miércoles, 31 de julio de 2013

U2: ZOOROPA- 20 AÑOS DE UN MENOSPRECIADO ÁLBUM


Hace 20 años, en mis vacaciones de medio año, esperando el inicio del segundo ciclo de la universidad, paseando por la Colmena  me di con la grata sorpresa que mis proveedores musicales ya tenían en sus “maletas”  el nuevo álbum de U2, Zooropa.  Cuando los fans aún permanecíamos asombrados por el extraordinario Achtung Baby!  Y veíamos en las revistas la espectacularidad de su gira Zoo T.V. , U2 nos ofrecía otro gran álbum, quizás el más experimental que haya producido la banda, pero también el menos apreciado  y olvidado con el pasar de los años, por seguidores de la banda, prensa  o aún, los mismos integrantes del grupo, denominándolo simplemente como “un buen interludio”, para hacer más atractiva la segunda parte de la gira. Si tomamos en cuenta toda la publicidad, promoción y hasta alabanzas  que se le dieron a los álbumes posteriores, que realmente no alcanzaron los niveles de calidad expuestos en Zooropa.
Lanzado el 5 de julio de 1993, bajo el sello Island Records, el álbum contó con la producción de Flood, Brian Eno y The Edge.  Inspirados por su gira Zoo Tv, y pretendiendo seguir por la senda de la experimentación, ya trazada por su álbum Achtung Baby!, los U2 iniciaron el proceso de una nueva producción musical que en un comienzo se proyectó como en un EP pero luego terminaría convirtiéndose en un álbum. Cabe resaltar, hecho entre conciertos, aeropuerto y estrechas sesiones de grabación, realmente una locura.
El resultado fue por demás interesante, desde la sorprendente apertura del tema “Zoroopa” que da nombre al disco, cuya sonoridad yuxtapuesta es realmente alucinante, pasando por el coqueteo pop de “Babyface”, el intento de rapeo de Edge en medio de las distorsiones de su guitarra y los delirantes ambientes sónicos de “Numb”, los raros efectos de guitarra de “Lemon”, la tierna tristeza de “Stay (Faraway So close!), las exploraciones sónicas maquinales de “Daddy’s Gonna Pay For You Crashed Car”, la desesperanzadora “The First Time”, las corroídas distorsiones de “Dirty Day” hasta llegar a la extraordinaria pieza experimental “The Wandererer”, una especie de country o blues industrial(intentándole dar una definición a su sonoridad) interpretada por el legendario Johnny Cash. 
Zooropa sólo alcanzaría a vender 7 millones de copias, pero a pesar de ello en 1994 ganó el Grammy al mejor álbum de música alternativa. Estuvo posicionado en los principales rankings durante bastantes semanas, pero sus singles no alcanzarían la repercusión esperada. Sin embargo es un disco que vale la pena darle el sitial que se merece.    
A continuación algunos detalles sobre el álbum, desde su concepción hasta su salida, según sus propios protagonistas.
ZOOROPA UPCOMING!
CONCEPCIÓNLa gira norteamericana finalizó en noviembre (1992), y la etapa al aire libre por Europa empezaba en mayo, así que teníamos unos meses de descanso” Adam Clayton, bajista.
Empezábamos nuestro segundo año de gira. Entonces se me ocurrió algo: ‘Tenemos un poco de tiempo libre y algunas ideas por aquí esperando desde el último disco. Hagamos un EP, con algunas canciones nuevas para animar un poco la próxima etapa de la gira. Será divertido…estuvimos en el estudio The Factory de Dublín durante un par de semanas de febrero de 1993. Pero a medio trabajo, Bono…sugirió: ‘Si nos tomamos la molestia de hacer un EP, démonos un empujocinto más e intentemos hacer un álbum completo’…¿Podía u2 hacer un disco en doce semanas-que era todo el tiempo que teníamos- o nos habíamos vuelto tan mimados a causa de los ingresos inagotables de los discos que necesitábamos todo un año para hacer un álbum?”  The Edge, guitarrista   
“Desde que Achtung Baby! había empezado a materializarse como un álbum completo, Bono y yo hablábamos del llamado ‘puñetazo un-dos’, que significa dos álbumes en una sola campaña. Cuando tienes a gente que te presta atención, ¿por qué no golpearla otra vez rápidamente? Y así fue como apreció Zooropa.” Paul McGuinness, Manager  
PRODUCCIÓN “Que Eno y Flood estuvieran en el teclado fue de gran ayuda, pero el escaso tiempo, nos obligó a trabajar intensamente. No podíamos entretenernos…debíamos escribir, producir y grabar, nada más. Una parte del material había sobrado de las sesiones del Achtung Baby! como ‘Stay’, sacada de una melodía en verso para una canción que nunca se grabó, y ‘Numb’, que era el acompañamiento instrumental de una canción completamente diferente. Algún otro material lo improvisamos allí mismo, como ‘Babyface’ y ‘The Wanderer’. Y el resto salió de ideas que habíamos tenido durante la gira. ‘Zooropa’ eran dos piezas musicales separadas que encontré escuchando casetes de pruebas de sonido e improvisaciones. Las cogí, vi que encajaban bien y acabamos haciendo una canción a partir de esos dos elementos completamente distintos. Pasábamos por una buena racha. Las canciones fluían rápidamente. Pero cuando tuvimos que volver a  salir de gira, todavía no habíamos terminado el disco, y Brian y Flood habían concertado ya otros proyectos, así que nos encontramos en un dilema. Todo el mundo nos decía: ‘Bien, esto es un EP. Pero queda todavía mucho trabajo para acabar algunas de estas canciones’. No tenían en cuenta nuestra determinación absoluta”  The Edge
