martes, 16 de enero de 2018

ENTREVISTA CON LA LÁ

“Creo que los políticos que venden al país, son los que se indignan cuando se propone una reforma educativa” 

                                                                                               La Lá



Foto: Romina Hera
La gran triunfadora del 2017 fue sin duda, La Lá, identidad artística usada por la cantautora Giovanna Núñez, para conquistarnos con su bella voz, hermosas melodías y comprometidas composiciones, donde aflora toda su sapiencia y astucia para abordar con sarcasmo, humor y audacia, delicados temas sociales como el machismo y el abuso contra la mujer. En especial con su último álbum, aclamado no solo por la crítica nacional, sino latinoamericana, y que gozará de su momento cumbre, el próximo jueves 8 de marzo, en su primera presentación en el Teatro Municipal de Lima.
Conversamos con la artista, sobre su corta, pero hasta ahora impecable trayectoria, además de sus ideales y paso por Arequipa. 

TM: ¿Cómo nació tu deseo de ser cantautora?

La Lá: Yo no desee ser cantautora, sino que empecé a componer y me enamoré de la música, eso fue lo que pasó.   

¿Cómo ha sido ese paso de ser la integrante, de una banda de jazz, a convertirte en la protagonista principal del “espectáculo”?  ¿Cómo has asumido los elogios recibidos por tus obras, en especial por tu último disco?

Bueno, lo del jazz fue un momento pasajero de mi vida, casi anecdótico, entre los 18 y 20 años, ahora tengo 35. Luego, estuve estudiando otras cosas, como Filosofía, y después apareció el proyecto solista, La Lá.
Me parece que hacer música, para mí, todavía es algo sorprendente; y que sea bien recibida y considerada, también lo es.  

¿Cuáles fueron tus influencias para tu segundo álbum, que a nuestro gusto fue el mejor de este año?

Desde niña, fui muy influenciada por el jazz, la bossa nova, la música melódica de los setentas y ochentas. En general he escuchado mucha música en mi niñez, que creo me siguen influenciando. No soy mucho de renovarme y es como si algo muy antiguo, lo que me inspira a producir música. 

Foto: Ángela Ponce
¿Qué diferencias existen, tanto musical como líricamente entre tus dos álbumes?

Creo que antes de una diferencia musical y lírica, existe en el modo de producción. El primer álbum fue una recopilación de canciones que hice durante varios años, incluso sin la expectativa de hacer un disco. En cambio, el segundo fue hecho porque había cierta presión de producirlo, pues ya habían pasado tres años. Entonces yo compuse los temas con espontaneidad, pero también tomando conciencia que había un álbum en camino, y eso sí marcó las cosas de manera diferente.   
Las canciones de Rosa, las canté mucho antes de grabarlas, y las de este álbum, no. Yo prefiero tocar mucho algo, antes de grabarlo, habiendo probado ligeramente ambos casos, pero todavía me falta mucha experiencia, para decir cuál disfruté más, pues con dos discos, creo que todavía mi recorrido ha sido corto.   

¿Por qué eres alérgica al término “femenino”?

Soy “alérgica” al uso de frases como “poesía femenina” o “rock femenino”, porque siento como si el rock fuera una cosa, pero el “rock femenino”, un apartado. Y creo que, en cuestiones musicales, poéticas y políticas (o lo que fuera), no debería existir esa discriminación entre lo femenino y … ni siquiera lo masculino, pues se considera que el “rock a secas” o la “poesía a secas”, es de hombres. Cuando dicen que es femenino, “¡ah! esa poesía de las mujeres”, porque se entiende que, la poesía en global, corresponde a lo masculino.   

Cuando tuve la oportunidad de presenciar tu concierto en Arequipa, me admiro que hayas viajado con tus dos hijos y hables con tanta naturalidad de ellos con el público, e incluso le pediste a tu esposo que vaya un ratito a verlos ¿Cómo logras el equilibrio entre ser esposa, madre y artista?

Foto: Romina Hera
Bueno, no sé si logramos el equilibro, pero tratamos de tenerlo. En realidad, somos una familia y en las condiciones que trabajamos son así, con nuestros hijos. Nos esforzamos porque ellos estén los más cómodos posibles y nosotros también para trabajar, pero ellos siempre serán la prioridad, y esperamos ser cada vez más equilibrados, tranquilos y organizados.

¿Qué tendríamos que hacer como nación, para detener el abuso, los prejuicios contra la mujer y desterrar nuestro tradicional machismo? 

Creo que todo depende de la educación. Se intentó hacer una reforma educativa, que enseñara a los niños a respetar las diferencias, y se tildó esto de una especie de “maleficio”, de ser pervertidor para los niños. Creo, que esa es una de las razones por las que el país, no puede conciliar entre todas sus partes, hombres y mujeres de diferentes partes del Perú, de diferentes actividades, de diferentes opciones religiosas, o lo que fuera, porque se promueve más la diferencia, la violencia, y eso es lo que hace que seamos un país que no tiene una identidad, donde no hay respeto. Como no hay identidad, vienen los empresarios y abusan de nosotros, porque no hay unidad. Te quitan los derechos laborales y nadie se entera, porque uno odia al otro, no hay sindicatos ni cohesión.
Creo que los políticos que venden al país, son los que se indignan cuando se propone una reforma educativa, que enseñe en las escuelas a respetar a todas las personas, sin importar su opción sexual, religiosa, el color de su piel o su habla. Esos políticos, son los que desean que siga el machismo, la discriminación y el racismo, porque les conviene.

¿Cómo recuerdas tu primer recital en Arequipa?

