viernes, 28 de febrero de 2014

ARCADE FIRE: REFLEKTOR, “¿PRETENCIOSA DESAZÓN?” (2011-2014) – Parte 4



Si en The Suburbs, Arcade Fire encontró en la new wave y el folk, a los aliados perfectos para combinarlos con su característico sonido, en Reflektor los canadienses agregan a su paleta sonora,  la música disco, el funk, algo de ambient y sonoridades antillanas, sobre todo centradas en el tradicional “rara” haitiano, pero a diferencia de los Daft Punk y su RAM, en donde los franceses reclutaron a genialidades como Nile Rodgers y otros colaboradores de primera, para lograr con muy buenos resultados su exploración sónica. AF emprendió  su viaje sónico con la colaboración de James Murphy (LCD Soundsystem) en la producción así comoel acostumbrado apoyo de Orson Pallet, uno que otro músico, el genial David Bowie en coros, pero al fin al cabo aportes muy superficiales, sobre el resultado final, dando ello mayor mérito a este generoso cuarto álbum, un disco doble de extensos 75 minutos de duración. A pesar de sus bondades, Reflektor  nos deja algo confundidos.
Aunque suene interesante toda la experimentación desarrollada por la banda para esta obra, eso no quiere decir que estemos ante una obra de arte ni nada por el estilo, pero el resultado es suficiente para colocarlos entre lo mejor del año que pasó. Más que todo por el riesgoso paso que dieron los canadienses con este álbum, el cual no es fácil de dirigir ni aún para los seguidores de AF, aunque no falta por allí algún fanático  disfrazado de crítico de música, quien se atrevió a proclamarlo como la mejor obra de la banda, comentario por demás exagerado y quizás víctima de la emoción de estar escuchando una nuevo producción de sus ídolos tras un par de años de silencio, o tras haber escuchado los espectaculares singles “Reflektor” y “Afterlife”, se apoderó de este tipo la emoción y no terminó de escuchar detenidamente el resto del álbum doble.
La primera sensación que me dio (y sigue dando) Reflektor, es que sobran canciones, algunas piezas son demasiadas prolongadas, otras intrascendentes e innecesarias como el tema escondido y con el que cierran el segundo disco, “Reflektive Age”, aspectos del álbum que nos deja desconcertados. Qué diferencia con The Suburbs, en donde cada corte duraba lo justo y necesario, en donde todos sonaban perfectos. Reflektor repite esa misma sensación que nos dejó Neon Bible, de ambigüedad, de incertidumbre, no porque hayan sido malos discos, sino al no darnos una idea clara de hacia dónde irá el futuro musical de la banda, dividendo la opinión de los seguidores y críticos, en posiciones muy extremas.
La historia de los álbumes de Arcade Fire, es cíclica, discos impares como Funeral y The Suburbs son obras maestras, mientras que los pares Neon Bible y Reflektor, son obras de transición, de experimentación, por darle una descripción más generosa a dichas producciones. ¿Qué seguirá más adelante? Realmente esperamos que siga la secuencia que corresponde, otra obra apoteósica, pues una nueva producción de características indeterminadas, pondría la credibilidad de la banda en tela de juicio. Aunque con toda la fanaticada rendida a sus pies ante cualquier nuevo acto sonoro, les da carta  blanca a los AF para hacer lo que les venga en gana. 
Algunos elementos que contribuyen a dejarme desconcertado tras la escucha de Reflektor, es su aparente mal sonido, como si la mezcla hubiera sido mal hecha, acción quizás realizada adrede por Murphy, en donde las guitarras lucen estacionadas en la mayoría de temas, sin ese vértigo de Funeral, salvo algunos chispazos como en “Here Comes The Night Time”,  pianos desconcertantes, sintetizadores opacando al resto de la instrumentación, violines que no se oyen casi nunca, haciendo que muchas canciones carezcan de esa  dosis de emotividad y melodramatismo que hicieron grandes sus anteriores obras, otra vez es notoria la falta de himnos para ser coreados voz en cuello, pero a cambio esta vez Arcade Fire nos ofrecen momentos de intenso baile, no acto para adolescentes, sino  para adultos ochenteros.
DE HAITÍ A ORFEO
Dejando a un lado las dudas que me dejan Reflektor, vayamos a los aspectos que me siguen atrayendo de la riquísima obra de los canadienses. Y es que desde sus antecedentes, la banda se encargó en todo sentido de crear gran expectativa alrededor de la aparición de su nueva cría sonora. Así que comencemos desde su concepción.