“Nuestro entusiasmo iba por delante de nosotros. La gira europea empezó en mayo, y nos pasamos el primer mes regresando del espectáculo para ir al estudio y trabajar unas horas durante la noche o al día siguiente por la mañana. No solamente fue una gran gira muy larga, sino que además grabamos un álbum en la mitad. Es una enorme locura.” Adam Clayton
“El espectáculo terminaba a las once de la noche. Tan pronto como salíamos del escenario nos metíamos en el coche, directos hacia el aeropuerto, para salir volando. Como los conciertos eran en Europa, normalmente íbamos con una o dos horas de antelación respecto de Irlanda, así que llegábamos allí a medianoche, nos metíamos en el estudio, trabajábamos un par de horas y después nos íbamos a casa, a dormir. A menudo teníamos un par de días entre concierto y concierto, así que volvíamos a trabajar por la tarde, seguíamos por la noche, nos levantábamos al día siguiente, íbamos al aeropuerto y volábamos hacia la siguiente ciudad. Estuvimos así un mes entero. Fue una locura, pero una locura positiva.” Larry Mullen Jr. Baterista
ZOOROPA
EL ÁLBUM, “Desde el punto de vista de Polygram, era un regalo de Dios porque no esperaban ningún álbum de U2 hasta un par de años después. Si Achtung baby! era el primer plato, éste era el momento perfecto para ofrecer a nuestro público algo más experimental y esotérico, y eso fue Zooropa. Todavía es uno de mis álbumes favoritos de U2 porque es muy libre” Paul McGuinness
Zooropa es el sonido de U2 pero sintiéndonos cómodos con el ambiente de grabación. Después de Achtung Baby!, estaba claro que la tecnología era útil, que no era el demonio ni el enemigo, y que podíamos manejarla. Edge todavía estaba explorando la cultura dance y hip hop, las mezclas de discoteca y todo este tipo de cosas, Él experimentaba y U2 éramos sus conejillos de indias”. Larry Mullen Jr
“Es un disco extraño y es mi favorito. Sonaba un poco estrafalario, no tenía ninguno de los himnos de U2, había sido sacado de las sesiones de estudio…” Adam Clayton
“Fue nuestro intento de crear un mundo, más que simplemente canciones y resultó ser un mundo hermoso.” Bono      
CANCIONES
Zooropa “es absolutamente fascinante” Adam Clayton
“…era nuestro nuevo manifiesto: ‘No tengo compás, no tengo mapas, y no tengo ninguna razón para volver atrás’. Brian Eno estaba como pez en el agua. El estudio se convirtió en un instrumento, en un patio de recreo, montones de ataques de su teclado DX7, montones de sorpresas de Larry y Adam…Era el equivalente en audio a Blade Runner en video. Si cerrabas los ojos podías ver el neón, las pantallas brillantes anunciando todo tipo de cosas efímeras” Bono
Numb “es el sonido del interior de la cabeza de alguien, con una fantástica letra e interpretación de Edge. Es el retrato cruel de lo que él sentía en ese momento y de lo que un montón de gente de todo el mundo siente por los medios de comunicación.” Bono  
“Era una canción que había sobrado de Achtung Baby!...Brian le añadió un teclado fantástico. Cuando estábamos intentando ordenar el material para zooropa, apareció esa grabación de acompañmiento y no supimos qué hacer con ella. Edge se la llevó a otro estudio para mostrar algunas ideas y, al cabo de unas horas, había encontrado la forma de grabar un rap encima. Es una obra maestra sonora y la parte de Edge es fantástica.” Adam Clayton
Lemon  “se convirtió en una de las canciones más destacadas del álbum. Era una melodía que había conseguido con una caja de ritmos y un bajo, muy rítmica. Sin embargo me resultó difícil encontrar las partes de guitarra hasta que utilicé un efecto poco habitual…” The Edge
“[De unas imágenes tomadas en súper 8 de la madre de Bono en una boda] ella era la dama de honor con un precioso vestido de color limón. Canté con mi voz de Fat Lady pero dándole patetismo a la letra. Había dos cosas en juego, el recuerdo y la pérdida, el retrato de una chica en un reluciente vestido limón que la hacía sexy y divertida y el patetismo de un hombre (el viudo papá de Bono) separado de todo aquello que quería” Bono