La Lá durante su recital en Arequipa. Foto: TM x-files
Recuerdo que estaba muy nerviosa y preocupada de hacerlo bien, porque es la tierra de mi familia, era como si le estuviera cantando a ella. Cada vez que me encuentro con personas de Arequipa, hay un cariño y empatía especial. También estaba emocionadísima y recuerdo con mucha gratitud y alegría, su sorprendente recepción. Espero que se vuelva a repetir pronto.
¡Ah!... Y mi único club de fans está allá, se llama “Queso Helado” y es lo máximo. 

¿Cómo ves a La Lá en cinco años?

Yo me veo haciendo música, quizás con algunas de las otras actividades que me gustan hacer con mis manos. Me veo tranquila con mi familia, contenta y satisfecha.


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lunes, 15 de enero de 2018

3PUNKTAS - Reseña

3PUNKTAS
Independiente
(2017)
La oscura portada del disco, con el intimidante hombre enmascarado sentado, nos creó la expectativa de escuchar algo más brutal, pero al darle “play” al equipo, somos sorprendidos por una serie de piezas que se desplazan dentro de los parámetros del “punk-rock” melódico.
Justamente tres músicos, Gonzalo Cuentas (Guitarra y voz), Rodrigo Cuentas (Bajo) y Wendell Béjar (Batería), dan vida a 3Punktas, “power-trío” proveniente de la vecina ciudad de Puno, quienes se han esmerado notablemente no solo por entregarnos un disco de pulcro sonido, sino de impecable empaque de tres cuerpos y atractivo “booklet-póster”. Apectos que siempre anhelamos que estén bien trabajados en una producción e físico.   
Ya habíamos observado el nombre del trío en los “flyers” de algunos eventos y al escuchar su álbum, pude acordarme que tuve la oportunidad de ver su performance en vivo como teloneros de G-3 el año pasado. Bueno, yendo a la placa, esta se inicia con “Tiempo x 3”, dinámica pieza que coincidentemente aborda la temática de la velocidad con que transcurre el tiempo, planteando la utopía de cambiar el mismo, “viviendo el momento”. Sigue, “Sin Pesar” con sus adrenalínicos “riffs”. Más guitarras aceleradas y portentosas percusiones prosiguen en la nostálgica “Cuando Tú no estás”.
Wendel Béjar, Gonzalo y Rodrigo Cuentas. 
Al igual que la pista inicial, unos coquetos arreglos de caja de ritmos y arpegios, se hacen presentes en “Despertar”, tema que deja un tanto el punk-rock, para adentrarse en el “pop-rock”. Para “La Última Vez” y “¡Tú vieja!”, ya las melodías resultan previsibles, siendo esto un punto en contra para el trío, pero el trayecto final del disco nos muestra a los puneños ensayando con otras alternativas, como en “Después de Todo”, con sus arreglos de guitarras más elaborados y de rasgos más viscerales, además de mandarse algunos guitarrazos de corte “heavy”. De la misma manera para “El día que te olvidé”, tomándose respiros para potenciar la estructura de su pista, y la melódica “La Sin Nombre” para alternar distorsiones, efectivos punteos y rematando con veloces “riffs”.

Podemos tener nuestras diferencias con el estilo musical que desarrolla 3Punktas, pero es innegable que estamos ante tres buenos músicos, un vocalista de voz muy aceptable para lo que se busca, pero sobre todo muchachos que tienen claros sus objetivos, y como lo mencioné anteriormente, resulta plausible su labor de producción, para tratarse de un debut (aspecto que pocas veces se toma en cuenta). Si te gustan Inyectores, Attaque 77, Diazepunk o 6 voltios, este registro seguro que será de tu agrado. 




    

sábado, 30 de diciembre de 2017

SOBRENADAR: ENTREVISTA

“Si un productor(a) quiere, por ejemplo, cambiar tu forma de cantar, sabés que tal vez no le interesa tanto tu trabajo, sino más reflejar su ego en él”    
Paula García

La charla con la argentina Paula García, Sobrenadar, tuvo dos episodios: el primero en el mes de enero, exactamente en el Koka Kinto (luego se prolongó en sus afueras) de Lima, previó a su concierto debut en nuestro país, y el segundo, sucedió vía internet, con motivo de la salida de su nuevo EP, Habita, y nuestro deseo de darle vigencia a la conversación iniciada en la capital.
Paula a través de su alias, desde hace siete años, viene desarrollando una de las propuestas electrónicas más bellas y ensoñadoras del continente, transitando entre el “ambient” y el “dream-pop”. Aquí nuestro coloquio de dos actos

PARTE I

TM: ¿Tu lugar de origen (El Chaco) ha influenciado en tu música?

PG: Creo que sí, porque más de la mitad de canciones las hice allí, las otras en Buenos Aires. Siempre influye el ritmo de cada ciudad, que es distinto.  La ciudad donde crecí, es una pequeña, muy tranquila y con mucha naturaleza, está cerca del río y tiene muchos árboles, se escuchan los pajaritos, y eso en Buenos Aires no pasa mucho, influye bastante el entorno.

Tuviste la oportunidad de participar en los festivales Sónar en Chile y Barcelona, ¿Qué tal tus experiencias en ellos?

En Chile era la primera vez que lo hacía, todo era más chico, menos bandas, pero igual fue buena. Fue una gran ventana para mí, para llegar a otras personas. En Barcelona fue increíble, más grande. La pasé bien, escuché un montón de bandas, que tenía ganas de escuchar y conocí mucha gente de todos lados.

Paula en vivo, la noche de su debut en Lima
Tus temas no son muy extensos y en Dromer (2016), lo son aún menos ¿A qué se debe esta característica en tus composiciones?

