viernes, 17 de noviembre de 2017

SONIDOS POST-INDUSTRIALES DESDE BARCELONA

Desde Barcelona, Silvia Konstance, una activista del ruido underground, a través de su sello especializado en los sonidos post-industriales, Màgia Roja, nos comparte dos de sus últimos lanzamientos, y aquí los reseñamos.  
PASO EN EL VACÍO
FUTURO DE HIERRO
Màgia Roja, Opal Tapes
(2017)
Futuro de Hierro es el proyecto solista del músico, productor, promotor y creador del sello, Viktor L. Cruz, quien también ha sido colaborador de Jochen Arbeit (Einstürzende Neubauten) y de Nurse With Wound, entre otros. En este disco, su segundo álbum, nos expulsa sin piedad, certeras descargas de “electroshock” industrial y ruidismo, junto a sus desaforados gritos, sacándonos de este mundo, para introducirnos a uno gobernado por la angustia y la sordidez.
Y es que las corrosivas, brutales y transgresoras ambientaciones de Cruz, resultan adictivas, pues nos evocan al minimalismo de los Neubaten, al caos sonoro de Throbbing Gristle y los parajes infernales de los primeros Swans.  Justamente “No et pots fer enrere”, pieza que abre el disco, presenta a todas luces aquellas influencias: ruidismo, sonidos del inframundo, así como macizas descargas sintéticas, al más crudo Nitzer Ebb; para luego sucederse una pugna entre lo maquinal y la intensidad vocal.  
Más contundencia sonora dispuesta a sacudirnos el cerebro, se combinan con las densas y procesadas voces de Cruz, en “A veces somos uno”, generando desconcierto y zozobra, interviniendo ruidos que alcanzan niveles siderales. Su machacante ritmo proseguirá, para triturarnos los sentidos y terminar por entregarnos a su adictivo “loop”, por donde transitarán más interferencias y caóticos sonidos.
La misteriosa (y extensa) “Paso en el vacío”, cuyas ambientaciones inhóspitas y oscuras, ¿acaso intentando sonorizar el vacío?, conciben el corte más minimalista de la obra, donde Cruz menciona una y otra vez el título de la pieza, aumentándole angustia en su entonación conforme avanzan los minutos, interviniendo nuevamente una marea de interferencias y sonidos magnéticos, llegando sobre su final gritos más aterradores, que nos incitan a cumplir lo dicho porque es “un acto de fe”, donde no nos queda claro, si su propósito es cuestionar la “fe ciega” o mostrar disposición hacia algún deseo esotérico.
Finalmente, más densa se perfila “No Hay Final”, ambientando sensaciones claustrofóbicas, viéndonos acosados por sus “loops” y amargas voces a lo Jean-Luc De Meyer (Front 242), colocando un tenso final para un sombrío trabajo.



ZOZOBRA
Màgia Roja
(2017)
Este disco (sin título), dirigido por Antonio Gonzáles, Zozobra, persigue a través de su obra iconoclasta, plasmar diversos ambientes relacionados a este sentimiento, extrapolando con sonoridades abstraídas de su entorno. Por ejemplo, en “Intro”, donde samplea su propia voz (o la de alguien) para recrear ambientaciones inquietantes.
En “Refugiense”, justamente trata de ambientar sensaciones de amenaza, como si estuviéramos próximos a una catástrofe. Luego los resonantes beats de “Tu cuerpo”, lucen como sólido asfalto para que transiten sus voces mefistofélicas, creando una ambientación tétrica. Prosigue, “Soy un hombre”, donde el músico manipula el sonido para recrear parajes lúgubres. Mientras que un desfile de sonoridades enigmáticas, sirven como fondo para que se replique la palabra que da título a la pieza, “verdad”, para luego irla modificando para llevarla hacia latitudes lunáticas, en medio de capas de feedback.  
El álbum, concluye con los inconexos ruidos, voces fantasmales y enajenadas ambientaciones de “Sal de Allí”, y la atronadora “Fallé”, cuya instrumentación ruidista alcanza rasgos dramáticos, para luego diluirse en sonoridades perturbadoras, voces ininteligibles, y parajes pesadillescos. 
Zozobra, concibe un viaje hacia la locura, pero a partir de abordar temas comunes como el amor y la identidad, pero exhibiendo su lado más incómodo. 