Stay (Faraway So Close!) “es una canción en la que Bono y Edge trabajaron durante algún tiempo. Bono solía decir que era para Frank Sinatra, pero necesitábamos  canciones para Zooropa, así que pensamos que podíamos probarla. Fue difícil resolver cómo hacerlo. Nos decidimos por un sonido muy modesto de conjunto y funcionó.” Adam Clayton
The First Time “es una canción muy especial. En medio del caos y de las luces intermitentes de las evasiones del futuro nacía un momento simple y poético. Es la historia del hijo pródigo, pero aquí el hijo pródigo decide no regresar. Trata de la pérdida de la fe…” Bono
Dirty Day “Es una canción de un padre y un hijo. ‘Es un día asqueroso’ era una expresión que mi padre solía utilizar, y hay mucho de él en esta canción… ‘Dirty Day’ trata de un personaje que dejó a su familia y, años después, encontró al hijo que había abandonado…” Bono
The Wanderer “He tenido muchos tipos de padre en mi vida. ¡Vaya lista podría confeccionar! Pero en algún lugar, por encima del todo, debe estar Johnny Cash, para quien escribimos ‘The Wanderer’ y a quien convencimos para que viniera a cantarla con nosotros, y cerrar así el álbum. Escribí la letra basándome en el libro del Eclesiastés, del Antiguo Testamento, que en alguna traducción la llaman el Predicador. Es la historia de un intelectual con pasión por viajar. El predicador quiere encontrar el sentido de la vida y prueba un poco de todo. Intenta acumular conocimiento y educarse a sí mismo, lee todos los libros que le caen en las manos, pero no funciona. Intenta viajar, visita muchos paisajes, pero no funciona. Insiste con la bebida, las mujeres y la canción, pero tampoco funciona. Todo es vanidad dice, vanidad de vanidades…
 La canción es  el antídoto al manifiesto de indecisión de Zooropa…presenta una posible solución.
¿LEGADO?
“Las canciones no son clásicos, pero son más experimentales e interesantes que la mayoría de canciones pop… Queremos algo potente, y algunas de esas canciones no lo son particularmente. Sin embargo, a veces, mis discos favoritos no son precisamente los que están hechos con golpes geniales. Me gusta la parte más sutil y estrafalaria de la gente. ” The Edge   
 “En ese momento pensaba en Zooropa como la obra de un genio. Realmente creía que neustra disciplina pop encajaba con nuestra experimentación y que ése era nuestro Sergeant Pepper. Estaba un poco equivocado. La verdad es que nuestras disciplinas pop nos estaban defraudando. Nosotros no creábamos hits. Pero ¿qué hubiera sido de Sergeant Pepper sin canciones pop?”. Bono
“Nunca pensé en Zooropa como algo más que un interludio…pero muy bueno, como los interludios de verdad. Sin duda nuestro interludio más interesante.” The Edge

 *las declaraciones de los integrantes de la banda y de su manager, fueron tomadas de su obra autobiográfica “U2 by U2”


miércoles, 24 de julio de 2013

BJÖRK: DEBUT- 20 AÑOS DE POP ALTERNATIVO



El 5 de Julio de 1993, Debut el primer álbum en solitario de Bjork, luego de su alejamiento de los Sugarcubes, fue lanzado a través del sello One Little Indian en el Reino Unido. El disco toma elementos de la música dance, house, pop, jazz y clásica,  matizándolas con beats,  samples  e histriónicos alaridos, aullidos y tiernos susurros, además de un emergente género, el trip-hop, dando como resultado una exquisita sonoridad ecléctica contundente para los sentidos.
El pequeño sello había estimado vender un número de ejemplares basado en los seguidores de los Sugarcubes (40 mil copias), sin embargo el álbum llegó a vender 600 mil copias en tan solo tres meses.  Tal impacto, llevó al disco a colocarse rápidamente en los primeros lugares de los rankings musicales, en Reino Unido ocupó el puesto tres mientras que en EEUU alcanzó el sesenta y uno. Para el 2001  Debut  había vendido un millón de unidades en los Estados Unidos y más de 4 millones y medio a nivel mundial.   
Hoy 20 años después de su lanzamiento, Debut sigue sonando fresco e innovador, capaz de hacernos estremecer con su excepcional música y hacernos bailar y conmovernos al compás de su eclecticismo musical. A continuación unas breves líneas que pretenden recordar su concepción y darle un merecido homenaje a esta obra maestra del mundo moderno.    
ONE DAY
Primer álbum de Björk, 1977
Debut, no fue el primer álbum de Björk, la oriunda de Reykjavik, Islandia, ya de pequeña había dado signos de inconformismo musical, pues a los once años grabó un disco en solitario que tuvo  singular éxito. Luego formó parte de diversas bandas punks de espíritu vanguardistas, hasta que llegó a The Sugarcubes, pero apenas obtuvo su primer hit internacional en 1991, decidió desertar de la banda.