Lo hice con esa idea, que sean temas de dos minutos, y veía tres como mucho. Porque es como los tiempos en que vivimos, todo es muy rápido, quería que sea como un EP, que uno lo puedo escuchar en diez o quince minutos. Es algo que también particularmente, me gusta escuchar en otros, porque si me gusta, lo vuelvo a oír otra vez, y así como lo repito treinta veces, y no me canso. Si por ahí, hay un tema que dura ocho minutos, es como si se hubiera pasado todo el día escuchándolo. También los sets que armo para las presentaciones en vivo, no suelen pasar los treinta minutos.

¿Por qué estos temas suenan más gaseosos o vaporosos?

Quería investigar sonidos distintos, la batería más acústica, tal vez, son como canciones que quedaron en estado demo, las quise dejar así. Intenté darles otra vuelta, trabajarlas más, pero no cerraban. Así que las dejé casi en su estado original. Eso fue lo que salió.

En un principio no te gustaba incluir tu voz, ¿Cómo la incluiste en tus temas, o la consideras parte de la instrumentación?

Mis primeros temas eran más como “ambient”, instrumentales, comencé a compartirlos con amistades, para que me den su opinión, y me decían: “¿por qué no cantas? Ahí me empujaron a cantar. Y cuando probé mi voz, dije: “No, ¡Qué horrible!”; entonces busqué herramientas distintas, para que se convierta en algo escuchable. Usé muchos efectos como “reverbs” o “delays”, para sentirme más cómoda.

¿Cómo te animaste en sacar el disco físico, “Tres”? Pues los demás solo están en disponibles en plataformas virtuales.

Eso fue una idea del sello, Casa Del Puente Discos. Bueno, el tiempo del Cd, daba para que sean un montón de canciones. Entonces comenzamos a ver cuáles eran las que podían resumir los cambios, desde mis inicios hasta la actualidad.  

¿Es tu EP Vent Solarie (2011), el más paisajista de tus producciones?

Sí, en ese momento estaba tirando para el “ambient”. Hace mucho tiempo que no toco esos temas, pero creo que son los que más me gustan.

¿Cómo ha sido tu trayecto desde el inicio hasta ahora

La veo muy libre, y voy a intentar que siga así, no seguir las reglas ni estrategias para que pase algo grande, me gustan que las canciones suenen a demo, como grabadas en casa. Tal vez en un futuro, trabajar con algún productor. 

PARTE II

¿Cómo se gestionó tu nuevo trabajo, Habita EP?

Los cuatro temas que lo componen iban a ser parte de un álbum junto con Dromer EP (2016). Pero al final desviaron su camino al encontrarme con Tibo Javoy quien me ayudó a terminar la producción de cada “track” y darle un tratamiento especial. Cuando lo terminamos se lo mandé a Casa del Puente Discos y me dieron el visto bueno para editarlo y subirlo a sus plataformas digitales.
Para el corte “Habita”, trabajé con Fernando Delssin, quien diseño un juego de luces en el medio de un campo, mientras voy cantando la canción.

En este material, le das mayor prevalencia a las cuerdas acústicas, ¿Cómo surge la idea de trabajar con estos sonidos?

Bueno, en los últimos trabajos había dejado la guitarra de lado, un poco olvidada, y cuando la empecé a extrañar me volvieron recuerdos del primer disco de Sobrenadar con nostalgia, por esos juegos de arpegios que se repiten y se van mezclando con capas de “sintes” y “pads”, quise recrear esos tiempos con la idea de acomodarlos al presente y que funcionen en el futuro.  

¿Cómo describirías tu nuevo disco?

En Habita EP, se usaron muchos “sintes” analógicos, hubo saxo, “delays”, “moog” y “reverbs” que sonaban increíbles, y creo que eso sumó muchísimo al resultado final. El EP tiene un sonido único y diferente a los demás, pero conserva la esencia del proyecto.
Siempre trabajé con instrumentos virtuales, mucha “compu” y horas de edición, pero la experiencia en el estudio de Red Bull, equipado con cantidad de máquinas hermosas, me ayudó bastante a entenderlas un poco más y a apreciar su magia.

¿Qué tal tu experiencia al trabajar con el francés Tibo Javoy, en la grabación y mezcla del disco, e incluso toca el saxo en un tema?

La experiencia fue increíble. A pesar de que estoy acostumbrada a grabar a solas, en mi casa, con mis tiempos y pifies, esto fue un poco como salir de esa comodidad para arriesgarse. Pasé por varios intentos en búsquedas y desencuentros hasta dar con la persona indicada para que me ayude con la producción.
Siempre tuve en claro que, si un productor(a) quiere, por ejemplo, cambiar tu forma de cantar, sabés que tal vez no le interesa tanto tu trabajo sino más reflejar su ego en él, ¡Pero esté no fue el caso!  Desde un principio hubo un perfecto equilibrio y Tibo entendió a donde iba y creo que eso fue fundamental para lograr un resultado muy sincero y noble. 

¿Qué recuerdos de tu pasó por el Perú, a comienzos de año?

Me sentí muy a gusto y no quería dejar la ciudad. Todos me trataron súper bien desde Luis de Buh Records y sus amigos y amigas me hicieron sentir como en casa. También durante esos días tuve la suerte de conocer músicos admirables. Lima, en particular tiene una escena y un circuito más que interesante, y ojalá pueda regresar pronto. 

¿Qué nuevos proyectos se vienen?

Se viene mi primera edición en Vinilo de Habita, editada por Casa del Puente Discos y giras para presentar el EP en vivo. También trabajando en nuevas canciones para un próximo LP. 