jueves, 16 de noviembre de 2017

PIPE VILLARÁN:MALA INFLUENCIA, ROCKEANDO CON FERVOR. Reseña

MALA INFLUENCIA
PIPE VILLARÁN
A Tutiplén Records
(2017)
Las distorsiones y ramalazos guitarreros iniciales que desatan el estallido rocanrolero con el que Pipe Villarán abre su segunda entrega solista, el single “Cruel”, es una clara intención del músico por salir de la atmósfera introspectiva que rodeó su anterior trabajo, para trasladarse a otra atmosfera más rockera y festiva, sin dejar de lado a la psicodelia y sonoridades “hippies” como aliadas. En “Mala Influencia”, no hay espacio para lo bucólico ni agreste, sino para ambientaciones más coloridas y eufóricas.
Este nuevo álbum, ha sido producido Kieran Kelly en sociedad con Rafael de la Lama, la misma dupla de “Cosmos” (2014). Grabado entre Nueva York y Lima durante 2016 y 2017, el disco contó con la participación de Marcos Maizel (Uchpa) en solos de guitarra, Iván Mindreau y Kieran Kelly en la batería, Joni Chiappe en los teclados, Gonzalo Polar en el saxo, Cleia Luna y Daniela Ghersi en los coros, Luis de la Lama en el bajo y Rafael de la Lama en la guitarra acústica.
Sigamos con el álbum. Luego que las incendiarias guitarras de “Cruel” se extinguen, surgen las embelesadoras melodías y coros de “Hijos de la Revolución”, más rock explosivo, concluyendo con unos estridentes arreglos de cuerdas. Pero cuando parecíamos alejados de la influencia Beatles, que asomaba en gran parte de “Cosmos”, irrumpe “Superstar”, pero los guitarrazos psicodélicos de “Medicina”, nos vuelve a esa atmósfera delirante y desenfrenada con la que arrancó el disco. Mientras que “Stone”, evoca diversos pasajes “dance-gospel-rock” del Scremadelica de los Primal Scream, coronado su éxtasis sonoro, sus delirantes solos de saxo.
Luego de un pausado preludio, los acelerados riffs “vaqueros” y bluseros de “Cae La Tarde”, construyen una entusiasta ambientación, donde emergen también exquisitos punteos y solos de la guitarra. Una reposada ambientación, cuyos rasgos lucen cercanos al pop ensoñador, persiste con “Parece Que He Encontrado Algo”, destacando sus sólidas armonías, terminando con sonoridades atmosféricas.
Para el trayecto final, en la nostálgica “Deja Vu”, Pipe nos lleva por parajes reflexivos luego de tanta bohemia sonora. Cierra “Superstar” (reprise)”, cuyos teclados inconexos y líneas de guitarra, de a pocos irán construyendo una hipnótica melodía, impulsada por un lúdico y sideral ¿moog?, que la vuelve adictiva, sumándose a ello, las guitarras de Pipe, con arreglos que, recrean un ambiente triunfal como colofón del disco. 
Pipe Villarán en esta segunda entrega solista, ha pasado de la psicodelia introspectiva a la extrovertida, sobresaliendo la espontaneidad exhibida por su guitarra, y ese contagioso entusiasmo por rockear en esta ocasión, el mismo que ha logrado una serie de piezas que nos embarga de frenesí.  

