miércoles, 29 de enero de 2014

ARCADE FIRE: DALE RETRO PARA ENTENDER (2000-2006) Parte 1-FUNERAL



Hablar de Reflektor, el último disco de Arcade Fire lanzado en noviembre pasado, puede parecer “un periódico de ayer”, pero el reinicio de su gira mundial y la próxima visita de la banda canadiense para los festivales de Lollapalooza en Chile y Argentina, hacen que el tema mantenga vigencia.
Reflektor ha concitado diversos comentarios, sectores más acérrimos (y fanáticos) que lo proclaman como una obra maestra (algo realmente exagerado) y otros manifestando su decepción. Revisando lo hecho por la banda desde sus orígenes nos puede dar una aproximación más cabal y cercana de lo que verdaderamente representa el álbum en mención ¿Señal de estacamiento? ¿Evolución? ¿Retroceso? ¿Parte de un proceso? Es lo que se intentará explicar. Pero obra maestra, de hecho no es.  Así que en esta primera parte vayamos desde los primeros bocetos para armar Arcade Fire, hasta llegar a Funeral y su éxitoso desenlace.
NEIGHBORHOOD
Arcade Fire EP
Montreal, mediados del 2000, los jóvenes Win Butler y Josh Deu dan inicio a sus intentos musicales, a ellos se uniría luego Régine Chassagne. Edwin Farham Butler III “Win”, natural de Texas, es descendiente de una familia involucrada en la música, su abuelo Alvino Ray fue guitarrista de jazz, su abuela miembro de las King Sisters y su madre toca el arpa  y canta. A los 15 años Win asistiría a la preparatoría Phillips Exeter Academy en New Hampshire, participando en diversas bandas, llamando la atención el nombre de una de ellas “Willy Wanker and the chocolate factory”. Después de graduarse en la “prepa”, Win estudiaría fotografía en Sarah Lawrence College, para luego mudarse a Montreal, asistiendo a la Concordia University junto a Deush, donde empiezan a desarrollar sus ideas musicales, que serían fortalecidas cuando asisten a la Universidad McGill.   
Régine Chassagne, cuya familia había migrado a Montreal huyendo de Haití y su caos político social propio de la dictadura que la gobernaba por ese entonces, creció en Saint-Lambert, un suburbio de Montreal. Su amor por sus raíces haítianas se manifestarían en el tema “Haití” y al fundar la organización KANPE para ayudar a reconstruir la tierra de sus padres, luego del terremoto sufrido en el 2010. La multi-intrumentista y cantante, tenía un bachillerato en Artes en estudios comunicacionales de la Universidad de Concordia y había estudiado canto en la Universidad McGill, cuando se conoció con Butler en una muestra de arte en Concordia en el 2000, quien luego de escucharla cantar le pide formar parte de su banda.
Win y Régine
El trío grabaría algunos demos y empezaría a presentarse en vivo durante el 2001, luego se unirían el multi instrumentista Tim Kyle, el bajista Alan Lavian, el guitarrista y baterista Dane Mills y el multi-instrumentista Brendan Reed.  En el verano del 2002 (en el hemisferio norte), la banda se mudaría a Estados Unidos, para grabar su primer EP Arcade Fire que sería publicado al año siguiente. Sus ejemplares se venderían en los conciertos y posteriormente sería remasterizado luego del éxitoso Funeral. Dentro de los tracks del Ep, figura “No Cars Go”, tema que después sería arreglado para ser inlcuido en el segundo álbum de la banda, Neon Bible. En el proceso de gestación del EP, empezaría las tensiones entre algunos integrantes de la banda, lo que ocasionó la reestructuración de la formación, Joshua Deu dejaría la banda para continuar con sus estudios, mientras que Richard Parry quien había colaborado en el Ep, ingresaría como miembro formal de Arcade Fire. Para el proceso de concepción de Funeral la alineación de la banda quedaría así: Win Butler, Régine Chassagne, Richard Reed Parry, William Butler, Timothy Kingsbury y Howard Bilerman.
En agosto del 2003 Win Butler se uniría en matrimonio a Régine Chassagne, pero además esa unión significaría, la de sus diversos bagajes musicales y artísticos, gracias a sus respectivas formaciones académicas, las cuales  se  trasladarían a la paleta sonora que tendría a su disposición la banda para elaborar una sonoridad cromática y amplia en influencias. Además de manifestar en sus presentaciones en vivo una espectacularidad y teatralidad que pocas bandas ofrecen en vivo.
FUNERAL
A inicios del nuevo milenio ninguna de las bandas nuevas que hacían su aparición por esos primeros años concitaban mi interés, casi todas sonaban a refritos, o “tributos a…”. El 2003 era una época “poseída” por la moda de ser “emo”, palabrita que venía de emocional, fue a mediados de ese año que Arcade Fire, grabó su primer y majestuoso álbum, que expresaba a a toda esa juventud alineada qué era realmente ser y sonar “emotivo”, con su hermoso Funeral (2004).