Las ideas no solo musicales sino estéticas del producto Reflektor, se remontan al primer viaje que como esposos realizaron Win y Régine a Haití, la tierra natal  de la Chassagne, en donde Win quedó cautivado con el arte y la cultura del país antillano, declarando al respecto: Ir a Haití por primera vez con Régine fue el comienzo de un gran cambio en la forma en la que pensaba acerca del mundo. Generalmente, creo que tienes la mayor parte de tus influencias musicales bloqueadas cuando tienes 16. Había una banda que [siento que] me cambio musicalmente, realmente me abrió a esta gran, enorme cantidad de cultura e influencias a las cuales no había estado expuesto antes, lo que fue realmente un cambio en mi  vida”.
Win y Régine se sintieron inspirados en incorporar a su nuevo material musical,  elementos de la “rara” haitiana, música folklórica que es ejecutada en medio de procesiones callejeras, a ello agregaron también  influencias jamaiquinas. Tras la salida de Reflektor, Win Butler explicaría “no es como si nuestra banda estuviese tratando de tocar música haitiana. Simplemente sentí que nos abrimos a una nueva influencia. Bob Marley probablemente sintió lo mismo la primera vez que escuchó a Curtis Mayfield”.
Otras fuentes de inspiración fueron la película de coproducción brasilera, italiana y francesa  de 1959 “Orfeo Negro”, la cual también fascinó a Win y el ensayo “The Present Age” del danés Søren Kierkegaard del siglo XIX. 
Aparentemente teniendo las ideas claras para su nueva propuesta musical, los Arcade Fire comenzaron a grabar en Lusisiana en el 2011, para luego trasladarse a Jamaica al siguiente año con el productor Markus Dravs, otro colaborador de la banda.
DE LA GUERRILLA URBANA AL SHOWBUSINESS (Eso que llaman “Marketing”) 
La campaña de posicionamiento de la “marca” Reflektor, estuvo inspirada en dibujos haitianos “veve” y comenzó cuando distintas ciudades del mundo amanecieron con la inscripción de un logo críptico con la palabra “reflektor”, semejante a un grafiti de arte urbano. Estas acciones generaron que un seguidor de la banda se atreva a preguntarles a través del twitter si todo esto se trataba del lanzamiento del nuevo álbum, los Arcade Fire contestarían afirmativo. La estrategia a usar era el marketing de guerrilla. Pero no a todos le caería bien la táctica de los canadienses para el alumbramiento de su nuevo vástago sónico, pues los dueños de algunas paredes “grafiteadas”  manifestaron su fastidio por las pintas, la banda pediría las disculpas del caso, manifestando que inicialmente la idea era utilizar tiza en lugar de pinturas de aerosol.
El 26 de agosto, en un gran mural en un edificio del centro de Manhattan, aparecen símbolos y las palabras “Arcade Fire 9pm 9/9”.  En referencia a la fecha 9 de septiembre, ese día se lanzaría dos videos para el primer sencillo, “Reflektor” y la venta de su respectivo single, acreditado a la ficticia banda The Reflektors. Ese mismo día se reveló la portada del nuevo álbum, arte inspirado en la imagen de la escultura de Orfeo y Eurídice, de Auguste Rodin.
El 2 de septiembre, un breve clip de apenas 15 segundos de duración emitido a través de Spotify, titulado “9pm 9/9”, anunciaba la aparición del nuevo álbum, pero no dejándonos pista alguna sobre el sonido del mismo. Volviendo al 9 de septiembre, la banda anunció un show secreto, bajo el nombre de “The Reflektor” a las 9 p.m, a 9 dólares la entrada, en el Montreal’s Salsathéque Club.  El 28 de ese mes, la banda se presentó en  Saturday Night Live, en  un concierto especial de 30 minutos, transmitido por la cadena NBC, que contó con las apariciones de Bono, Ben Stiller, James Franco, Michael Cera y Zach Galifianakis, estrenando tres canciones, “Here Comes The Night Time”, “We Exist” y “Normal Person”.
El 11 de octubre, la banda lanzaría un video teaser con treinta segundos de la canción “Awful Sound (Oh Eurydice)”, haciéndonos especular si el ambient sería otro estilo a explorar en la nueva producción. El 21 de octubre se publicaría la canción “afterlife”, acompañada de imágenes de la antes mencionada película de 1959 Orfeo Negro, de Marcel Camus. Ese mismo día fue presentada en el programa The Colbert Report, junto con “Normal Person”. Pero la cereza que terminaría de adornar el pastel mediático, sería su presentación al aire libre en las afueras de Capital Studios, el 29 de octubre, apenas lanzado el álbum,   con un público peculiarmente uniformado para la ocasión (mira el video del concierto completo más abajo).