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AZUL BAILÓ ALADO TUYO (TICA COVERS & REWORKS). Reseña.

AZUL BAILÓ ALADO TUYO (TICA COVERS & REWORKS). Reseña.
VARIOUS
Existence/Aloardi
(2017)
Este es un trabajo que con entusiasmo esperamos su salida, y valgan verdades, nos ha dejado ampliamente satisfechos. Pues en un registro tributo o “reworks”, eso es precisamente lo que anhelamos de sus participantes, que reestructuren o reelaboren el sonido de sus homenajeados, en este caso la obra el dúo experimental conformado por Chrs Galarreta y Fabiola Vásquez.
Como ya lo señalamos, cada banda o proyecto, que fue invitado por el propio dúo, les ha impuesto su sello personal a las composiciones de Tica. 
Este casete compilatorio se inicia con Solange Jacob, Fifteen Years Old, quien nos abre los sesos en primera, con su sugestiva voz, impregnándole rasgos minimalistas, sin muchos arreglos de por medio, directo del micrófono, para luego tirarnos en el rostro una psicodélica sonoridad cumbiera en “Armonía: versión de un Corazón Sufrido” (tema tomado de Armonía 10).
Prosigue, las oníricas cuerdas y ensoñadoras voces emprendidas por el peruano Rolando Apolo y la mexicana Minadedrama, respectivamente, para luego improvisar con otras sonoridades para le versión de “Gloria Roja”. Luego, asoma la ambientación gélida y misteriosa que ensayan los Heraldos Negros para “Corazón Xufrido”.  Paisaje 3, reformula “De algún color tu nada”, con su singular sonido de ásperas cuerdas y atronadoras percusiones, influenciado en hipnóticas ambientaciones noventas. Finaliza la primera cara del casete, el siniestro “ambient” de Hijos de la Fiera, entremezclándose con adictivos “loops” para “Mounstro”, mutando con ambientaciones delirantes y abstractas, donde su bizarra marcha se ralentiza y acelera sin dirección, pero siempre teniendo a la enigmática voz de Fabiola como soporte.  
La holandesa Janneke van der Putten, con su ruidismo ambiental y complejo, inicia el lado “B” con “Ser anunciado el fin de la razón”. Más ambientaciones lóbregas, caóticas y confusas se suceden en la intervención de Zoom Back Camera para la versión de “Gloria Roja”. El pop también goza de espacio en este compilado, con la participación de Gomas, encandilándonos con sus propulsivos “loops”, para otra versión de “Gloria Roja”.  El combo sonoro Bruo, conformado por Diana Mogrovejo, Wilhelm Schütze y Gabriel Castillo, se encargan de expulsar sonoridades claustrofóbicas, surrealistas y burbujeantes para Suferis Koro (Corazón xufrido rework). El telón lo cierra los homenajeados, con dos temas grabados entre el 2008 y 2009, “Gloria Roja”, cuya sonoridad maquinal, resulta lacerante y frenética, contrastando con la angelical yuxtaposición de voces que emprende Fabiola, además de unas “loopeadas” que resultan abrasivas, concluyendo con un rayado final. Mientras que “De algún color tu nada”, pieza de electrónica abstracta y guitarras sampleadas, flotando sobre éstas, la etérea voz de Vásquez, resultando singulares sonidos de rasgos perturbadores.
Ambos temas de Tica, también están disponibles en vinilo de 7”, titulado “Bleu Ivy Nile” (2017), que al igual que el casete, han sido elaborados en atractivas ediciones artesanales, con materiales translúcidos de color azul y papel plateado. Sin duda, este compilado es nuestro favorito del año. Tanto el vinilo, de color azul y el casete compilatorio puede ser adquirido a través del Facebook de Fabiola Vásquez. 
  

viernes, 29 de diciembre de 2017

ENTREVISTA CON MIYAGI PITCHER

Alexander Fabián, es Miyagi Pitcher, también Alcaloidë, Siam Liam, Ozono (proyecto ya extinto) y uno de los fundadores y principales gestores del sello de electrónica underground, Chip Musik Records. Conversamos con el músico, sobre los inicios de la discográfica, sus diversas identidades sonoras y su obra con el alias que ha realizado de los mejores trabajos que han salido de nuestra escena electro alternativa, Blonde (2015), Honey (2016) y su reciente Okuraseru (2017).   


CHIP-MUSIK

TM: ¿Cómo se inicia Chip Musik? 

MP: Nace el 7 de julio del 2007, ante la necesidad de lanzar mi primer álbum con Alcaloidë, porque no había una plataforma que podía almacenar mi material, al menos yo lo veía así. Con un aliado de ese entonces, Dante Córdova. El nombre se toma porque la música se hacía de aparatos que tengan chips, aunque después hemos abarcado música de guitarras.  El sello está abocado a los chips y la añoranza hacia los ochentas, los videojuegos, como los Ataris, los Nintendo y los Segas, que también funcionaban con chip-set, este elemento siempre ha sido como la matriz de la máquina.

¿Cómo ha sido está década de existencia?

Los primeros pasos fueron muy lentos. Editamos a Semilla Galáctica y músicos afines, que no tenían espacio dónde difundir su material. Luego se fueron agregando más amigos interesados en publicar su música. Para el 2010 conozco a Jorge Rivas (IonaxS), lo jalamos al equipo, y con él empezamos con más fuerza, invitó a más gente, comenzamos con los compilados, primero nacionales y después con extranjeros, les pusimos por nombre Legos, porque eran como piezas que se van armando.

¿Cuáles son los logros más importantes del sello?