Desde que lo escuché por primera vez, Arcade Fire me dejó alucinado, habían producido el mejor álbum debut en años, una obra maestra a la primera, que se convertiría en un clásico de la posmodernidad, por fin un disco que sonaba original, que lograba no refugiarme en mis influencias ochenteras, sino mirar al futuro con optimismo.  Su música no era algo pasajero como los “emos”, había arribado no sólo para quedarse sino para trascender.
El título del álbum, como deben saber los buenos seguidores de Arcade Fire, se influenció en la serie de muertes que ocurrieron en torno a los parientes de los integrantes de la banda durante el proceso de grabación del disco, que se realizaron en Hotel2Tango de Montreal en agosto del 2003 y se terminaron en el invierno del 2004.
En Lollapalooza 2005
El álbum sería lanzado el 14 de septiembre del 2004 en Canadá. Disco que como pocos recibió la aclamación generalizada de la prensa musical desde su aparición. El pequeño sello discográfico Merge Records, no se dio abasto para cubrir la demanda de Funeral, agotando todo el stock. En Gran Bretaña recién aparecería al año siguiente a través de Rough Trade.
Si bien el nombre del disco puede connotar escuchar tonalidades depresivas u oscuras, su temática es sonorizada de manera optimista por una instrumentación exquisita, en donde confluyen a la vez, violas, violonchelos, arpa, pianos, mandolinas, acordeones y xilófonos con instrumentos modernos creando música que abarca estilos que van desde el art rock, bossa nova, Krautrock hasta lo que algunos han denominado como pop barroco. Como se observa las cuerdas se convirtieron en una de las columnas vertebrales del álbum, y ellas dirigidas por Owen Pallet.
Pocas veces uno puede sentir tanta emotividad como al escuchar Funeral, es imposible que uno no deje de experimentar esperanza y euforia a la vez durante la audición de sus 10 temas, uno puede sentir ganas de seguir viviendo con ese “levante” de anímo que resulta ese himno llamado “Wake Up”. Sobre todo porque uno siente que estos sujetos lo hacen de manera sincera no por pura pose o afán superstar. El dramatismo de su música es realmente increíble.
David Bowie un fan declarado de la banda definió la propuesta como “una caleidoscópica y mareante ráfaga que une la primera etapa de Motown con la chanson francesa y los Talking Heads a través de The Cure”. El mismo Bowie lo proclamaría como el mejor álbum del 2004.
Si bien Funeral adquiere su nombre del fallecimeintos de los familiares de la banda, su temática esta centrada en el mágico relato de dos jóvenes amantes que luchan por huir de los recuerdos de sus familias, es por ello que en “Neighborhood # 1” (la pieza inicial del disco) se presenta a los protagonistas escapando de sus hogares (a través de un túnel en la nieve) y de los tormentos de sus progenitores. “Neighborhood #2, #3 y #4” respectivamente seguirán esa secuencia. ¿Acaso estos temas no sean más que la analogía de lo vivido por Win y Régine, al dejar sus hogares y encontrar el amor entre ambos? Además de la melancolía por dejar la adolescencia y asumir la adultez en medio de un adverso mundo, buscando rutas de escape y aún viendo a la muerte como una salida.  
Musicalmente el tema inicial “…#1 (Tunnels)”, es una espectacular marcha ascendente que adquiere dimensiones épica, de gran densidad gracias al piano y ritmo, así como los ondulantes arreglos de cuerdas y etéreos teclados, además de ser cantada casi operísticamente. En “…#2(Laika)” su tribal percusión nos introduce a un tema que posee maravillosos e intensos arreglos de cuerdas, en donde los contrastes de voces entre Win y Régine son llevadas al extremo, luciendo melodramáticamente conmovedores. La sonoridad de su enérgico acordeón por momentos nos transporta a ambinetes parisinos, logrando una fusión sonora espectacular.
La apaciguada “Une Anné Sans Lomiére” nos reduce un tanto las revoluciones luego de tantas emociones experimentadas con las canciones anteriores. Aunque por la mitad la intensidad rockera de las guitarras dan más dinamismo al ambiente sonoro, que termina siendo arrazado por la irrupción de los agitados guitarrazos, acompañados por batería y pegadizo xilófono de “Neighborhood #3 (Power Out)” conviéndose en una pieza de baile en momentos que la desesperanza cunde en tiempos adversos del relato amoroso.