REFLEKTOR (2013) 
El 28 de octubre salió a las calles, el tan esperado cuarto álbum, extenso disco doble  que deja más dudas que elogios, pues las buenas ideas planteadas lucen inconclusas, desorientadas, terminadas a medias, innecesarios temas escondidos e interludio, así como otros tracks prescindibles, a los que no encontramos razón de ser, nos deja un sinsabor amargo, tras haber probado manjares como “Reflektor”, “Afterlife” o “Here Comes The Night Time”, aunque justamente lo meritorio sea el que los Arcade Fire, fieles a su estirpe experimental, asumieran el riesgo de perder su cómodo sitial de banda consagrada, o con el respaldo de ella, de crear la  música que su albedrío musical les permite, sin importarles  las consecuencias. Mostrándose radicales en el sentido de mandar al diablo sus pergaminos, de lograr un disco que al escucharlo no sabemos qué diablos quieren hacer, pero igual nos terminan cautivando, de crear un disco sin un orden o estructura definida, sin una identidad clara. De audición abstracta, pero que exhibe a unos Arcade fire que conservan ese ideal de renovarse conforme avanzan sus álbumes, no al grado que quisiéramos o esperaríamos, pero quizás a ello haya contribuido las altísimas expectativas que tuvimos con esta ansiada obra. De repente endiosamos en demasía a los canadienses.   
Escrudiñemos el primer disco. El lado más eufórico y desenfrenado, se inicia con el single “Reflektor”, una canción pop-art y festiva a más no poder, en donde Win y  Régine intercalan roles en el canto, y la fémina se da maña para dar algunos seductores susurros en francés, en medio de ambientes que transitan entre lo tenso, lo frenético  y lo estridente, dominado por los sintetizadores y sobre el final por un falso de piano y el acompañamiento de Bowie en las voces. Son más de siete minutos de delirante baile, que vale la pena disfrutarlos con el cuerpo. “We exist” es el tema que posee más guitarras, y su penetrante bajo se encarga de orientar el resto de sonoridades de aires finales de los 70s. Sigue “Flashbulb Eyes” cuya mezcla de ritmos reggae y “rara” haitiana, la hacen lucir genial, la pieza es matizada con sonidos de sintetizadores y programaciones, que terminan sucumbiendo ante su desconcertante final, pero parece tratarse de un bucle para dar paso al desenfrenado y pegadizo ritmo de las guitarras y percusiones de “Here Comes The Night”, que luego baja en revoluciones para embelesarnos con sus apaciguadas percusiones haitianas, así nos tienen un par de minutos (que si hubieran sido menos, sería lo óptimo) hasta que sorpresivamente nos sacan de cuadro, con el desenfrenado sonido inicial. Caóticos sonidos de una “garage band” enchufando sus instrumentos, dan paso al ambiguo  rock’n’roll de “Normal Person”, la anárquica atmosfera sónica se mantendrá hasta el final, para luego desvanecerse ante los primeros acordes con guiños setenteros de “You Already Now”, pero conforme avanza la pieza, también cronológicamente se orienta hacia el pop ochentero, para ir mutando y transformándose hacia impredecibles estilos.
El hardcore-punk inicial de “Joan Of Arc”, es un letal puñetazo para cualquier fan de la banda, pues no se les conocía esa faceta, pero ese aporreo de sonidos se esfumará rápidamente hacia bizarras melodías punkies-new wave y Régine cantándonos otra vez en francés en algunos parajes del tema, con un prescindible bonus track, que se prolonga en el segundo disco.
El lado elegiaco  de  Reflektor , influenciado en la mitología griega y sus temas de éxtasis, abrupta separación y el encuentro final de los amantes Eurídice, una ninfa y el músico Orfeo, es aperturado por la sombría, peculiar y rara “Here Comes The Night Time II”, pero que no aporta nada del otro mundo, por ese mismo clima  transita los pocos convincentes arreglos de percusión y cuerdas iniciales de “Awful Sound (Oh Euridice)”, que luego se esparcirán para dar pase a extraordinarias sonoridades ambient, sostenidas por una pequeña sinfonía de teclados y guitarra acústica, otro tema inusual y pretencioso. 