lunes, 13 de noviembre de 2017

R ✞ E ✞M: LA ENAJENACIÓN SONORA DE POUNDA & NOMODICO

R E M
POUNDA & NOMODICO
(2017)
La reinvención, experimentación e innovación sonora, ha sido una constante en la trayectoria de Pounda & NoModico, y su nueva producción, REM se convierte en una cachetada hacia los “puristas”, pues el dúo se enreda con lo que le venga en gana, sin límites, ni parámetros, desde el trap, pasando el industrial, hasta llegar al synth-wave. Sin duda estamos ante su obra más experimental; es más sus actos en vivo, con banda incluida, son muestra de las inquietudes sónica de los raperos por salirse del molde.
Desde el saque, el dúo, quienes se han encargado de toda la producción y ejecución musical, solo acompañados por “DJ Prax” en los “stratches”, nos capturan con las sonoridades espirituosas y chamanísticas de “Espíritus”, escuchándose samples de rasgos tribales y amazónicos. Prosigue los sintetizadores enigmáticos de “Corona”, acompañados por el áspero rapeo de NoModico. Luego, unos golpes de synth, haciéndoles guiños al industrial, inician “Que Arda Todo”, nuevamente con los gruesos fraseos de NoModico, ahora alternándose con las de Pounda, sucediéndose ambientaciones etéreas y flotantes.
La intrigante sonoridad electrónica de “Hadas y unicornios”, con sus susurrantes rapeos, luce liricas que buscan desenmascarar las mentiras que nos rodea el mundo real. Sigue, la adictiva guitarra sampleada de “Kintsugi”, realmente suena gloriosa, por ratos evocando sonidos orientales y por otros metaleros, pero en verdad inspirada en los cantos gregorianos, según nos contó Pounda; luego se alternan voces lunáticas, parajes surrealistas, enajenados y lóbregos, acompañados por los furiosos rapeos del dúo, psicodélicos breaks, además de fantasmales voces y cajas de ritmos. Una perfecta alucinación el tema.
NoModico, DJ Prax & Pounda
Y si hasta aquí pensamos que habíamos llegado al “pico” del álbum, pues estábamos equivocados, pues el sugestivo collage de sampleos televisivos que presenta “Sobrevivientes 80s”, es una visitación retrospectiva hacia aquella época embargada por el terrorismo e ineptitud política, ambientados por oscuros sintetizadores y sonoridades new wave, recreando oportunamente aquella densa atmósfera ochentera, que nos tocó vivir a muchos.
El revoloteo discotequero e industrial de la frenética “Euflowria”, resulta estupenda, cuyos rabiosos rapeos coronan la dancística pieza. Otra pieza rescatable del disco. El rollo sociopolítico e existencialista de “Lomo Plateado”, luce como el manifiesto de los músicos, sobre qué significa hacer música para ellos, teniendo como fondo, una ambientación sonora de tenso “trap”. Mientras que “M15”, inspirada en Mateo 15, es más, donde se repite una y otra vez el pasaje bíblico “No es lo que entra en la boca lo que contamina al hombre; sino lo que sale de la boca”, aborda el problema de la bulimia y los desórdenes alimenticios, influenciados por los estereotipos, mensaje que fluye sobre teclados misteriosos y espectrales percusiones.  
La vertiginosa y agresiva “Bounce”, con sus enigmáticas líneas de sintetizadores, resulta adictiva, incluso sus robóticas voces finales. Concluye, “Portal Subconsciente”, donde se escuchan una serie de audios de entendidos en el tema, tratando de explicar sobre la interpretación de los sueños, desplazándose los mismos, sobre la base de industriales percusiones, sirviendo como correcto epilogo de esta surreal obra. 
Pounda & NoModico han logrado, un trabajo de dimensiones oníricos, en su esfuerzo por plasmas el proceso y las connotaciones relacionadas el REM, pero también colocando ante nuestra vista los problemas que observamos en la vida real, y que terminan siendo muchas veces más reales y extraños que nuestros propios sueños. El dúo anuncia la salida del álbum en físico para inicios del próximo año, en una atractiva edición de disco doble, con “features” incluidos. Habrá que esperar.    