Las bizarras sonoridades del inicio de “Neighborhood #4 (7 Kettles)” como construidas con sonidos de tetereas hirviendo abren los surcos para que delicados arreglos de cuerdas transiten, estructurando un tema orquestal de aires folk.  En esta historia romantica no podía faltar la balada, y esa es la trágica “Crown Of Love”, que evoca aquellas baladas melodramáticas de los 50s, aunque por instantes se asemeja a un vals. La atmosfera romántica es destruida por un genial cambio de ritmo dance, al más puro estilo de ABBA, a manera de ejercicio catártico por sacudirse de la pena de amor. Los temas a manera de himno, que por unos momentos dejaron la escena de esta obra, retornan con los riff hard rock a medio tiempo de “Wake Up”, y ese emotivo coro épico tan simple pero efectivo “Oh, oh, oh, oh, oh…!” Que no termina de erizarme los bellos de la piel cada vez que los escucho y llenarme de una emotividad y energía inusual, como anunciándome el triunfo sobre cualquier aflicción de la vida. El acompañamiento orquestal es sencillamente magnífico.
Régine asume el papel principal en la voz con su autoreferencial “Haiti”, delicioso corte exótico, de cálidos aires caribeños, rozando con el folk-pop conforme se va desvaneciendo sus sonoridades va emergiendo la percusión y punteo apresurado de “Rebellion (Lies)” dispuesto a penetrar nuestro cuerpo para lanzarnos al baile, al compás de su melodía art-rock, el piano y la voz de Butler progresivamente se van uninendo para marcar el ritmo. Sonando grandilocuentes, pues resulta imposible no pensar en sonoridades new wave, pop, soul celta al oírla. Dejándonos Arcade Fire una muestra de hacia dónde querían experimentar para su siguiente entrega.  
Finalmente la ecléctica y tiernísima “In The backseat” vuelve la atención nuevamente sobre la dulce voz de Régine, además los bellísimos sonidos de violín y cuerdas, todas estas sonoridades unidas a la voz de la cantante se van acentuando hasta alcanzar una intensa majestuosidad y clímax.         
Funeral derrocha talento, creatividad, brillantez, grandiosidad, su audición es una experimentación espiritual que nos hace llenar de triunfalismo.  La obra maestra de la primera década del dos mil.
WAKE UP
Arcade Fire portada de Time (Canadá)
El grupo alcanzaría gracias a Funeral el Billboard 200, la gira se tuvo que modificar para más fechas y con lugares de mayor capacidad. Pitchfork y MTV 2 lo seleccionaron como disco del año 2004 y 2005 respectivamente. NME lo colocó entre los mejores discos del año. En las postrimerías del 2005, Funeral era disco de oro en Canadá y Uk, al superar el medio millón de ventas. Un rotundo éxito para una banda que no gozaba de la publicidad de la mass-media.
El 4 de abril del 2005, la versión canadiense de “Time”, amanecería con la fotografía de la banda como portada, por “responsables de poner a la música canadiense en el mapa”. El 1 de mayo, la banda se presentó en el festival de Coachella ante 15 mil personas.  El 9 de setiembre de ese mismo año, sería un día trascedental para la banda, al aparecer en el programa especial de la TV US/UK Fashion Rock junto a David Bowie, interpretando en vivo  “Wake Up” y las canciones del ex duque blanco “Life On Mars” y “Five Years”, el registro de esa participación sería lanzado luego de manera virtual. Mayor impacto en el mundo que aparecer al lado de uno de los mayores íconos de la historia pop, no podía causar por aquel entonces estos noveles de Arcade Fire.
Arcade Fire con Bowie
Después la banda cruzaría el Atlántico para presentarse en diversos programas de la tv europea. En el Reino Unido los temas “Neighbordhood #3 (Power Out)” y “Wake Up” alcanzarían a ser número 1. Éste último será utilizado por U2, como intro para abrir los conciertos de su Vertigo Tour, además actuarían como teloneros en tres conciertos de esa gira, en el último de ellos, en Montreal junto a U2 interpretarían “Love Will Tear Us Apart” de Joy Division.
Arcade Fire  con U2
La banda firmaría un contrato con EMI para el tema “Cold Win”, que luego sería utilizada para la Tv y nominada Mejor canción para la televisión o película. Mientras que Funeral fue candidato a un premio Grammy como Mejor Álbum de Rock Alternativo. En los Brit Awards recibirían tres nominaciones: Mejor grupo Internacional, Mejor Álbum Internacional y Mejor Debut Internacional.
Arcade Funeral nos presentaba con Funeral una propuesta auténtica, que nos hacía creer en la generación emergente, que abriría paso a una serie de excelentes músicos canadienses que descubrimos cada año y no paran de asombrarnos.
Como lo mencioné anteriormente, la grandilocuencia sonora mostrada en el single “Rebellion (Lies)” prepararía el camino para Neon Bible.