Difundir a muchos actos que no eran conocidos. La idea siempre ha sido incorporar gente que no se sienta representada. Ya sea dentro o fuera del país.  Creo, que ese es el logro más grande, difundir, a los amigos de dormitorio, aquellos que todavía no se afanan por ser conocidos, porque a veces somos introvertidos. Asimismo, la plataforma se ha hecho más sólida, y quiero resaltar algo, tenemos más escuchas y descargas, de Asia, Europa, Argentina, Chile y lastimosamente en Perú, es mínimo. No sé a qué se deberá. A veces nos han pedido discos en físico y se los enviamos, como los últimos de Puna, que se han ido a Chile.

¿Qué anécdotas recuerdas con el sello?

Nuestros comienzos con Pentium III, pedaleras compradas en la cachina, teclados casiotones y cómo a pesar de nuestros escasos ingresos, comprábamos aparatos para plasmar nuestras ideas. Me produce hasta cierta nostalgia porque era el amor a la música, que hasta ahora le tenemos, lo que nos ha impulsado.

EL MAESTRO LANZA

¿Por qué el nombre de Miyagi Pitcher?
El proyecto está dedicado al “vapor-wave”, como su nombre dice, son cosas que están en mente, pero a veces nunca se producen, artículos, artefactos, que son prototipos y no nacen. El “vapor-wave”, y en este aspecto, es también una añoranza hacia los ochentas y noventas. También mi afinidad con el Japón, me gusta ese país. Esa atracción viene desde mi adolescencia, por sus películas, animes, y por la creatividad que tienen, su inteligencia; me encantaría irme por allá en algún momento. Con respecto al nombre, estaba probando varios y vino el del maestro Miyagi, de la película, y, Pitcher viene por lo de estar lanzando, sonidos, creando y produciendo. “El maestro lanza”.

¿Cómo observas la evolución de tu música, a través de los tres álbumes?

El estilo ha ido cambiando, forjándose una identidad propia, ya no haciendo necesariamente reversiones de grupos antiguos, mas sí, utilizando el sonido característico de los ochentas, pero con composiciones propias. En mi caso el Honey (2016) y Okuraseru (2017), no se basan tanto en los ochentas, pero sí hacia el “noise”. Yo lo etiqueto como el “vapor-noise” o “love-gaze”, porque es una mirada al amor. Mi proyecto Miyagi es intimista, trabaja en torno a emociones, etapas y vivencias, que he tratado de mezclarlas en Honey. Me introduje un poco más al “ambient”, tirando un poco al “shoe-gaze”, la psicodelia por allí, pero siempre han quedado rezagos del “vapor”, por ejemplo, la canción que tomo de Slowdive, en este disco también, tiene voces ralentizadas, de la onda “vapor-wave”, pero con un fondo, duro, abrasivo, que es parte “noise”, que a mí me encanta -combinar el “vapor-wave” con el “noise”-, por eso yo le llamo, “vapor-noise”. También incorporo bajo, por eso le llamo “low-gaze”.  

¿Cómo ha sido la recepción de tus discos?

Por parte de la prensa, muy poca, más ha sido de la gente que los ha escuchado. Me han pedido que se los envié, por ejemplo, de Japón. Otros que reedite Honey, pues está agotado. He recibido comentarios muy buenos, y eso me alegra. Nunca pude sacar un tercer álbum con mis proyectos, iba pasar lo mismo con Miyagi, pero las cosas cambiaron, y salió este tercer disco, rompiendo ese estigma.

¿Con cuál de tus tres álbumes te sientes más satisfecho?

Son muy diferentes, sobre todo el primero, porque es más pop. Siempre ante de sacar algo lo he analizado y creo que en sus formas están bien. Es difícil decir cuál es el mejor, eso está en las personas que lo escuchan.

¿Cómo se gestó Okuraseru?

Demoró en salir, lo agradezco, pues eso me ayudó a redondearlo, ha quedado mucho mejor de lo esperado. La idea nace de querer darle de baja al proyecto Miyagi Pitcher, para seguir con otras cosas.  Este trabajo está muy inspirado en un cúmulo de emociones buenas, como la felicidad. Otras como la sensación de distancia, añoranza, de seres que no están. El título del álbum, quiere decir, postergado, demorado. Pienso sacar un disco más como Miyagi para el mes de abril.

¿Cómo es el proceso de creativo de tu música?

Bueno, puede pasar meses sin hacer nada, tiempo sin ideas, y otros en que algo te inspira, donde puedo hacer dos canciones en un día, en una noche, es cuestión de explotar algo que está dentro de ti básicamente.

Este año estás viniendo con más frecuencia a Arequipa, ¿Han influido sus paisajes u otros aspectos de la ciudad en tu álbum?

Sí, por ejemplo, me encanta ver los atardeceres, son estupendos sus colores, también tiene que ver las personas que he conocido aquí,

¿Cómo percibes la escena electrónica experimental en el Perú?

Hay gente joven que tiene interés en escuchar cosas nuevas, pero lastimosamente los medios no colaboran. Si las personas no buscan por sus propios medios, éstas no logran escuchar más de lo que se les pone en vitrina. Eso es un punto en contra, y otro, son las argollas que suelen haber en eso festivales grandotes, que repiten los mismos carteles. La música crecería, pero falta mucho por difundir, hay mucha argolla.

¿Cuáles son las diferencias entre tus proyectos Alcaloidë, Siam Liam y Miyagi? 