La portentosa batería y el efectivo acompañamiento del bajo y la guitarra, de la densa “It’s Never Over (Hey Orpheus)” son  esplendidos, pero nuevamente por ese deseo consciente o inconsciente de sonar pretenciosos, los Arcade Fire hacen que la canción se pierda a causa de su innecesaria prolongación, que su cautivamente ritmo inicial finalmente se termine divagando sin rumbo. Me quemaron el pan en la puerta del horno. La minimalista y primitiva electrónica de “Porno” y su oscuros teclados, hubiera quedado mejor con pocos minutos, nuevamente los canadienses extienden por gusto su pieza hasta volverla intrascendente, pero felizmente existe  “Afterlife”, con su coqueta melodía electrónica –funk, apoteósica pieza musical  dispuesta a esclavizarnos corporalmente gracias a sus contagiantes ritmos. La calma electrónica de la ambient  “Supersymmentry”, decorada por el bello dúo de voces de los Butler, se convierte en un colofón sónico de todo el álbum, cierra el segundo disco, pero otra vez los Arcade Fire vuelven a  pecar de pretenciosos al extenderla con el bonus “Reflektive Age”. Como te habrás dado cuenta el segundo acto me resulta poco convincente.
Restándole tres o cuatro temas, que ya los habrás identificado  tras leer esta reseña, hubiéramos estado nuevamente ante una nueva obra maestra de los canadienses, aunque su opaco sonido, ¿culpa de Murphy? Deja cierto sinsabor.
Sonar a Kraftwerk combinado con Chic y los Talking Heads, es una tarea harto compleja, pretenciosa que quizás pocos se atreverían hacer, y ya eso es meritorio en Arcade Fire. La temática del álbum, no está en cuestión sino su resultado musical, difícil de dirigir, pero es justamente en esa atmosfera enrarecida que puebla sus cortes, la que la vuelva atractiva.   Un disco atípico, extraño, que quizás solo nos deje tres temas para el recuerdo y el resto para el olvido de los fans de Arcade Fire, pero que sí pueden dar testimonio de una banda que está dispuesta a ir más allá de sus posibilidades sin impórtales el qué dirán, la grandilocuencia y la multinstrumentación del pasado, ha cedido su lugar a la experimentación, simplemente teniendo eso que llaman “actitud”. Sus próximas presentaciones están a la vuelta de la esquina, sus fanáticos que los esperan casi una década, no creo que se vayan muy contentos con un set poblado por Reflektor, por más que les haya gustado el álbum. 

miércoles, 12 de febrero de 2014

ARCADE FIRE: “THE SUBURBS, LA OBRA DE ARTE DE LA DÉCADA” (2009-2011) – Parte 3



El título de este artículo puede sonar pretencioso, sobredimensionado, reflejar subjetivismo propio de la emoción, alejado de la razón y para algunos fans de Funeral podría sonar profano. Pero es el pensamiento que se me viene a la mente cada vez que escucho  The Suburbs. La experiencia es muy similar a la experimentada en mi juventud, cuando en el estéreo sonaban álbumes que han marcado mi vida como Songs To Learn And Sing de Echo And The Bunnymen,  Achtung Baby! de U2, Violator o Songs Of Faith And Devotion de Depeche Mode, Disintegration de The Cure, discos que no paraba de escucharlos una vez tras otra, disfrutándolos ya sea moviéndome, bailando o recostado sobre mi cama al compás de sus canciones.  
El tercer álbum de los canadienses, es la obra de arte no solo del catálogo de la banda sino de la década, un disco casi perfecto, salvo una muy ligera laguna sobre el final, pero que para nada opaca el resultado total.  El sonido barroco y grandilocuente que Arcade Fire ya había presentado en Neon Bible, ahora lucía más equilibrado, poniendo lo justo, sin exageraciones, con canciones brillantes que duran lo necesario como para hacernos sentir en la gloria, combinándolo en esta ocasión con sonoridades, new wave, synth-pop, folk, techno y disco.
Si Funeral representó el despegue a la exosfera, Neon bible  la mantención en ese nivel, The Suburbs significó la confirmación de Arcade Fire como banda de peso, como una de los mejores bandas nuevas del mundo. Si bien Neon Bible era un buen álbum, había dejado una señal ambigua entre su público y la crítica, para algunos se trataba de un descenso musical, mientras que para otros parte de un proceso de transición musical o el punto de partida hacia algo mucho mejor. Felizmente significó lo último.     