miércoles, 22 de enero de 2014

BRIAN ENO: 40 AÑOS DEL ÁLBUM DEBUT DE UN NO-MÚSICO QUE INFLUENCIÓ EN LA MÚSICA



HERE COME THE WARM JETS
BRIAN ENO
1974
Enero de 1974, fue el punto de partida de la carrera solista de Brian Peter George Saint John le Baptiste de la Salle Eno, mejor conocido en el mundo artístico como Brian Eno, con la aparición de su primer y emblemático álbum Here Come The Warm Jets, obra que aportaría en la construcción de los sonidos del futuro, como la new-wave por citar un ejemplo. Este disco es el primero de una serie de trabajos que a lo largo de su carrera representan el deseo incansable y diligente del No-músico por explorar  con diversas sonoridades, convirtiéndose en uno de los más importantes precursores de  la música contemporánea. Labor que no solo atañe su trayectoria solista, sino su participación como productor musical de destacables figuras del pop-rock entre ellas David Bowie, U2, Devo, Talking Heads, James, Slowdive o Coldplay.
 Here Come The Warm Jets  es un álbum que si bien es precursor de los sonidos contemporáneos del mundo pop-rock, todavía suena futurista, a pesar de sus 40 años de existencia, sigue sonando realmente asombroso. Siendo un conjunto de canciones delirantes, nunca antes hechas y que todavía no han podido ser alcanzadas. Una cuesta ascendente de experimentación sónica, donde cada surco sonoro es un universo distinto, cada una más bizarro y cautivante que el anterior, una obra delirante. Ahora revisemos un poco los inicios de Eno antes de seguir emocionándome al describir este magnífico disco.
BEFORE THE SCIENCE…
La primera pasión de Brian Eno no fue la música sino la pintura. En 1964 ingresa a la Escuela de Arte de Ipswich, en donde adquiere su afán por la autoinvestigación y las obras conceptuales. Tiempo después Eno se iría a la escuela de Winchester, en donde todavía sin saber manejar instrumento alguno, comenzó a desarrollar su hábito por la exploración sonora  trabajando con una considerable cantidad de grabadoras de cinta.  Escuchar “My Generation” de los The Who, lo llevó a interesarse por el rock y lanzar su grupo The Maxwell Demon, con el que no sacó nada oficial salvo un demo.  
Eno desarrollaría una serie de exposiciones de pintura conceptual y paralelamente continuaría con sus investigaciones musicales, producto de ello en 1968 presenta su libro Música para No músicos, a fin de sustentar teóricamente sus proyectos musicales.
El “No-músico” conocería al saxofonista Andy Mackay al tomar el subte, quien le invitaría a formar parte de lo que sería una de las bandas más influyentes de los setentas, Roxy Music. Quién sabe si Eno hubiera tomado otro vagón, no habría conversado con Mackay, quizás no sería músico y el pop-rock contemporáneo no bebería de su influencia.
Aunque no compuso nada para Roxy Music, el aporte de sus alucinaciones sonoras con los teclados y sintetizadores era notable. Roxy Music albergaba la estética musical de Brian Ferry y la experimentación de Eno, ambos lo sabían y Eno optó por irse, en momentos en donde la fama los acorralaba a causa de sus dos magníficos primeros álbumes. Meses después en colaboración con el guitarrista Robert Fripp de King Crimson, publicaría No Pussyfooting.  
“MI MÚSICA ES OPUESTA AL PURISMO, SOY UN SINTETIZADOR” – Brian Eno.  
Nuevamente con la participación de Robert Fripp, de sus ex compañeros Roxy Music, Andy Mackay y Phil Manzanera, y de otros trece músicos, Eno inicia en septiembre de 1973 en los Estudios Majestic de Londres, la grabación de lo que sería su primer álbum solista, siendo el encargado de conducir exclusivamente la composición musical del registro sonoro, además de asumir el papel de productor. Eno escogió a estos músicos al saber de su incompatibilidad para trabajar juntos y su deseo de experimentar con lo que podía salir de la posibilidad latente de qué ocurrieran conflictos entre ellos.  
Eno estableció su propio lenguaje no verbal para comunicar sus ideas musicales a los músicos, ya sea mediante gestos corporales o bailando,  bajo estos códigos Eno influiría en la manera que los músicos deberían ejecutar los instrumentos. Por ello en los créditos aparecen que Eno estuvo a cargo de “snake guitar”, “simplistic piano” y “Electric larnyx and synthesizer”. Todas estas extravagancias serían parte de sus métodos de producción del disco.  Cada instrumento fue grabado por separado y luego Eno los condensaría. Las letras de sus canciones eran expresiones monosilábicas, puestas al revés, incoherentes, sin sentido, que terminaron creando canciones de humor irónico, histriónicas, quizás influenciadas en el arte dadaísta.