En un comienzo Ozono, iba a ser “noise”, luego, formé Alcaloidë con la idea de englobar todo lo que yo quería hacer, pero noté que haría discos con canciones de diversos estilos. Después, retomé Ozono y quería hacer algo más “ambient”. Siguió Alcaloidë, donde le di por el “dowtempo”. Avanzó el tiempo, escuché más música de vertientes, y así es como nace Miyagi Pitcher, inspirado por el “vapor-wave”, y Siam Liam en el “Chill-wave”. Ahora Alcaloidë está abocado más hacia el ruidismo, la electrónica, el “breakcore”, el intelligent, hasta un poco de industrial. La intención del proyecto ya no es que cierres los ojos y vueles, incluso puede ofenderte por su disonancia. Con Miyagi el asunto es más emotivo, pues plasma pasajes de mi vida. Siam Liam, presenta el lado más accesible y bailable de mi música. 

Miyagi Station, el nuevo proyecto que se avecina
¿Qué se viene para el 2018?

Como Siam Liam, pienso sacar un álbum para el 10 de enero. También estoy trabajando con Puna, junto a IonaxS y Alfonso Noriega. Estamos terminando de mezclar un EP, que debe salir también el mismo mes. Hemos grabado material para un nuevo álbum, pero hay que mezclarlo, y eso va a tomar su tiempo. En el sonido de esta nueva formación se nota la influencia de nuestros proyectos individuales.  



RETROSPECTIVA


Revisa aquí la discografía de Miyagi Pitcher...









SON DE LOS DIABLOS EP - ROLANDO APOLO. Reseña

SON DE LOS DIABLOS EP
ROLANDO APOLO
BIFRONTE RECORDS
(2017)
El día de la nochebuena Rolando Apolo lanzó un nuevo EP, Son de los Diablos, el sucesor de su impecable Orza de Avante (2014), nombre tomado de una danza peruana donde disfrazados de diablos, los afroperuanos celebraban el Corpus Christi y los carnavales. El disco fue grabado entre México y Perú, y en este, Apolo comparte cinco pistas instrumentales que caminan de la mano entre el “post-rock” y “el shoe-gaze”, y nuevos sonidos que el músico trata de plasmar de la combinación de ambos.  
El registro emprende vuelo con “flammea”, donde expulsa las guitarras y sobre marchas de percusión a lo My Bloody Valentine, sucediéndose también acoples, distorsiones y feedbacks, ¿qué le llamamos a esto? ¿”free-noise”? Luego, vienen las versiones de dos temas pertenecientes a la artista mexicana de “dream-pop” experimental Katya Tovar a.k.a. Minadedrama, “parabienes desde reino del olvido”, corte que, tras sus primeros instantes de suaves arpegios, van surgiendo ascendentes guitarras, y “i.f.s.i.” con sonidos comprendidos dentro de los límites del “shoe-gaze”, pero sin llegar a los estallidos atmosféricos, sino manteniéndonos hipnotizados con sus cuerdas espaciales.  
En su tema “sinuosa espiral del ansia”, Apolo se orienta más hacia el post-rock, donde sus flotantes guitarras nos invitan hacia parajes ensoñadores hasta su inesperado final. Concluye, “borbota de lirio” persistiendo las guitarras volátiles y a éstas se le unen lúdicos arreglos de sintetizadores, haciendo la marcha más delirante.  Las cuerdas etéreas, son el alma de este quinteto de piezas, y están disponibles para libre descarga gracias al sello Bifronte Records. 

martes, 26 de diciembre de 2017

LOS MEJORES DISCOS MUNDANOS 2017. INTERNACIONALES (10-1)

Hasta mitad del año, lo que habíamos escuchado nos parecía relativamente inferior a lo hecho el 2016. Lo nuevo de The XX, no terminaba de convencernos y ni qué decir del decepcionante disco de Arcade Fire, así que había que dar vuelta hacia nuevos artífices del sonido, y en esa búsqueda nos dimos con gratísimas propuestas, como las de Moses Sumney y Kelly Lee Owens. Otras bandas, superaron con creces la llamada “crisis del segundo disco”, como los ingleses Wolf Alice, con un álbum sobresaliente; proyectos como Blanck Mass y Perfume Genius, demostraron un crecimiento sonoro en franco ascenso, así Adam Granduciel, consolidando el sonido de War On Drugs. Hacia las postrimerías del año, Björk dejó en claro que su alianza con Arca, no fue flor de un disco, y que ésta todavía tiene mucho por dar al futuro de la música. Mientras que veteranos del sonido como el alemán Wolfgang Voigt, GAS, y los ingleses Slowdive emprendieron apoteósicos retornos discográficos, diecisiete y veintidós años después, respectivamente. Finalmente, Alejandro Ghersi, AKA Arca, ha demostrado ser un personaje de otra galaxia.
En suma, este 2017 nos dejó un saldo favorable, dejándonos varios discos para celebrar el 31 y nuestras cortas vacaciones.  Hasta el próximo año, si el desánimo no nos gana…        


10
NARKOPOP
GAS
kompakt
El músico alemán de “ambient music”, Wolfgang Voigt, vuelve a dar vida a su seudónimo GAS, tras 17 años de silencio, reuniendo diez hermosas piezas para sedar el alma. Ambientaciones que nos invocan a recorrer parajes forestales nocturnos, acompañados por sutiles beats, con un singular sonido de filtración de aire, como si no hubiera sido masterizado el disco.
Esta obra, cuyas piezas poseen el mismo nombre, solo diferenciadas por su numeración, plasma un cumulo de sensaciones, ambientes y estados de ánimo. En “1” confluyen lo misteriosos con lo enigmático, en “2” escuchamos una épica sinfonía, en “3” nos emocionamos con su esplendor, “4” evoca suspenso, en “5” somos atraídos por sus percusiones marciales, en “6” y “7” parecen unidas por sus sugestivos teclados que embargan esperanza, mientras que en “8” nos conduce por pasajes dramáticos, y en la extensa y densa “10” somos capturados por sus adictivos y narcóticos “loops” y “drones”.  