SOMETIMES  I CAN’T BELIEVE IT, I’M MOVING PAST THE FEELING
“Muchos de mis ídolos, desde Bob Dylan a Joe Strummer, eran muchachos de extrarradio que tuvieron que fingir que viajaban saltando de tren en tren toda su vida”, declaró Win a NME en mayo del 2010. “Lo que hacemos en The Suburbs es hablar sobre una experiencia real en vez de fingirla”. Y  es que la inspiración del álbum tiene su origen en las experiencias que los hermanos Win y William Butler tuvieron como habitantes del extrarradio de Houston, Texas, por eso para Win The Suburbs  “…es una carta desde el extrarradio”. 
Musicalmente Win definió el sonido del disco como “una mezcla entre Neil Young y Depeche Mode”, en su intento de reproducir aquellos sonidos  de las bandas que escuchaba de adolescente y le parecían alucinantes. Los elementos temáticos y musicales hacen de The Suburbs un álbum conceptual.
El álbum se grabó en gran parte en el estudio casero de la residencia de Win Butler y su esposa Régine, en Montreal, otras partes se grabarían en Québec y New York. La característica de su grabación fue el hacerlo primero en un disco de acetato, y posteriormente transferirlo a formato digital, de esta manera las ediciones digitales y en Cd sonaría igual que en vinilo. 
El esperado tercer álbum fue lanzado por Merge Records en Norteamérica y por Mercury Records en Uk, el 2 de agosto del 2010. Aunque días antes de su lanzamiento se filtraron y circularon por la web los audios de algunas canciones. El 20 de agosto se publicó un video del tema “Ready To Start”, recogiendo imágenes de un concierto de la banda en Londres, realizado el 7 de julio de ese año.
El 18 de noviembre del 2010, saldría el videoclip del tema “The Suburbs”, dirigido por Spike Jonze. El clip fue filmado en Austin, Texas, observándose un grupo de adolescentes de los suburbios haciendo travesuras, Win y Régine participan en el film musical  como agentes policiales. Este video es parte del corto Scenes From The Suburbs, que se estrenaría en el Berlin International Festival del 2011.   
The Suburbs  debutaría N°1 en Irlanda, Uk, Estados Unidos y Canadá. Ganaría el premio al Álbum del año en el Grammy Awards, Juno Awards, Polaris Music Prize, Brit Awards del 2011.
THE SUBURBS
Una de las principales característica del álbum, es que los Arcade Fire, nos llevan de un lado para otro, con sus melodías y ritmos, bajo una estructura de constantes cambios de estilos, del folk, al rock, a la psicodelia sinfónica u orquestal, a la electrónica, desde su arranque demoledor con  “The Suburbs” hasta el sexto tema, “City With No Children”. Donde la banda nos da sin piedad a nuestros sentidos, dejándonos sin aliento, ante tantas emociones experimentadas alrededor de todo ese grupo de canciones iniciales. Está en su variedad de estilos la clave para que The Suburbs nos mantenga hipnotizados a lo largo de sus 63 minutos de duración, así como en su contundencia, eclecticismo, matices y luminosidad,   logrando un disco monumental, una obra maestra.
The Suburbs es un álbum sin himnos, sin temas para ser coreados en un estadio, pero a cambio los canadienses nos entregan un grupo de canciones que encajan a la perfección, su grandilocuencia sonora edificada sobre la multi-instrumentación,  con la new wave y el pop, unión que tiene su mejor ejemplo en la espectacular “Rococo”, llevándonos a recónditas zonas del subconsciente. 
Arcade Fire demostró que estaba para grandes cosas, e ir más allá de su auspicioso debut, su ambiciosa propuesta para este álbum lucía una riqueza sonora como pocas bandas en el mundo.  Habían hecho algo especial.  
El piano “folkie” de “The Suburbs” es un perfecto inicio para el álbum, vislumbrando una prometedora  experiencia musical, su pegajosa marcha, además de ese genial falsete de Win en el estribillo, antoja acompañarlo. Su sonoridad nos hace transitar entre el western y los “salons” añejos de Nashville.  En el tema, Butler irradia nostalgia por la adolescencia perdida (“When all the walls they built in the 70s finally fall, when all the houses they built in the 70s finally fall… Meant nothing at all?”)  A pesar de su optimista melodía. Enganchada nomás sigue la vertiginosa “Ready To Start”, una potente y contagiante pieza  rockera, destacando su punzante línea de bajo, y una serie de ruidos coqueteando con el shoegaze. El comienzo del álbum no pudo ser más apoteósico. 