sábado, 11 de noviembre de 2017

21-EL OTRO INFINITO. Reseña

21
EL OTRO INFINITO
CHIP MUSIK
(2017)
Se está volviendo una sana costumbre en la actividad musical de Alfonso Noriega, A.K.A El Otro Infinito, lanzar un promedio de dos discos por año, dejando registradas, nos imaginamos a este ritmo de trabajo, todas sus epifanías sonoras.  En 21, el músico mira hacia el ambient music para combinarlo con sus consabidos sonidos misteriosos y transnochadores de rasgos IDM, y entregarnos seis piezas de buena factura.
El disco arranca con los sintetizadores expulsando sonoridades enigmáticas a manera de preludio, dando pase a la ebullición electrónica de “HánAnke!!!”, donde espontáneos y cristalinos sonidos electro adornan la pista. En la minimal “Hypnia”, somos hipnotizados por sus palpitantes loops, además de líneas de synth que se van alternando, entre rasgos densos y tensos, por momentos recreando ambientaciones de suspenso.   
“Moloch”, composición que contó con la participación de Ionaxs, ¿acaso una referencia al dios cananeo?, posee justamente esa característica de transportarnos por terrenos esotéricos, donde van sucediéndose distorsiones atmosféricas que luego van desvaneciéndose para que solo una espectral caja de ritmo concluya la pieza. Más sonidos alterados, suponemos que de guitarras sampleadas, se enlazan con sintetizadores fantasmales y envolventes percusiones, para dibujarnos desérticos parajes en “Los dioses de arena”, toda esa marcha se diluirá para que por algunos instantes nuestros sentidos sean guiados solo por un lánguido synth y un marcial bucle, retornando posteriormente los arcanos teclados.   
Finalmente, la IDM, “Ananké”, personaje femenino de la mitología griega que encarna al destino, presenta una secuencia cíclica, impulsadas por oscilantes sintetizadores en modo “piano”, allanando el terreno para que se sucedan ligeras sonoridades cibernéticas. Mientras que la vaporosa “Trakl” con sus estallidos “ambient”, soplando sobre una ligera marea electrónica, pondrá punto final a la obra.    
En este EP, Noriega sigue demostrando ese interés por lo enigmático, como base para iniciar su exploración sónica; simpatía que se observa no solo reflejada en su música, sino en la titulación de sus temas, involucradas con ese rasgo de las antiguas culturas. Otro feliz ensayo de El Otro Infinito.  

martes, 7 de noviembre de 2017

MENTE & LOS MANUSCRITOS: ENTRE LOS ALIAS Y EL RUIDO-Reseña

UNA DE TUS VIDAS PRESTADAS
MENTE & LOS MANUSCRITOS
(2017)
Los alias, álter egos, “A.K.A.” o seudónimos son parte de la cultura rock, y la escena arequipeña no ha sido esquiva a este detalle, es así que Herber Paredes (Hombre del Espacio), asume una nueva identidad para presentarnos otro proyecto solista, paralelo a Vida En Marte, Mente & Los Manuscritos. Desde hace un tiempo el músico se hace llamar Mente Paredes, y para este nuevo acto sonoro, actúa bajo el nombre de Raúl Armas y su banda ficticia, siendo el compositor de la obra y ejecutor de la mayoría de instrumentos que la musicaliza.   
Paredes, ya había lanzado en septiembre de este año, un single EP, “Nietos Cósmicos”, como Vida En Marte (no te has mareado con tanto “alias” del músico, ¿no?) previo a este disco que, a decir de su autor, sirve como material de transición, para lo que vendrá en sus próximas apariciones discográficas como Vida En Marte. Aunque la estética lo-fi, precariedad sonora (para grabar, no sabemos si adrede o escases de recursos) y ese ruidismo electroacústico, tan característico en su música, permanece inalterable.  
La acústica rustica de “La Muerte de los Suburbios”, cuyo audio pareciera grabado directo a una radiograbadora, abre el disco, seguido por las guitarras “indies” de “Múltiples Paraísos”. Los reverberantes punteos de “Juguetes en Exposición”, crean una lúgubre ambientación, en medio de amargas liricas. Mientras que toscos riffs se alternan con agudas saturaciones en “Día 12”.
La ruidosa dinámica de “Ciudades del Futuro”, acelera el ritmo del disco, enlazándose con estrepitoso ruidismo y diluyéndose para dar paso a la reflexiva “Premio al Primero que se Autodestruya”, cantada casi sin compañía musical, más que de golpes secos de un objeto que solo Paredes sabrá qué es.  Continua la lánguida “Mantente despierto Antes del Rapto”. También hay otras piezas inconexas como “Construyendo Caminos”, que recién sobre su final adquiere forma. En la instrumental “Una banda llamada Moon”, las influencias Sonic Youth de Paredes saltan a la vista, el ruido empoderado por acoples, feedbacks, distorsiones y todo aquello que resulte ensordecedor, se unen en el efectivo cierre “Universo, Mente de Inspiración”. 
Mente Paredes, Raúl Armas para la ocasión, a través de sus diez piezas de corta duración, nos sigue mostrando esa pasión por la experimentación con el ruido, combinando cuerdas acústicas con otras corrosivas, si bien no todos sus intentos y ensayos concluyen de la manera más óptima (pues algunos son de data antigua), sí nos manifiesta la intensidad del músico con explorar con el sonido y perseverar por la senda del DIY, y como nos manifestó, este trabajo es producto de sus ganas por simplemente divertirse.     

