creo que la gente no se lo esperaba, no esperaban mucho (risas), que hiciéramos algo distinto al primer disco, que nos arriesguemos musicalmente. Más que nada pienso que ahora a la gente le gusta la performance en vivo de la banda porque “reversionamos” un poco más lo temas, por ejemplo hemos sacado la versión de “Danza Ondulante” de Delirios krónicos que a la gente le ha encantado. Me sorprende que nos esté yendo a ver un público joven, y esa gente es un poco más intensa que la gente mayor, que muchas veces le gusta la presentación pero permanece estática.
EL MANANTIAL DEL RUIDO
Katia "experimentando" en la Red Bull Academy de París.
¿Qué significa para ustedes el ruido como concepción estética para elaborar su arte?  
K: En este disco hay una muestra más intensa, más clara del ruido, más intencional que en el primero, que era un poco más contenido, quizás por la mezcla de Juanjo, que era más pop, más ecléctico para hacerlo.  Pero más allá de las influencias de afuera, como Sonic Youth que es bien clara, existe como una influencia de la técnica del “ruidismo”, me parece que ahora hay muchos grupos que están adoptando o involucrando el “ruidismo” en el rock o en el pop, porque Lima de por sí es una ciudad súper caótica, súper ruidosa, muy agresiva y qué mejor forma de sacar esa parte, de revertir esa negatividad de la ciudad y volverlo música pop y digerible. A mí me parece que es una consecuencia de esta generación musical, el hecho que el “ruidismo” sea algo tan presente y sobre todo en el pop, porque ya había vertientes de “ruidismo” en los 80s y 90s en el rock -en los conos- ya había una movida muy fuerte, pero era “ruidismo” por “ruidismo” que era chévere, pero esto de mezclarlo con otras cosas más digeribles me parece que ya es algo como de esta época, algo que tenía que suceder y me parece bien.
BEBIENDO AGUAS DE MARTE
Moldes grabando en la Red Bull Academy de París
En el tema 11:11 de Aguas de Marte, ¿existe el deseo de querer emular el canto desenfadado de Kim Gordon (bajista de Sonic Youth) o es tu propio estilo?     
K: Bueno salió así, si tengo que hablar de artistas que me hayan influido están justamente Kim Gordon, PJ Harvey, Jennifer Cornejo (Electro Z), pero definitivamente la letra de esa canción amerita esa interpretación porque se ubican dentro de un contexto apocalíptico, de la época en que yo tenía la casa del auxilio (un espacio contracultural de la década pasada), y fue un momento muy chévere, muy como de crecimiento pero eso también atrajo mucha gente que no estaba de acuerdo con lo que sucedía allí, pero sin ningún fundamento y que de repente tenía algo de enviada o algo así, no de mí sino de lo que estaba sucediendo, de lo que se movía entorno a la escena. Por eso la frase dice “si ahora quieres verme caer serpientes miran y ellas también alucinadas por lo de creer, y miran hacia abajo y ahora tienen pies” y luego continua “todos empezamos ahora a correr”, es como “no importa todo lo que hago, para ti está mal pero yo voy a seguir”. La intención de estar como al ataque con esa letra es intencional.
¿Qué ideas tratas de expresar en “Vynilchrist” con eso de “las uñas vinilícas en manos acrílicas”? 
A fiche promocional del tour europeo de Moldes
K: Esa letra la hice cuando tenía entre 19 y 20 años más o menos.  Es que desde que era pequeña, 8 ó 9 años, vengo cuestionándome la creencia en las religiones, primero cuestioné el catolicismo, me parecía que era terrible, esa verticalidad entre el cura y el feligrés, el sometimiento, el perdón, el pecado y el miedo, y luego como me fui a investigar distintas iglesias. Y de ahí a los 19 años, cuando dije “no creo en nada” hice esta letra que habla un poco de cómo las iglesias venden la religión como si fuera un elemento del escaparate de una tienda, por eso dice la letra, “he visto hoy a Cristo en tus sueños con uñas vinilicas con manos acrílicas”. Entonces este tema habla de la búsqueda de la fe, que en verdad en ese momento no la encontré. Hay otra parte que da origen al nombre del disco, “las aguas marcianas crearon neblinas”.