Arcade Fire en el Reading Festival 2010
Reduciendo un poco las revoluciones sigue “Modern Man”, la primera aproximación new wave, del álbum, cuyos crescendos  resultan alucinantes, aunque su instrumentación suena un poco “seca” por intentar darle una definición, aún así es un tema maravilloso por su agradable mediotiempo, en donde líricamente Win cuestiona  las supuestas virtudes de ser moderno en una sociedad que no lo es. Empalmada, sin silencios, continúa la majestuosidad barroca de “Rococo”, grandilocuente al extremo, maravillosa, alucinante, épica, impecable, emotiva, hipnótica, mágica pieza, cuyos fantásticos e imponentes arreglos constituyen a los Arcade Fire, como unos extraordinarios arquitectos del sonido, esas texturas y atmosferas que logran construir son realmente maravillosas, es imposible que uno no pueda dejarse envolver y llevar a través de sus capas sónicas, sus etéreos coros son realmente de ensueño,  un tema perfecto.  “Al hilo” prosigue la acelerada y breve  “Empty Room”, teniendo como estandarte la dulce voz de Régine, casi asfixiándonos ante tanto frenesí y movimiento, compuesto por una muralla de sonidos garage, lo-fi, noise, y set de violines con sintetizadores. Sin parar es el lema del álbum, así que al instante irrumpe el bajo, las guitarras y los psicodélicos teclados de “City With No Children”, destacando el bellísimo juego de voces de los esposos Butler.
"Sabíamos que te gustaría The Suburbs"
Luego de tantas emociones experimentadas y de haber estado moviéndome sin parar al compás de todos estos temas, por fin los canadienses me dan un respiro, con la hermosa y sinfónica “Half Light I”, una especia de balada orquestal que termina encontrándose con guitarras y sintetizadores, creando un ambiente sonoro majestuoso, en  donde otra vez Régine  se encarga de encandilarnos con su voz. Una pieza perfecta para cualquier relato mágico. Otra vez sin piedad, los Arcade Fire, le siguen dando a donde más le gusta a mi emoción musical, con la mezcla disco-new wave, techno de “Half Light II (No Celebration)”, su ritmo galopante es acompañado por los lamentos de Win y Régine intercambiando funciones vocales.
Esos geniales punteos de guitarra de “Suburban War” y su atmosfera folk, son espectaculares, además de la voz de Win pareciendo encarnar a Bruce Springsteen, una canción que va ascendiendo hasta llegar a increíbles climas sonoros sobre el final en donde un descarnado Butler declara All my old friends, they don’t know me now”. Toda esa temática de lamentos sobre conflictos culturales, étnicos y raciales propios de la urbe se da contra la pared con la adrenalina rockera de “Month Of May”,  otra vez el cambio de ritmo se hace presente con la folk “Wasted Hours”, por esa misma senda sonora sigue “Deep Blue”, tema que guarda ciertas deudas con el primer Bowie y cuyo delicado piano la hace sonar sencillamente brillante.
Los teclados y los estribillos de “We Used To Wait” crean un ritmo irresistible, otro tema emblemático del álbum. “Sprawl” es demasiado triste para este disco, le da un ligero bajón al mismo, no porque sea un mal tema, es más se trata de una buena balada minimalista, desgarradora, pero no termina de cuajar con el resto del álbum, su contraparte es la bellísima pieza disco-synth “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)”, que combinándose con la hermosa voz de Régine, me hacen estremecer hasta las lágrimas al no poder creer estar escuchando una melodía y música tan perfecta, exquisita y bonita, ¿Será acaso ese aire ochentero y electrónico del tema, que penetra hasta lo más profundo de mis recuerdos y corazón lo que me conmueve del mismo? La banda hizo con esta canción lo más arriesgado en su carrera, y le salió fenomenal, y de paso una de las mejores canciones de todo su repertorio. 
Arcade Fire ganando el Gramy al álbum del año (2011)
Finalmente cierra el breve reprise de “The Suburs” a manera de conclusión de esta obra maestra, su sonoridad compuesta por arreglos de cuerda, cellos y la triste interpretación de Win logra sonar como una especie de recuerdo lejano. 
Con The Suburbs  Arcade Fire demostró que podía crear canciones con singular maestría sea del estilo que fueran, su majestuosa música terminaría conquistando al mundo y sus principales festivales rockeros. El éxito alcanzado por la banda era más que meritorio, nos terminaron de convencer, y colocarlos en nuestro altar de bandas consagradas y de paso renovando nuestra esperanza en el pop del mañana….aunque tres años después la historia sería algo distinta.        