9
WORLD EATER
BLANCK MASS
Sacred Bones Records
Electrónica contundente y alucinante, su extensa “Rhesus Negative” se presenta como una odisea a través de los diferentes estados de la locura, sacudiendo nuestros sesos con violentos “loops”, siderales samplers de guitarra, maniáticas percusiones, ambientes dramáticos, voces infernales y sonoridades enigmáticas, tras su lúdico preludio, desprendido de una disonante caja musical, “John Doe’s Carnival Error”.  Prosiguen las hibridas voces para el bizarro soul de “Please”, los atronadores tambores de la marcha futurista emprendida para “Rat” y las ambientaciones esquizofrénicas en “Silent Treatment”.  
El británico Benjamin John Power no tiene reparos en expulsarnos sus violentas descargas sonoras y combinarlas con orates sonoridades, logrando que nuestro sentido de la realidad no sea el mismo después de escuchar su disco. 



8
A DEEPER UNDERSTANDING
THE WAR ON DRUGS
Atlantic Recording
Las piezas que construye Adam Granduciel, bajo TWOD, gozan de un espíritu familiar, que nos resulta acogedor desde el saque, sensación que se experimenta desde la inicial “Up All Night”, aunque con cierta dosis de aspereza, que le impregna las distorsiones de guitarra. Luego, esa clásica formula de influencias Dylan-Springsteen, más cuerdas espaciales, se hacen presentes con “Pain” y “Holding On” (de pegajosos sintetizadores y xilófonos). Momentos para la introspección se muestran en la reflexiva “Thinking Of A Place”, la crepuscular “In Chains” y la nostálgica “Clean Living”. 
Aunque parezca un calco de su anterior álbum, este disco consolida el anhelo de Granduciel por hallar su propio sonido, y lo único que está haciendo es ejercitarlo.     



7
AROMANTICISM
MOSES SUMNEY
Jagjaguwar
El sorprendente debut del californiano está compuesto solo por falsetes y una minimalista instrumentación, pero capaz de construir atmósferas celestiales como en “Quarrel” o la angelical “Don’t Bother Calling”, con intensos violines de por medio. Mientras que arreglos orquestales consiguen preciosas pistas como “Plastic”.
Otras canciones de sugestiva belleza son, “Lonely World”, tema que, sobre su mitad, ensaya intentos electrónicos, saliéndose un poco del esquema del álbum. Por esa senda experimental persiste la intrigante “Make Out in My Car”. “Doomed” retoma el curso estético del principio, llenándonos la hermosa voz de Moses, de una paz interior, que persiste con las cuerdas acústicas y sintetizadores mágicos de “Indulge Me”. Los bellos arpegios de “Self-Help Tape” y las etéreas onomatopeyas de Sumney, nos envuelve en un ambiente de ensueño.
Si bien sus existenciales liricas mencionan desamor, soledad y depresión, Aromanticism para nada evoca tristeza, sino paz, quietud, solana. Una belleza de inicio a fin.   




6
VISIONS OF A LIFE
WOLF ALICE
Dirty Hit
La joven banda británica, liderada por Ellie Rowsell, nos colocan la soga al cuello de inmediato con sus las atmosféricas sonoridades de “Heavenward”, su primera pista, de rasgos “shoegaze”. Para luego hacernos descender hacia los sonidos terrestres de la agresiva “Yuk Foo”, donde la rabia se apodera de nuestro ser, en medio del caos sonoro. Hemos sido pues transportados del cielo al infierno en menos de ocho minutos.  
En “Don’t Delete The Kisses”, merced a su electrónica ascendente y coros etéreos, somos elevados nuevamente por ambientes celestes. Los arrebatos melodramáticos en “Planet Hunter”, en “Sky Musing” somos envueltos por intrigantes voces, sobre una veloz marcha de densas percusiones y oscuros sintetizadores. En “Formidable Cool” somos seducidos por su embriagadora base rítmica, así como por el galopante post-punk de “Space & Time”. Así, este esplendido disco reúne una serie de sonoridades irresistibles y que se da el lujo de satisfacer diversos gustos (densos en “Sadboy” o “St. Purple & Green”o hasta folkies en “After The Zero Hours). Concluyendo magistralmente con la épica “Visions of A Life”.
El cuarteto exhibe diversas mascaras durante su obra, y en todas, su performance ha sido más que impecable. 





5
Kelly Lee Owens
Kelly Lee Owens
Smalltown Supersound
Sin duda, la londinense es una de las sensaciones del momento, pues su exquisito techno, de rasgos ensoñadores, además de ser enriquecido por su etérea voz, nos embarga de emoción, haciéndonos recordar por momentos a la mejor Grimes.
Su flotante corte de apertura, “S.O”, posee unos “loops” y retoques étnicos, de características tropicales, que cautivan de inmediato. Los “beats” que transitan lenta, pero hipnóticamente en “Arthur”, resultan deliciosos. Luego, viene la participación con nuestra adorada Jenny Hval, para hacer dúo sobre el narcótico techno de “Anxi”. Así como también ese endiosado conjunto de voces sobrepuestas en “Throwing Lines”, clave que se repetirá en la espacial “Lucid”, donde a esa yuxtaposición de voces, se añadirán ecos y la pieza emprenderá un atractivo giro hacia sonoridades más rítmicas.   
“Evolution” exhibe el lado más techno del disco, así como la marcha marcial y galopante de “CBM”. Pero en el álbum, también hay espacio para el “ambient music” (“Bird”), y lo etéreo (“Keep Walking”, con hipnótico y repetitivo fraseo del título del tema).  
Owens pone punto final a su asombroso debut, con la enigmática “8”, extensa pieza, cuya sonoridad inicial guarda similitudes con ambientaciones mantra, reflexivas y espirituales. Regalándonos casi diez minutos para la catarsis. Lee Owens es una nueva diva para nuestro altar. 