La grabación del álbum solo tomaría 12 días, pero recién vería la luz en enero de 1974 bajo el sello Island Records. Si bien algunas partes del trabajo presentan deudas con lo hecho con su anterior banda y el glam-rock, es injusto no reconocer las ideas y el espíritu vanguardista de la música del disco, que busca y consigue no ser encasillada ni etiquetada bajo ningún estilo, de principio a fin exhibiendo sonidos adelantados a su época, en donde Eno ejerce libremente su capacidad compositiva. Deformando sonidos, desfigurando melodías, yuxtaponiendo filosas guitarras rock e incorporando texturas de art-rock.
Here Come The Warm Jets,  suena totalmente alejado a lo hecho por aquel entonces, explorando nuevos horizontes sonoros. Es uno de los álbumes más vendidos de Brian Eno y alcanzó el puesto N°26 en el Uk chart en marzo de 1974.   Con respecto al título, en un primer momento Eno señaló que hacía referencia a la orina, pero posteriormente declararía que era porque “la guitarra sonaba como un jet afinado” (“warm jet guitar”).
Este descarado y rupturista disco se inicia con “Needless In The Camel’s Eye” cuyos empalagosos y filosos guitarrazos, suenan proto-noise, sí noise antes del noise, influenciado en su desfigurada sonoridad glam rock. “The Paw Paw Negro Blowtorch” trae una de las pocas letras hechas convencionalmente, trata la historia de un americano del que se decía había desarrollado la “pyrokinesis”, musicalmente la texturas de los sonidos de la guitarra y sonidos electrónicos resultan realmente  espectaculares para su época. La experimentación irá aún más allá con “Baby’s On Fire”, deshaciendo sin contemplación las estructuras de una canción "poppy", y cuyas chirriantes y demenciales guitarras tanto de Fripp como Eno, me hacen pensar en la posible aplicación de Graham Coxon  en varias canciones de Blur. La letra trata sobre un bebé que se prende fuego durante una sesión de fotos. Retomando algo de los sonidos de los 50s, por su piano y coritos, demostrando algo del gusto de Eno por el pop del ayer, está la apacible “Cindy Tells Me” enturbiada por la texturas de guitarras. Dos notas de piano que nos hace sentir la sensación de estar cayéndonos por un espiral de tiempo es que logra la oscura y perturbadora “Driving Me Backwards”.
Los acordes de la épica marcha de “On Some Faraway Beach”  embargan una gran nostalgia, que es destrozada por la retorcida experimentación de “Blank Frank”, qué tales sonidos la de las guitarras, para más crudos, chirriantes y espaciales. Sinceramente la sonoridad de este tema es alucinante, qué tal delirio el que uno puede experimentar con este tema. “Dead Finks Don’t Talk” sigue con la senda ascendente experimental que el disco va tomando, hacia sonidos cada vez más enrarecidos y tonalidades cada vez más surrealistas,  sonoridades de diversos estilos que son distorsionadas adrede, y ese “Oh, no!” grotesco, que colapsa sobre una secuencia de sintetizador que luego da paso a “Some Of Them Are Old” cuyos solemnes y alucinantes cantos corales, combinándose con deformados sonidos de cuerdas acústicas, que van desvaneciéndose ante la arremetida de las retorcidas eléctricas, la hacen una verdadera “marcianada” sónica, pegada nomás sigue el esplendido sonido de “Here Come To Warm Jets”, cuyas desconcertantes y deformadas sonoridades hacen difícil la identificación de los instrumentos, salvo la batería, un verdadero cierre con broche de oro para esta obra de arte.
Si realmente quieres saber qué es vanguardismo musical, escucha este disco, seguramente destrozará tus hipótesis de lo que ello significaba para ti, y de paso algunas bandas o solistas del contexto vigente del mundo rock-pop que los considerabas como tal, se te caerán del altar, ante lo que Brian Eno creó hace 40 años. 
Un NO-MÚSICO, que influenció en el panorama actual del pop-rock, ese es Brian Eno, quien logró en su debut un disco que sigue sonando futurista apesar de los años, que sigue marcando la dirección a seguir, una obra maestra que plasma la visión musical de Eno combinándose con su expresión artística. El inicio de una carrera notable caracterizada por la constante experimentación sónica, influenciando en la new wave, techno, ambient, entre otros estilos.
Les dejo todo el álbum para que lo disfruten...