Björk comenzó a abrirse espacio en la escena  de clubes underground de Londres, con una cinta de grabaciones de música tradicional en la que los intérpretes ejecutaban sus composiciones infantiles, y apoyada por uno de los pioneros de la música de baile, Gragham Massey (808 State) daría rienda suelta a la exploración sónica en la búsqueda de plasmar su ideal musical.
Desde su época Sugarcube, Björk había trabajado algunos temas, los cuales grabó en un demo y se los entregó a la gente del  One Little Indian, entre las que figuraban “The Anchor Song” y “Aeroplane”. Otras canciones datan de fechas aún más antiguas, como “Human Behaviour” que fue escrita cuando era una adolescente. En cierta manera Björk tenía la mitad del álbum hecho algunos años antes de su aparición. 
De su experiencia con Massey, recogió las bases electrónicas para su obra, pero Björk deseó trabajar con un productor de jazz, conociendo a Paul Fox quien le presenta una serie de músicos que darían su aporte en diferentes temas de la islandesa, como los saxofones que se dejan escuchar en “Aeroplane” y “The Anchor Song”. Luego su novio Dominic Thrupp le presentaría a Nelle Hooper, quien había trabajado en los álbumes de  Sinéad O’Connor, Soul II Soul y Massive Attack. Con este productor congeniaría en esa búsqueda de innovadoras ideas sonoras, escribiría cinco canciones de la futura producción, y terminarían de completar la obra, a inicios de 1993.   
DEBUT (1993)
Nellee Hooper y Björk, algunos años después
"Debo haber escuchado cada una de estas canciones más de 500 veces desde que las comenzamos. Aún desde que las terminamos, pero todavía las sigo escuchando cada día. Estoy maravillado... ¡¿esto nunca se detendrá?! ¡¡Somos tan afortunados de tener la voz de Björk!!"                          Nellee Hooper.
El álbum fue para su época, una revelación musical sostenida sobre la extraordinaria voz de Björk, oscilante entre chillidos, alaridos, susurros y tiernos suspiros infantiles. Su sonido toma diferentes estilos musicales, algunos más electrónicos como el dance o el house, siendo temas como “Human Behaviour”, “Crying”, “Big Time Sensuality”, “There’s More To Life Than This” y “Violently Happy”, una muestra de ello, o  una atmosfera de música más académica, como los violines y vibráfonos de “Venus As A Boy”,  así como “One Day” y el jazz, como en las ya mencionadas “Aeroplane” y “The Anchor Song”. “Play Dead” tema grabado posteriormente y añadido en el relanzamiento del álbum, muestra la unión entre la electrónica y la música clásica, otorgándonos  una notable dosis de placentero dramatismo sónico. En ese ambiente cálido  y tierno también está el sonido de la armoniosa arpa de Corky Hale en “Like Someone In Love”.
La temática del álbum gira en torno a la preocupación que Björk muestra hacia el amor por otra persona. En “Venus As a Boy” habla acerca de la sensibilidad hacia su novio de entonces, en “Aeroplane” otra vez menciona su relación amorosa, además que la escribió mientras ella vivía en Islandia y su romeo en el Reino Unido.  
Debut tuvo cinco singles: “Human Behaviour”, “Venus As A Boy”, “Big Time Sensuality”, “Violently Happy” y “Play Dead”.  Todos alcanzarían buenas posiciones en los charts de música dance y modern rock, tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. El álbum fue muy bien aceptado por la crítica musical, otorgándole altas calificaciones en la mayoría de reseñas, NME comentaría: “un álbum que cree que la música puede ser mágica y especial”. 
En noviembre de 1993, el álbum fue reeditado en el Reino Unido, añadiéndose como bonus track el single “Play Dead”, una canción escrita para el film The Young Americans. En el 2006, se lanzó su versión más completa, un dual-disc, de Elektra/ Rhino Records, que contiene todo el álbum remasterizado y los videoclips de sus exitosos singles.     
Hay que destacar que el video de “Human Behaviour” fue nominado a uno de los premios Grammy de 1994. Mientras que en el Brit Awards de ese mismo año, Björk ganó las categorías “Best Newcomer” y “Best International Female”.  
Dvd, MTV Unplugged
El dvd Björk MTV Unplugged, es una excelente muestra, de lo placentero y ensoñador que podía resultar observar la actuación de la islandesa y sus músicos, quienes con diferentes instrumentos como el clavicordio o copas con agua, entre otros, nos muestran que eran capaces de sacar música aún  de las piedras. Escuchar la voz de Björk, se convierte en toda una experiencia, demostrándonos  con cuanta facilidad podía pasar de los graves a los agudos, de los gritos al susurro, de los aullidos y  chillidos a darle melodía a su voz, simplemente nos termina conmoviendo y cautivando con su encantadora y peculiar manera de cantar.  