En “Mulato (elipsis)” existe cierta reminiscencia free-jazz que terminan mezclándolo con noise ¿la experimentación continuará por esos senderos?       
K: Eso fue un “jaming” que salió tan perfecto que dijimos: “vamos hacerlo tal cual, no hay que ponerle letra, hay que invitar a alguien en el theremin y a Giacomo Novella en el trombón”, pero todo fue tan “viajero”. Una canción que dura como seis minutos. Esa influencia es bien fuerte de parte de Chicho Pérez (ex bajista de la banda), quien es amante de Miles Davies y del jazz (le encanta “jammear”) y nos guió para ese “jamming”. Por esa época yo estaba de novia con un chico que es un pianista clásico que también estaba súper influenciado por el jazz y la música clásica, como que todo encajo.
A pesar que las letras de las canciones del disco son muy interesantes, ¿por qué no las colocaron en el booklet?
K: La quisimos poner en la parte posterior del poster, pero vimos que como diseño, se perdía. Y además si te das cuenta la mezcla de la música no resalta mucho la letra de las canciones, generalmente no se entienden, entonces nos gustaba mucho la idea, de que si alguien quisiera entender qué estaba pasando en la letra de la canción lo busque, pero no nos convenció mucho la idea de sacar las letras dentro del disco.
¿Cómo que las letras son una parte más de la instrumentación de las canciones?  
K: Sí, nosotros quisimos trabajar la línea vocal de las canciones más como un instrumento que como una voz principal,   algo que se mimetice con la música. Para nosotros la parte más importante es que se sienta la música. Nosotros primero hicimos la música y luego letra.
Leía que tus primeras experimentaciones eran con un stereo casero, juguetes y otros aparatos insospechados, ¿Crees que en “Remanso” logras la consecución de aquellos intentos primarios?
K: Claro, en “Remanso” utilizamos el sonido de una grabación real del mar y una radio,  “Vinylchrist” y “Remanso” la grabamos y mezclamos en mi casa con Efrén Castillo (guitarras). A diferencia de las demás canciones que las grabamos en el estudio, y eso nos permitió llegar a ese tipo de detalles. El proceso de composición y arreglos fue mucho más calmado, entonces le metimos el sonido del mar, decidimos hacer la base de percusión con secuencias y eso de la radio fue aleatorio, “ya prendé la radio, graba”. Estábamos sintonizando una radio en AM, y la canción que se escucha salió en ese momento, fue una casualidad.   Luego grabamos otras más, pero esa nos gustó, era música tradicional ecuatoriana, que a Efrén le encanta. Además es chévere pues justo termina con la palabra “añoranza”. Parece como planificado, pero no, es el azar.
En “Los subsiguientes” otra vez se aprecia influencia Sonic Youth, ¿Quién es el fan de la banda New Yorkina?
K: Efrén tiene mucha influencia Sonic Youth. Le gusta meter baquetas, destornillador y otras cosas  a las guitarras. Su nueva adquisición es un tarjador mecánico y está experimentando con ello, acercándolo a las cuerdas y reproduciendo sonidos extraños. Efrén es estudioso de la música de Sonic Youth, el otro día me dijo “mira me he sacado esta canción de Sonic Youth”, y el no es de sacarse canciones, pero estaba contento de haber obtenido la afinación especial de la canción. Pero lo que me gusta un montón de “Los subsiguientes” es que el teclado hace función de guitarra, lo que escuchas que empieza como guitarra, es en realidad el teclado.  Lo que me gusta es que al final se pone medio dance, es bien divertido.
PISANDO TIERRA
¿Por qué las canciones en vivo suenan diferentes a las versiones de estudio?   
K: Nos encanta “reversionar” nuestras canciones en vivo, es algo mucho más intenso, hay más arreglos. Por ejemplo en “Vinylchrist” hay una parte que explota, en “El túnel” la hacemos como “dubstep” con cumbia, más bien deberíamos componer en vez de estar “reversionando” (risas).