En el próximo número.....AF

viernes, 17 de enero de 2014

100 MEJORES CANCIONES DEL 2013

Tarea complicada la de pretender hacer una lista de las 100 mejores canciones del año 2013, sobre todo al asignarle un orden de mérito a cada una de ellas. Errores o discrepancias, recuerden que son propias del subjetivismo y a veces del estado de ánimo con que se escucharon y seleccionaron cada una de estas piezas. Debo aclarar que algunas canciones con las que me había encariñado fueron dejadas de lado, en búsqueda de ser lo más objetivo posible, sino algunas que aparecen en esta relación nunca hubieran sido colocadas, ¿Sí o no Daft Punk?.   Sin tanta explicación, os invito a revisar el listado, esperando lo disfruten...
100. "OTHER LIFE"- SEAN NICHOLAS SAVAGE
99. "VOYEUR" - JAMES BLAKE
 98. "STRONG" - LONDON GRAMMAR
97. "SEXODOUS" - M.I.A

96. "CALIFORNIA" - MAZZY STAR
95."AVOCADO, BABY" - LOS CAMPESINOS!
94."PARENTHESIS" - TRICKY
93."WE NO WHO U R"- NICK CAVE AND THE BAD SEEDS
92."I AM A GOD" - KANYE WEST"
91."ABSTRACT"- BODY/HEAD
90. "COME DOWN TO US"- BURIAL
89."SMUG" -POLICA
88."CHROME COUNTRY" - ONEOHTRIX POINT NEVER
87."ALWAYS FOREVER" - CULTS
86."A CHERRY A TOP" -THE KNIFE
85."COLD EARTH" - BOARDS OF CANADA
84."ALL OVER NOW"-WASHED OUT  
83."OVERGROWN"- JAMES BLAKE
82."BONNIE AND CLYDE"- TRICKY
81. "HIDERS" - BURIAL
80."BUGS DON'T BUZZ"- MAJICAL CLOUDZ
79."THE ONLY SHRINE I'VE SEEN"-DARKSIDE
78."AIR BUD" - KURT VILE
77."S.O.S IN BEL AIR"- PHOENIX
76."FALLING BACK"- WASHED OUT
http://www.youtube.com/watch?v=PCVOm1IfpO8