Debut con el pasar de los años se convertiría en un  clásico de los noventas. En sus recuentos de finales de la mencionada década,  muchas revistas la colocarían entre los mejores álbumes de ese decenio. Björk  nos sacudió los sentidos ante su ecléctica propuesta, embargada de sensualidad sonora, aquella que nos seducía a ver al pop de una manera diferente y que nos invitaba a ir diciéndole adiós a nuestros “endiosados” ochentas, la vanguardia e innovación sonora había llegado, Björk estaba dispuesta a que su obra no sea tratada con indiferencia por sus oyentes, pues era un atinado golpe a los sentidos. En sus siguientes entregas, la islandesa nos seguiría entregando una serie de álbumes, uno más alucinante que otro, pero Debut  fue el punto de partida para caer rendido a los pies de esta adorable criatura sónica.   
 
     



martes, 16 de julio de 2013

NICK CAVE & THE BAD SEEDS: DURO TE ES DAR COCES CONTRA EL AGUIJÓN 2000-2009 (parte IV)



La primera década del nuevo milenio fue  de cambios para Nick Cave & The Bad Seeds, como el alejamiento del célebre y legendario anti guitarrista Blixa Bargeld, el retorno en la producción en las obras de Cave de Nick Launay (productor del estupendo Junkyard de Birthday Party) y una mayor participación de Warren Ellis en la creación de la música, dejando algo relegado a Mick Harvey en esa labor. Así como la ya característica traslación del sonido Bad Seed entre la tempestad y la calma. ¿Los resultados? Alumbrar el espectacular álbum doble Abattoir Blues/The Lyre Of Orpheus (2004) y cerrar otra vez la década prematuramente al igual que en los noventas, con un  interesante Dig, Lazarus, Dig!!! (2008).
Otra característica de esa época, fue el lanzamiento de lo que para muchos fans es considerado a la fecha su álbum más irregular, Nocturama (2003). En fin, en medio de tantos álbumes buenos, uno no puede ser tan exigente. Durante aquellos años, Nick establecería con Warren Ellis en paralelo el proyecto Grinderman, así como bandas sonoras para films. Si bien esta nueva década fue productiva para el crooner y sus malas semillas, pero esta vez, hay que admitir que no fueron para nada comparables al nivel superlativo de lo producido tanto en los ochentas como en los noventas.
NO MORE SHALL WE PART (2001), tras casi cuatro años de silencio, luego de su catártico The Boatman´s Call, Nick Cave  y sus secuaces inician la nueva década y milenio, con el lanzamiento de este álbum, el 2 de abril del 2001. Entregándonos un disco de canciones, en donde se aprecia el talento de los virtuosos músicos que conforman los Bad Seeds, para edificar canciones embargadas de ternura y calma, continuando por la senda trazada por su álbum antecesor, pero no de manera tan minimalista.  
El sonido del álbum evoca cierto acercamiento hacia lo etéreo y la orquestación musical, enlazado en algunos casos con el rock’n’roll como en “Oh My Lord” pero sin llegar a rockear. En el disco también se exhibe una mayor participación de Warren Ellis que en el pasado, que con su violín complementa esas atmósferas sónicas construidas por las guitarras y la percusión. Así mismo es resaltable el trabajo de Nick con el piano, dándole ternura y melancolía a la obra como en “God Is In The House”. Otros temas destacables del álbum son “As I Sat Sadly By Her Side”, la intima “Hallelujah” y la bella “Love Letter”. Un álbum para disfrutarlo para un momento de relax.
NOCTURAMA (2003), marca el regreso de Nick Launay en la producción de una obra de Cave, y el último álbum en que participó uno de los miembros fundadores de la banda, Blixa Bargeld. Como ya lo mencionamos al inicio, Launay había producido Junkyard, ¿los resultados? Un disco que dividió a sus seguidores y la crítica musical, entre quienes lo defienden o catalogan como un buen álbum de transición  y los que lo señalan como el primer y único traspié de todo el catálogo Bad Seeds. Algunos singles no fueron muy logrados como el dúo de Nick con Chris Bailey (The Saints), pues luce forzado, pero lo rescatable del retorno de Launay, es que le devolvió a la banda ciertos aires de aquella ferocidad que parecía ya perdida como en la pretenciosa y extensa “Babe, I’m On Fire” (casi 15 minutos de rabia sonora) ¿algo más para destacar? No mucho realmente.
ABATTOIR BLUES/THE LYRE OF OPHERUS(2004)
Una sabrosa mezcla de blues, góspel, jazz, psicodelia, folk, country, garage y rock’n’roll, en estridentes y esquizofrénicos ritmos, podría describir a este excelente álbum doble, uno de los mejores de la década pasada. Arrojando un resultado sorprendente, teniendo en cuenta que tras el alejamiento del guitarrista Blixa Bergald, el sonido de los  Bad Seeds, se podría haber perdido cierta dosis de suciedad, sin embargo el ingreso de Mick Harvey en exclusiva en las cuerdas eléctricas y el aporte otra vez en la producción de Nick Launay demostraron lo contrario. El ingreso del organista  James Johnston dio su cuota adicional para la consecución de ese sonido desapacible que fluye en gran parte de la obra, además de la sobresaliente entrega que realizaron los integrantes de la London Community Gospel Choir, llevando la atmósfera sónica del álbum a clímax delirantes. 