jueves, 6 de febrero de 2014

ARCADE FIRE: DALE RETRO PARA ENTENDER (2006-2008) Parte 2 - NEON BIBLE



Pop barroco, es una de las etiquetas con las que es señalada la música que desarrolla Arcade Fire. Lo barroco se relaciona con lo excesivamente complicado o retorcido, con lo muy ornamentado, pues el deseo del artista barroco es deslumbrar y llegar hasta los sentidos con su obra. Neon Bible el segundo álbum de la banda canadiense, es su trabajo que más se aproxima con la definición designada por los críticos, por su amplia variedad de instrumentos y texturas sonoras que pueblan el disco, logrando un registro rimbombante.
Los orígenes mismos de la historia de Neon Bible tienen bastante que ver con lo antes dicho. En el 2006, la banda compra una extinta iglesia en un pequeño poblado de Quebec, aproximadamente a 70 kilómetros al sureste de Montreal, para convertirlo en un estudio de grabación. Este ambiente ofrecería al álbum un sonido más acústico y espectral. El grupo aumentaría a siete el número de sus integrantes, si bien se fue Howard Bilerman, ingresarían la violinista Sarah Neufeld y Jeremy Gara.
Régine tocando un hurdy-gurdy
Para junio de ese año, la banda ya tenía 15 canciones caracterizadas por el uso de una amplia gama de instrumentos en donde se interrelacionan guitarras, percusiones, bajo, violín, viola, cello, contrabajo, xilofón, teclados, sintetizadores, acordeón, mandolina, arpa, lira, instrumentos de viento y un hurdy-gurdy (también conocido como zanfona, es un instrumento de cuerda como una especie de organillo. Si eres mayor de 30 años ¿Recuerdas ese pequeño espectáculo ambulante, dónde un señor le daba cuerda a un aparatito para que su mono domesticado baile?). El hogar de Win y Régine también sería parte de la sesiones de grabación de algunas canciones.
Los arreglos musicales del disco incluyeron desde aplausos hasta un órgano de tubos, desde sonidos orquestales hasta corales e inclusive la participación de una banda militar húngara. Aunque el álbum fue producido por los mismos integrantes de la banda, contó con el valioso aporte del productor Nick Launay en la mezcla de varios temas del álbum como “Keep The Car Running”, “Intervention”, “Ocean Of Noise”, “(Antichrist TelevisionBlues)” entre otros. Ante tanta pomposidad, Win describiría al sonido del álbum como “permanecer de pie sobre el océano”.  El mismo Butler en otra entrevista aclaró que el título del álbum, no tenía nada que ver con la novela de John Kennedy Toole, sino que la imagen de la Biblia de neón siempre había llamado su atención.
Superar o por lo menos mantener el nivel mostrado en Funeral se erigía como un deber para con los fans, la crítica y aún la misma banda, así como el anhelo de no quedarse relegada a asumir el papel maldito, de muchas bandas al no poder superar el éxito de su primer álbum o que tras varios intentos fallidos se queda condenada a vivir de los recuerdo del debut. Ante toda esta presión o simplemente la frescura de seguir explorando con diversos instrumentos, la grandilocuencia se presentaba como una atractiva propuesta.   
Neon Bible vería la luz el 5 de marzo del 2007 en Norteamérica y un día después en Europa, a través de Merge Records y Rough Trade respectivamente. A primeras el disco no te enamora, se hace difícil quererlo de buenas a primeras, los once temas en su conjunto no lucen homogeneidad, sino se exhiben particularmente disparejos, y aunque parezca mentira es allí que el disco muestra su atractivo. Conforme vamos escuchando una y otra vez cada uno de sus once temas, descubrimos cosas nuevas que resultan agradables pero también otras que no terminan de convencer, o nos hace sentir los síntomas de un empacho sonoro producto del exceso, ¿Valía la pena tanto sinfonismo en algunas canciones?    
En esta ocasión las liricas de las canciones reflejan hastío, a pesar de la aparente alegría que refleja mucha de ellas. Sobre esto Win declararía: “Las letras manejan diferentes niveles y hablan de experiencias y emociones que van más allá de si conoces o no la realidad de los suburbios de una gran ciudad norteamericana. En realidad éste es nuestro intento de componer nuestro particular White Album, con canciones muy diferentes entre sí en el aspecto sonoro, pero letras que se repiten, autorreferencias y solapan a lo largo y ancho del disco”.