75."FOR FLOTSAM"- LOS CAMPESINOS!
74."FULL OF FIRE"-THE KNIFE
73."NIGHT TIME, MY TIME" - SKY FERREIRA
72."WITHIN"- DAFT PUNK
71."DON'T SWALLOW THE CAP"- THE NATIONAL
70."MORE THAN I LOVE MYSELF"- SEAN NICHOLAS SAVAGE
69."DRESDEN"-O.M.D.
68."INTROSPECTION"- MGMT
67."WHAT ARE YOU TELLING ME?"
 66."OPEN EYE SIGNAL" - JON HOPKINS
65."IN THE KIGNDOM" - MAZZY STAR
64."JACQUARD CAUSSEWAY" - BOARDS OF CANADA
63."OPEN" - RHYE
62."THE BEST JEWEL THIEF IN THE WORLD" - PREFAB SPROUT
61."NOTHING IS" - MY BLOODY VALENTINE
60."WATER'S EDGE" - NICK AND THE BAD SEEDS
59."GIVE IT A TRY" - THE OCEAN BLUE" 
58."ALL I KNOW" - WASHED OUT
57."VERY CRUEL" - POLICA
56."NOTHING MATTERS"- TRICKY
 55."SAY DEMESNE"- JOHNNY MARR 
54."MAXIM'S II" - JULIA HOLTER
53."INSTANT CRUSH"- DAFT PUNK
52."REACH FOR DEAD"- BOARDS OF CANADA
51."WASTING MY YOUNG YEARS"- LONDON GRAMMAR
50."SUN, ARISE!" - PHOSPHORESCENT
49. "ABANDON WINDOW"-JON HOPKINS
48."PROBLEM AREAS"- ONEOHTRIX POINT NEVER
47."RIVAL DEALER"- BURIAL
46."PKR"- THE HOUSE OF LOVE
45."HUSBANDS"- SAVAGES
44."SABOTAGE" - SUEDE
43."I AM SOLD" - JAMES BLAKE
42."YOU LIFE IS A LIE"- MGMT
41."DON'T"- PHOENIX
40."BOYS"-SKY FERREIRA
39."INMUNITY"- JON HOPKINS
38."OHM"- YO LA TENGO
37."WE SINK"-CHVRCHES
36."WEIGTHLESS"- WASHED OUT
35."RIDE ON/RIGHT ON"- PHOSPHORESCENT
34."PALE GREEN GHOSTS"- JOHN GRANT
33."SAD NIGHT, WHERE IS MORNING?"- THE OCEAN BLUE
32."GRACELESS"-THE NATIONAL
31."DATA WORLD"-WILD NOTHING
30."JUBILEE STREET"-NICK CAVE AND THE BAD SEEDS
29."THE NEXT DAY"-DAVID BOWIE
28."VEGAS"-POLICA
27."IT ALL FEELS RIGHT"- WASHED OUT
26."WONDER 2"-MY BLOODY VALENTINE
25."ALONE"-DEPECHE MODE

24."JAVELIN UNLANDING"- BILL CALLAHAM
23."LOSE YOURSELF TO DANCE"- DAFT PUNK
22."MAXIM'S I"- JULIA HOLTER
21."RIDE"-WILD NOTHING
20."REFLEKTOR"- ARCADE FIRE
19."24 HOURS"-SKY FERREIRA
18."THE MISSING"-DEERHUNTER
17."CHILDHOOD'S END"-MAJICAL CLOUDZ
16."SO BLUE"-LOW
15."AFTERLIFE"-ARCADE FIRE
14."DOEST IT"-TRICKY 
13."EUROPEAN ME"- JOHNNY MARR

12."SHAPE"-GLASSER
11."RAFSTRAUMUR"-SIGUR RÓS
10."HORNS SURROUNDING ME"- JULIA HOLTER
9."DEMONS"-THE NATIONAL
8."WHERE ARE WE NOW?-DAVID BOWIE
7.PUSH THE SKY AWAY"- NICK CAVE AND THE BAD SEEDS
6."GMF"- JOHN GRANT 
5."ÍSJAKI"-SIGUR RÓS
4."I SHOULD LIVE IN SALT"-THE NATIONAL
3. "BARRIERS"-SUEDE
2."HELLO STRANGER"-JULIA HOLTER
1. "SONG FOR ZULA"-PHOSPHORESCENT

Ahora sí se terminaron los recuentos del 2013...