El mismo Nick Cave ofreció una descripción sobre su obra: “Hay dos álbumes. Uno se llama Abattoir Blues y el otro se llama The Lyre Of Opherus. Son discos bastante independientes. Jim Sclavunos, un baterista muy cañero, toca en todo Abattoir Blues, por lo tanto es un disco más caña. Thomas toca en The Lyre Of Orpheus, es una batería más de jazz, así que es un disco más sosegado”.
A diferencia de otros discos, Nick se llevó a Warren Ellis, Jim Sclavunos y Martin Casey  a un pequeño estudio de Paris, para componer las canciones, seis mese antes de grabarlo.  Nótese que Harvey, habitual colaborador de Nick, no participó en dicho proceso, aparentemente Cave encontraría mayor afinidad en esa tarea con Ellis. Sobre el aporte de Warren Ellis en el álbum doble, el productor Launay comentó: “Warren hizo cosas increíbles en este álbum. Algunos sonidos ni siquiera sabes lo que son. Toca el bouzuki, la mandolina, el violín…un montón de instrumentos. Durante la mezcla tuve que anotar el nombre de cada instrumento. Tenía la sección de Warren Ellis en la mesa con todos sus instrumentos.
Luego del proceso de composición de las canciones que formarían el nuevo álbum, el productor Nick Launay recuerda el entusiasmo de Cave al respecto: “Esta vez estaba muy seguro de sí mismo. Decía: ‘Estoy muy contento con la letra. Tenemos canciones muy buenas’. Dije ‘¿Cuántas quieres grabar?’ contestó: ‘Tengo unas veinte canciones’ ‘¡vaya! ¿Quieres grabarlas todas?’. ‘Me gustaría probarlo, después ya veremos’ No pensábamos sacar un doble álbum, pero eran muchas canciones. Nick y yo hablamos, y en una de esas conversaciones decidimos hacer un ensayo”. Nick  cave recuerda que el ensayar “fue un gran paso para nosotros, porque lograr que los Bad Seeds ensaye era algo muy difícil. Nos ayudó a conseguir un sonido que llevábamos tiempo buscando… Todas las canciones son muy importantes, y he trabajado mucho para conseguirlas. Las he escuchado muchas veces, y el sonido es fantástico”.
Los ambientes histriónicos que rodea el álbum fueron en muchos casos producto de la improvisación. Según Nick Cave “A menudo estábamos sentados y yo decía: ‘uno, dos, tres, cuatro’ de repente, y todo el mundo improvisaba algo”, Warren Ellis añade “nos pasamos cinco días trabajando. Cuando nos quedábamos sin ideas, decíamos: ‘¿De dónde sacamos otra?’. Empezábamos a improvisar, cada uno hacia lo suyo, y luego Nick soltaba una retahíla de palabras que duraban una eternidad. Estábamos en nuestra sala y era muy emocionante. Cuando terminamos, dijo que no podría haberlo logrado solo. Supongo que necesitaba música de fondo, algo que le permitiera usar las palabras de una forma distinta. Nunca había participado en una sesión así con él. Fue fantástico ver cómo era capaz de hilvanar palabras con esa facilidad. 
Sobre el papel que ahora le tocaba jugar al buen Mick Harvey, el productor Launay manifestó: “Lo mejor de este álbum, especialmente para Mick Harvey, es que había muchas cosas en las que antes habrá tenido que ocuparse…ahora, yo me encargó de ellas. Eso le dio más libertad musical para tocar la guitarra. Creo que su interpretación en este álbum es magnífica. Lo mencionó un par de veces. Dijo que disfrutó tocando”.
Antes de la salida del álbum doble, Nick Cave comentó sobre sus canciones: “…sé que no les gustará a todos, sé que no son temas para todos, y que  a veces necesitas tener un buen estómago para escuchar algunos de los temas, pero mis canciones me encantan, o nuestras canciones, y son temas periféricos, a remolque de otras canciones. Están en la parte trasera del autobús, apiñadas en la parte trasera, burlándose…fumando y burlándose de las demás canciones”.