Parece que Arcade Fire la tenía clara para este álbum, a pesar de nuestro desconcierto inicial, lograr un disco que mostrará la belleza de lo oscuro, de lo desesperanzador y de los contrastes, por eso la disparidad sonora que resalta entre canción y canción, muy semejante al de nuestras vidas ¿Sería esta divertida sin oposición, o sin situaciones cambiantes, a pesar que al comienzo nos resultan frustrantes?    
AF y su primera vez en Saturday Night Live
El segundo álbum no podía tener mejor despegue que con el espectacular sonido del piano in crescendo de “Black Mirror”, al que se unirán diversidad de capas sonoras, marcando desde el inicio que el territorio sonoro de este disco será más oscuro que su antecesor, aunque por momentos se torna algo luminoso, gracias a las pegadizas cuerdas de “Keep The Car Running” y su jubiloso ritmo, que se contrastará con la lóbrega y triste “Neon Bible”, de melodía lenta y minimalista. Los grandilocuentes sonidos de un órgano a tubos de “Intervention”, llenan de emotividad el ambiente, logrando que suene como una avasalladora marcha épica, un tema realmente hermoso que une lo hecho en Funeral con lo que se pretendía lograr con este Neon Bible.
“Black Wave/Bad Vibrations” es un tema partido en dos, el primero esboza ciertas referencias a Pulp, una especie de melodía bailable en medio de las tinieblas, en donde se erige la voz de Régine como atracción principal, el segundo irrumpe con sus grandiosas y densas murallas sonoras y la voz de Win, sonando paradójicamente tierna y tenebrosa a la vez. Prosigue la elegante y melancólica “Ocean Of Noise” una balada atípica, compleja, triste y emotiva, cuyas arrulladores cuerdas y piano terminan dando paso al sonido de trompetas, impregnando a la atmosfera cierto aire de ranchera melodramática.
“The Well And The Lighthouse” luce una peculiar sonoridad vertiginosa que no llega a ser post-punk pero coquetea con este, que sobre la mitad se vuelve como una especie de vals mágico. La blusera de ritmos incesantes “(Antichrist Television Blues)”, derrocha ironía por doquier al narrar la historia de un padre que le pide a Dios que transforme a su pequeña de 13 años en estrella de televisión, en donde de su devoción inicial pasa a convertirse en un tirano. Otra vez los contrastes vuelven al disco con “Windowsill” y sus esporádicas ráfagas de emotividad a lo Funeral.
Pero sin duda la mejor pieza del álbum es “No Cars Go”, mucho en parte a ese simple pero efectivo “Hey!” que evoca gritarlo en medio de las masas en un concierto de los canadienses, la única de este trabajo, que suena a himno esperanzador, algo que era fácil de encontrar en Funeral. Finalmente el blues bizarro de “My Body Is A Cage” prosigue esa senda dispareja que caracteriza al álbum, pero que por momentos resulta funcional tanto contraste en esta obra, tema in crescendo sobre la base de un órgano, percusiones y los coros soul. Quizás esta canción hubiera sido colocada en otra posición para que el cierre sea perfecto con “No Cars Go”.
Neon Bible a diferencia de Funeral, es un disco sin himnos, salvo “No Cars Go”, es menos apoteósico, pero que conquista con sus contrastes, que nos muestra una banda ambiciosa y creativa, dispuesta a seguir experimentando aún a costa de perder su sitial privilegiado, un álbum que pocas bandas se atrevería a hacer y que nos dejaría con la expectativa de saber qué más seguiría en el siguiente capítulo de su historia.
KEEP THE CAR RUNNING
Neon Bible se convertiría N°1 en Canadá e Irlanda, y N° 2 en los Estados Unidos, más de medio millón de copias vendidas confirmaría la popularidad en ascenso de la banda. El 24 de febrero del 2007, Arcade Fire se presentaría por primera vez en el programa Saturday Night Live interpretando “Intervention” y “Keep The Car Running”, así mismo durante ese año se convertiría en una de las principales atracciones de los festivales Glastonbury y Lollapalooza. El álbum figuraría entre las listas de mejores discos del 2007.
En el 2008 la banda iría de gira por primera vez a Australia y Nueva Zelandia. Neon Bible Tour duró cerca de un año, fueron 122 shows (incluyendo su participación en 33 festivales) en 75 ciudades de 19 países.
Arcade Fire comenzaba a tener al mundo a sus pies, sin necesidad de vender su alma al mainstream, sino imponiendo sus condiciones, haciendo lo que les daba la gana y de paso alcanzando el éxito.