jueves, 2 de noviembre de 2017

YUME STATION - MINIMALISMO DESDE LA INTIMIDAD MÓVIL

BROKE MY BASS
YUME STATION
Chip Musik
(2017)
La primera vez que vi a Karen Huacasi, fue disfrazada de monja junto a sus compañeros de banda, en la Feria del Libro de 2014, pues era un hábito del grupo alternar su indumentaria para cada presentación, en otra ocasión, salió con un aspa (hecha con esparadrapo) sobre su boca, pero con lo que estuviere cubierta, siempre se ha dado maña para lucir enigmática y misteriosa, irradiando un aura inquietante a pesar de su sencillez y timidez.  
El generoso compilatorio Lego 10 -Evas, a cargo de la gente de Chip Musik, nos presentó a Karen como Yume Station, la nueva identidad sonora, de la ex bajista de los arequipeños Ruidósfera, donde se deshace de su clásico instrumento para entregarse a la parafernalia electrónica y construir sonoridades minimalistas e indescifrables, pero desde la intimidad de su equipo móvil. Ella señala que su proyecto es de “carácter íntimo y autobiográfico”, sustentado en la dualidad del dolor y la inocencia, constituyéndose sus temas “Hole” y “Under” en claro ejemplo de ello.
Su primer trabajo, Broke My Bass es una obra atractiva, radicada en su simpleza, inspirada en las ansias de experimentar con las diversas posibilidades que ofrecen los sonidos y ruidos tan elementales que se dejan escuchar en sus diez minutos de duración a través de sus siete misteriosas (y en algunos casos, dramáticas) piezas, comenzando con la brevísima, “Plug 28”, cuyos peculiares sonidos, cuál látigo que se contrae, emprende la senda enigmática que rodea esta producción. Luego los sutiles pero resonantes (y algo saturados) teclados de “Hole”, acompañados por finísimos beats, logran hipnotizarnos. La misma base rítmica prosigue como pista para la inescrutable “Under”, cuyos recónditos sonidos son manejados de manera improvisada y aleatoriamente, cuasi antítesis de la anterior.
Casi sin cesar se aproxima “Faulty”, con sus sinuosos y replicantes sonidos, apoderándose de tu cerebro, merced a su cautivante instrumentación de rasgos orientales (por encontrarle una explicación), donde Karen, experimenta, juega y hace lo que le viene en gana con estos, pero paradójicamente respetando una estructura sónica. En “Arrived Son”, juega con unas escuetas líneas de teclados pero que resultan agradables, agregándoles ligerísimas percusiones. Un intento algo más convencional se viene con “Red Flap”, a pesar de su alterada línea de synth. Finalmente, los “desérticos” teclados de “Throwback”, evoca cierta ambientación ufológica. 
Breve, pero contundente manifiesto experimental de la arequipeña, cuyas lúdicas sonoridades son capaces de ambientar parajes dramáticos como reflexivos, pese a su riguroso minimalismo.    