Entre los canciones más destacables de Abattoir Blues están, el espectacular arranque, con la vertiginosa marcha llamada “Get Ready For Love” en donde Sclavunos parece que va a reventar su batería, Mick hace sonar su guitarra de manera corrosiva  y ruidosa, y tanto Nick como el coro  estallan sus voces contra nuestros tímpanos, dándonos un efectivo impacto sonoro a nuestros sentidos. “Hiding All Away” con su infernal guitarra y las coristas conduciéndonos a una especie de éxtasis religioso que culmina en un fenomenal estallido sónico. “Messiah Ward” es una balada celestial que podría haber encajado en el otro álbum, pero nos da espacio para tomarnos un gratificante respiro sonoro con sus delicadas melodías, pues “There She Goes, My Beatiful World” otra vez nos conducen a delirantes parajes, sobre todo por el acelerado ritmo que lleva el piano y nuevamente las estridentes voces de Nick y el coro, en donde uno no puede dejar de sacudir la cabeza ni las mano, al dejarse llevar por su seductor y acelerado ritmo, la convencional y hasta accesible “Nature Boy”, pero que posee un ritmo tierno y pegajoso, es otro tema rescatable y por último la pieza de cierre, “Fable Of The Brown Ape”es una melodía lánguida que acompaña al relato Cave y que es interrumpida por sorprendentes  ráfagas de estridentes guitarras y voces del coro, un verdadero dulce psicótico.
Menos estridente pero no por ello perturbador, es The Lyre Of Orpheus que se inicia con la lúgubre  y pausada “The Lyre Of Orpheus”, irrumpida por las distorsiones de la guitarra de Harvey, esos “O mama”, de Nick con el coro, se convierten en un apetitoso manjar. Prosigue el sonido hermoso producido por la flauta de Ellis para introducirnos a los sonidos de rasgueos de guitarra acústica en “Breathless”, por las sendas de la belleza transita “Babe, You Turn Me On” que nos llevará a la atmosfera densa y melancólica de “Easy Money” que será sacudido por “Supernaturally”, una canción que rompe los esquemas y las estructuras de este pausado álbum, pero ello no importa, es un gran tema que tranquilamente pudo estar en Abattor Blues, con sus galopantes ascensos de guitarra, piano, violín y un Nick con los Bad Seeds realizando un genial y épico juego de voces, la melancólica “Carry Me” nos hace trasladarnos por oníricos parajes creados por el violín de Ellis, la acústica y las voces de Nick y el coro. Finalmente la fantástica sonoridad etérea de “O Children” pone el broche de oro para este meditabundo y nostálgico álbum.
¿Cuál es el mejor de los dos álbumes? Si lo que buscas es el delirio agresivo, Abattoir Blues se lleva las palmas, pero si lo que deseas es un rato para estar en tu cama mirando al techo y reflexionar sobre tu existencia, lógicamente The Lyre Of Orpheus te encantará. Ambos logran una extraordinaria obra, de aquellas que parecían que Nick y sus malas semillas, ya nos habían condenado a no recibirlas. Entre lo mejor de la década pasada. Nick & The Bad Seeds demostraban que a sus cuarentena de años promedio, la edad no les marchitaría su calidad musical.     
DIG, LAZARUS DIG!!! (2008)        
Cuatro años atrás, durante el proceso de grabación del anterior álbum, Warren Ellis había dicho que para el creador de arte, uno de sus grandes temores es caer en la repetición. Tanto Nick como los Bad Seeds han hecho de esta reflexión su bastión, cada producción que realizó durante esta década se caracterizó precisamente por ser diferente una de la otra. Dig, Lazarus Dig!!! Es el acercamiento sonoro hacia el “garage rock”, lo etéreo, ambient, el noise y aún la electrónica, pues el álbum está plagado de loops y cajas de ritmo en la mayoría de sus canciones.
El giro hacia sonidos más vertiginosos quizás se deba a la influencia recogida por Nick y algunos de los Bad Seds tras su participación en su proyecto paralelo, denominado Grinderman, y esa simpatía hacia sonidos atmosféricos, a la incursión de Cave y Ellis en la elaboración de música para un par de films. Todo esto contribuyó positivamente en la creación de este más que interesante álbum. Como en cada disco de la banda, las letras de Nick Cave asumen el rol protagónico, y en esta ocasión aún más, al presentarnos “kilométricos” textos para cada una de sus canciones, y que al entonarlas, Nick parece más narrador que cantante, el booklet que acompaña a la edición original del álbum está comprendido por casi 50 páginas de texto, sin imagen alguna (¡!). La producción nuevamente estuvo a cargo del viejo conocido de Cave, Nick Launay
“Dig, Lazarus, Dig” es la pieza que da nombre e inicia el álbum, con una pegajosa distorsión de guitarra y golpes de batería, y Nick relatándonos la historia de un “Lázaro moderno”, llamado Larry, quién está escarbando en las profundidades del infierno mundano su propia tumba, ese corito que entonan los Bad Seeds, (“dig Yourself, LAZARUS!!!/DIG YOURSELF, LAZARUS!!!!!/dig Yourself, LAZARUS!!!/”) Suena realmente genial. Un excelente punteo de bajo, a lo Birthday Party, abre “Today’s Lesson” en donde transitarán sonidos de órgano, acústica y eléctricas guitarras, y artilugios electrónicos. Sonidos etéreos y ambientales nos introduce a “Night Of The Lotus Easters”, pieza que se caracteriza por su repetitivo y adictivo bajo, que sirve para que a lo largo del tema, transcurran sonidos siniestros creando una ambientación de suburbio nocturno. Las guitarras noises de “Albert Goes West” crujen con rabia, para terminar sirviendo de fondo musical para un pegajoso “Sha La La” entonado por la hermandad Bad Seeds. “We Call Upon The Author” es otro excelente tema, donde el bajo y la batería marcan el territorio sonoro, acompañado por un psicodélico órgano, e irrumpido por loops y cajas de ritmo, otro gran momento exquisito en texturas sónicas que luce este álbum.   