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viernes, 26 de diciembre de 2014

WILDER GONZALES AGREDA: LIMA NORTE METAMÚSICA - Reseña

LIMA NORTE METAMÚSICA
WILDER GONZALES AGREDA
SSR 37 (2014)
Cuando en 1997 tuve la oportunidad de entrevistar a los integrantes del colectivo Crisálida Sónica, quien me dejó sorprendido por sus ideas extremistas, alucinadas y algunas de ellas disparatadas en cuanto a experimentación sonora, fue sin duda Wilder Gonzales, quien por esa época lideraba Fractal, proyecto en el que ensayaba música totalmente abstracta, por momentos inquietante pero arriesgándolo todo en pos de la innovación sónica. Con el tiempo el buen Wilder desarrolló otros actos experimentales como Avalonia, Peruvian Red Rocketts, entre otros y lanzaría su propio sello Superpace Records por donde ha publicado sus obras y la de sus compañeros en la lid del ruido. 
“Ideado y ejecutado entre los años 2009 y 2012 en Los Olivos (distrito del cono norte limeño), Lima Norte Metamúsica trata de abstraer las sonoridades y ruidos provenientes de la  congestionada urbe en mención, del ambiente y enturbiado estado que resulta vivir en una “jungla de cemento” y los avatares que ha ocasionado la modernidad en ella, de ahí que varias piezas nos resulten claustrofóbicas, sórdidas y colindante con lo tanático, sino como explicar las perturbadoras sensaciones que ocasiona la delirante “Aves Mares Voz” y la angustiante “All I Want”, llevándonos casi al borde de la paranoia. Las interferencias de ondas electromagnéticas que se repiten una y otra vez en “Pangea”, los cíclicos teclados de la oriental “Noguchi”, las repetitivas voces ininteligibles de “Sé Tu Propio Tótem” que resultan por momentos de una insania espeluznante, de aquellas que solo podemos experimentar cuando nos hemos amanecido trabajando e intentamos conciliar el sueño y solo entre nuestra cabeza y la almohada, resuenan una y otra vez en nuestros oídos, tortuosas e indescifrables conversaciones. Ruidos “martillantes” se suceden uno tras otro en la alienígena “Mi Frecuencia”, más desasosiego es plasmado en el ambiente con el breve ensayo de sonidos incoherentes de “Súpermenta”. Es decir esta obra se constituye en un viaje hacia la demencia.
Definitivamente Lima Norte Metamúsica no es una obra apta para puristas ni oídos acostumbrados a lo convencional sino para aquellos que están dispuestos a ir más allá de sus paradigmas sonoros, a probar con emociones raras, por momentos quizás incomodas, todo en búsqueda de nuevas sensaciones. Wilder demuestra que su entusiasmo por la alucinación musical y su radicalismo permanece incólume, creando música capaz de trasportarnos por los senderos de la vesania.        

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martes, 23 de diciembre de 2014