lunes, 23 de octubre de 2017

Katalaxia/grita lobos - reseña

KATALAXIA
grita lobos
A Tutiplén Records
(2017)
Personalmente desconozco los efectos “redentores” y “purificadores” de la ayahuasca, pero sí los de la música, ante el tedio y la rutina, su poder catártico y cómo paradójicamente este arte “banal”, para algunos, logra liberarnos de lo mundano y unirnos como comunidad, ya sea en un concierto, en una pista de baile o en la soledad de nuestras habitaciones. Y hago todo este preámbulo, a raíz del nuevo trabajo del proyecto (en modo incógnito) grita lobos, Katalaxia, un disco conceptual que gira en torno a “un viaje que empieza como una huida de la ciudad y las corporaciones, para entrar a un estado de conciencia modificada” por el brebaje amazónico.
La palabra deriva del griego “katallasso”, que significa también «admitir en la comunidad» y «pasar de enemigo a amigo», y es una “teoría sobre los intercambios en un orden espontáneo, sin objetivos comunes ni plani­ficados entre las personas”; cuyas siete piezas testifican de esa naturalidad, anunciada como “luminosa, enérgica y expansiva”. Sin embargo, considero que se trata de un material todavía más enigmático que su predecesor.
Esta segunda entrega del productor misterioso, es un trabajo que requiere una atenta audición para su interpretación, que va desde sonoridades, llamémosle, convencionales de la electrónica para mutar a otras más abstractas, representando la concepción ya descrita. Desde el saque, los beats y teclados ascendentes, acompañados por la sombría voz de Santiago Pillado (El Hombre Misterioso), nos arrastran hacia una vorágine electrónica, con el hibrido “interzone inc. pt.II”, envolviéndonos con sus ambientes trance, house, dark-wave y por instantes luciendo punteos Depeche Mode  era “Playing The Angel”, así como misteriosos ¿aullidos? (¿de lobo?).
A los oscilantes ruidos electro y correcta base rítmica de “curiosity”, la ascendente guitarra de Efrén Castillo (Liquilardo Celuloide/Moldes), le otorga dimensiones siderales, así como logrando una perfecta ambientación de club nocturno, donde gobierna el hedonismo. Hasta aquí hemos estado en la ciudad, pues con “dimetrilptamina”, pieza que sirve de eslabón para comprender la obra, empieza el recorrido por los senderos psicóticos y alucinógenos, y es que el tema hace referencia al “principal compuesto químico del brebaje, generando una experiencia que sana el cuerpo, ilumina la mente e integra a las personas en comunidad”, resultando musicalmente hipnótica sus machacantes caja de ritmos, loops, espaciales synths y sus sutiles guitarras New Order, logrando sensaciones psicodélicas.
La parte más experimental y abstracta del disco se exhibe con la indeterminada “la soga de los espíritus”, sucediéndose una serie de sonidos magnéticos y “extraídos” del cosmos, intentando sonorizar ese poder de la planta para conducir a “los límites de la vida…el medio para unir el mundo de los vivos y los muertos”, yuxtaponiéndose sobre su final los filosos feedbacks que ejecuta el guitarrista Efrén Castillo. Luego las coquetas pulsaciones computarizadas de “karampi” (nombre ashánika para la ayahuasca) son un prefacio para el variopinto desfile de sonidos robóticos que irán transitando, en medio de una atmósfera misteriosa nuevamente asociada con las cuerdas de Castillo, hasta que sorpresivamente la pieza se “desenchufa”.
La volátil voz de Katia De La Cruz, llena el espacio y predomina sobre las capas frenéticas, discotequeras y psicodélicas en la delirante “the far east”, cuya ambientación dancística parece interminable, pero justo allí, asoma una etérea percusión étnica, volviendo más adictiva la pieza, hasta que unos sonidos resonantes marcan su fin. 
Concluye esta expedición espirituosa y redentora, que la música también es capaz de lograr, con la vertiginosa “katallaso”, pieza que va adquiriendo rasgos enigmáticos, gracias a sus lóbregos beats (¿Depeche Mode etapa “A Broken Frame”?) hasta convergir en una maraña de sonidos caóticos y ensordecedores, anunciándonos el final de nuestra catarsis y el retorno a la monotonía de la vida real. Un disco surrealista e ideal para dar rienda suelta a nuestras placenteras utopías.