Los violines de Ellis, con la acústica de Harvey, el esquisto bajo de Casey y los tenues sonidos de órgano en “Hold On To Yourself”, nos entregan un ambiente sonoro de ensueño, delicioso, confortable, sin duda uno de los episodios más bellos del disco, además del triste canto de Cave, alcanzando casi niveles de soundtrack de película dramática.  Psicodélica y rocanrolera luce la melodiosa “Lie Down Here (And Be My Girl)” que abrirá paso otra vez a la desesperanza, para la sombría “Jesus Of The Moon”. En “Midgnight Man”, otra vez órgano, loops y bajo nos entregan delirantes atmósferas psicodélicas. La piedra de coronación para este disco, la coloca la magnífica “More News From Nowhere”, en donde nuevamente la viola de Ellis y sus loops crean un fondo musical etéreo y alucinante, para que delicadas cuerdas de guitarra y bajo nos acaricien el oído y Cave nos relate su historia.  

Una vez terminado el álbum, el tecladista James Johnston dejaría los Bad Seeds. La banda se embarcaría en una gira por Europa y Norteamérica. En enero del 2009, Nick Cave & The Bad Seeds participaron  en la primera edición del festival australiano All Tomorrow’s Parties. Después de terminar el mencionado festival, el 22 de enero, el legendario Mick Harvey anuncia su alejamiento de la banda por  una “variedad de razones personales y profesionales”, ¿se sintió relegado por Ellis en la creación de los últimos álbumes de los Bad Seeds?. Comentando sobre la época del Boatman’s Call, Harvey manifestó que “…había gente que debía retirarse y no sabían cómo ser reservados en su enfoque y ser muy selectivos con cuándo tocar y cuándo no…”, pasados un poco más de 10 años, tanto Blixa como él, fueron los que finalmente se retiraron de los Bad Seeds, dejándolos sin ninguno de sus miembros fundadores. El guitarrista Ed Kupper, de las bandas australianas The Saints y Laughing Clows reemplazaría a Harvey en la guitarra, para completar el resto de los shows pactados. Nick Cave publicaría su segunda novela The Death Of Bunny Munro  y Mute Records iniciaría el lanzamiento de las reediciones remasterizadas y video documentales de los álbumes de la banda, concluyendo así la década para el crooner infernal y sus malas semillas, dejando como aporte, sus dos últimos álbumes como valiosos aportes para la historia del rock contemporáneo. Tendría que pasar cuatro años más para que Nick Cave & The Bad Seeds nos entreguen una nueva obra.
VIDEOGRAFÍA 2000
GOD IS IN THE HOUSE (2003), filmación del concierto realizado el 8 de junio del 2001 en Lyon, Francia, perteneciente a la gira del álbum “No more Shall We Part”, destacando la ejecución de temas como “Do You Love Me?”, “Red Right Hand”, “As I Sat Sadly By Her Side”, “Papa Won´t Leave You, Henry”, “Saint Huck” y “The Curse Of Millhaven”. También figuran en el setlist, éxitos como “The Weeping Song” y  “The Mercy Seat” pero en versiones no muy logradas.
El dvd trae como extras un documental sobre las sesiones de grabación del mencionado álbum y los videos promocionales de las canciones “As I Sat Sadly By Her”, “Fifteen Feet Of Pure White Snow” y “Love Letter”.
THE ABATTOIR BLUES TOUR (2007),  espectacular concierto en un juego de dos dvds. El primero de ellos contiene el concierto celebrado el 11 de Noviembre del 2004 en el Brixton Academy de Londres, como parte de su gira de su extraordinario álbum doble, en donde se aprecia una gran performance los Bad Seeds, así como los coristas que acompañan a la banda, para replicar en vivo las sensaciones que emanan del  Abattoir Blues/The Lyre Of Orpheus, lográndolo en gran escala. “Hiding All Away”, “Supernaturally”, “Get Ready For Love”, “There She Goes, My Beautiful World” y “Stagger Lee” son los momentos cumbres de la presentación de Nick, su banda y el coro. El Segundo disco, contiene una presentación en el Hammersith Apollo de Londres del 7 de junio del 2003, como parte de la gira de promoción de Nocturama, destacando “Nobody’s Baby Now”, “Sad Waters” y la Birthday Party, “Wild World”. Como extras figuran los videos de “Bring It On”, con su respectivo “making of”, “Babe, I’m On Fire”, “Nature Boy”, “Breathless”, “Get Ready For Love”, y el documental sobre el proceso de grabación del álbum doble. Un dvd que no debe faltar en la colección del seguidor de la banda.