LAS AMIGAS DE NADIE: HUMAN DRESS- Reseña



HUMAN DRESS
LAS AMIGAS DE NADIE
A TUTIPLÉN RECORDS (2014)
Este nuevo trabajo de Las Amigas de Nadie consolida el sonido de la banda. La exploración sónica embarcada en la versátil Sincronía (2012) donde podían encontrase melodías trip-hop, pop y de electrónica espacial pero sin dejarnos claro una identidad musical definida, encuentra buen puerto en Human Dress, donde van más allá en su experimentación pop logrando un ecléctico y gratificante álbum, a pesar de su brevedad.
Un hecho que jugó a favor de la innovación sonora de la banda, fue la participación en el 2013 de su integrante y productora Ale Hop en la Red Bull Music Academy. Esto    influyó notablemente en la decisión de la artista de experimentar con nuevos instrumentos, creando nuevas composiciones, presentándoselas al resto de la banda (Katia de la Cruz, Estefanía Aliaga y Gabriela Gastelumendi) a quienes ese ímpetu de exploración musical les resultó estimulante para concebir una nueva obra. Ale Hop fue quien además propuso el nombre del disco.
Ale Hop, Gabriela, Estefanía y Katia
Human Dress a decir de sus autoras, se trata de un álbum conceptual que trata sobre “los procesos humanos, relaciones, energía, la construcción y destrucción, el fracasar y volver a levantarse y el buscar la libertad para ser”. Gabriela Gastelumendi, la letrista principal, manifiesta que sus composiciones están influenciadas en la búsqueda de la llegada del hombre perfecto a la tierra (un alienígena que se enamora de una terrícola) y una seria reflexión de la existencia del ser humano. Otro elemento que aporta a ese concepto que gira alrededor del hombre, creo que es el rol de la voz en este disco, pues es tratada como un aporte instrumental más, expresando sensaciones e ideas que necesariamente no tiene palabras sino crea ambientes alucinantes como en la hermosísima “Milón”. 
De arranque la órbita experimental se deja sentir con los loops y demás artilugios electrónicos bajo una minimalista línea de teclado en la inicial “Human Dress”, siguiendo las melodías trotonas y machacantes de guitarras sampleadas y sutiles beats en la cíclica “Should Not Let It Go”. Delicadísimos bajos, cuerdas, percusión y ensoñadoras voces irán en ascenso hasta que llega el sonido de un endiosado y espacial teclado (por momentos sonando a violines) que nos llevarán a la estratosfera en la sensacional “Milón”, bella melodía para más alucinógena y delirante, donde la voz de Gastelumnedi es capaz de conducirnos por senderos oníricos, la sonoridad del tema parece flotar por el ambiente, convirtiéndose por momentos en un arrullador viaje al subconsciente o una especie de invitación a la levitación, de lo mejor que haya escuchado este año, no en vano según su compositora, Estefanía Aliaga,  trata sobre la humanidad y la energía física. Más delirio sonoro vendrá con “El Sol Saldrá Mañana” donde nos retuerce la sensibilidad con sonoridades orientales cuasi mantra espacial donde las voces se constituyen en un elemento más de su alucinada atmosfera.
Abrazo navideño
El sonido de grabaciones que parecen extraídas de algún programa de Tv o film, transitan sobre una aparente marcha basada en ritmos drum’n’bass y el trip hop, en el primero de los temas de la trilogía de experimentación más extrema, “Un Ser Humano III”. El ligero electro pop de “Ese Chico” interpretada a dúo con el vocalista de Cocaína, Ignacio Briceño, resulta contagiante. El indescifrable registro vocal de la etérea “Judas”, emerge por el espacio como un sonido más de su bizarra y ecléctica atmosfera, para luego entregarnos al pop sintético de la pegajosa “Give It Up”. El sencillo pero sideral estribillo “un ser humano, inhumano se convierte en realidad” nos transmitirá los postulados de la obra, en “Un Ser Humano I” cuya orquestación se irá construyendo de a pocos para luego terminar mutando en la ininteligible “Un Ser Humano II” y concluir así con el álbum.
Los cambios de formación que ha experimentado la banda, el que sus integrantes se hayan dejado llevar por sus instintos creativos sin la participación de un “productor” exclusivo, sino siendo ellas mismas con total libertad y asumiendo riesgos, han llevado a Las Amigas de Nadie a conseguir su mejor disco. Los que aún nos resistíamos a escuchar su obra y nuestros prejuicios nos impedían presionar “play”, no tenemos más que confesar admiración hacia este disco marcado por una exquisita sensibilidad pop y experimental.  

Escucha el disco completo aquí: 
http://open.spotify.com/album/6WDbQu4r2pKCVCcDNdtLpL