4
UTOPIA
BJÖRK
Little One Indian
Desde que la islandesa emprendió su alianza sonora y compositiva con Arca, su propuesta experimental se ha revitalizado notablemente. Esta nueva reinvención de Björk, vuelve lo surreal, creíble, lo mágico, accesible. Su fascinante mundo sonoro construido con el productor venezolano, está plagado por una serie de sonoridades que conquistan el alma, dirigidos por un conjunto de flautas, arpas, aves exóticas y hasta seres ficticios, como en el caso de “Utopia”.
Se ha buscado, al igual que en Homogenic (1997) armonizar la tecnología con la naturaleza, pero en esta ocasión con sonidos menos intimidantes y más bien, más paradisiacos. Una esfera, donde la belleza de la voz de Björk, se ha visto revalorada. Allí tenemos a “Blissing Me” o el dramatismo que derrocha en “The Gate”, cerrando la herida abierta tras su trágico desenlace amoroso expuesto en Vulnicura (2015), y manifestando que ahora es un ser dispuesto a otorgar las diversas manifestaciones del amor. 
Entre otras características que pueblan el álbum, figura esa hermosa fantasía de sonidos expuestos en “Utopia”, el crescendo de flautas, cuerdas y el coro islandés Hamrahlid, para la introspectiva “Body Memory”, las voces fantasmales que acompañan a su dulce canto en “Features Creatures”, los abstractos “loops” que la siguen en “Loss”, las voces disonantes que sirven de preludio en “Sue Me” y retornan a lo largo de la bizarra pieza,  el conjunto de flautistas en “Paradisia” y los sonidos de pájaros que prevalece en “Saint”. 



3
NO SHAPE
PERFUME GENIUS
Matador Records
Los estallidos sonoros (y dolorosos) de la épica “Otherside” resultan conmovedores, tras pausada marcha de piano, enganchándonos de arranque con la obra. La envolvente sonoridad sintética de “Slip Away” nos termina de atar a la misma, y ni qué decir de la cándida voz de Mike Hadreas, imposible despojarnos de ella de principio a fin, contándonos sus dramas pasados y cómo pudo sobreponerse a estos.
No Shape, significa también un progreso en la música de Hadreas, explorando con diversos sonidos, como el ensayo electrónico en “Go Head”, los sintetizadores entremezclándose con sonoridades sintéticas, en la dulce “Just Like Love”, con el folk en “Valley” y “Wreath”, la orquestación épica puesta en marcha para “Choir”, tipo film cinematográfico o el etéreo ¿jazz? ¿R & B? de “Die 4 You”.     
Otros momentos brillantes reposan en la tierna “Every Night”, cantada con el corazón sobre embelesadores arreglos de cuerdas de cámara, los vaporosos e introspectivos ambientes de “Run Me Through”, así como la confesional “Alan”. Hadreas ha demostrado poseer una voz y talento que encanta, sin importarnos cuál sea su mensaje.    






2
ARCA
ARCA
XL Recording
Alejandro Ghersi además de someternos a sus tensos ambientes y extrañas sonoridades, canta con pesadumbre y en su idioma, busca conmovernos con sus falsetes; su música penetra nuestra sensibilidad, exprime nuestros recuerdos tormentosos. Su portada de por sí, irradia angustia.
A diferencia de su marciano y frenético Mutant (2015), el productor venezolano, nos hace descender a las profundidades de la pena, con una serie de inquietantes piezas, como ese irritante feedback que se filtra entre sus falsetes en “Piel”. Siguiendo con la pista, esta adquiere tonos siniestros conforme avanza. En “Anoche” su voz a lamento, sobre extrañas percusiones e inconexos teclados se torna lacerante. Más sonidos incomodos se reproducen en “Saunter”, pieza que se enlaza con “Urchin”, cuyos golpes de sintetizadores suenan a tango abstracto. Sin duda, otra píldora surrealista, que nos invita a introducirnos al caótico universo sonoro de Arca.
En “Reverie”, somos conducidos por senderos lóbregos, para luego someternos a ambientes caóticos como en la lunática “Castration”, flagelo que llegará a su cumbre con la agresiva “Whip”. Otras muestras para la paranoia son, “Desafío” y “Child”. Mientras que “Fugaces” y “Miel” rozan con lo enigmático. Más etéreas se exhiben “Sin Rumbo” y “Coraje”.
Arca, ha conseguido música que eriza la piel, que conmueve, dentro de sus complejidades y bizarras sonoridades. El venezolano ha demostrado una vez más, no ser de este planeta.  




1
SLOWDIVE
SLOWDIVE
Dead Oceans
Espectacular retorno de esta abanderada del “shoegaze”, quienes visitaron la capital este año y dejaron más que satisfecho a sus seguidores, consiguiendo un disco perfecto para el amante de las guitarras atmosféricas y las melodías ensoñadoras, característica que se muestra desde “Slomo”, hermosa pieza que logra conmovernos hasta las lágrimas.
Luego del nostálgico inicio, se desata el estallido atmosférico, con las guitarras ascendentes de “Star Roving”. Luego unas percusiones en sobre marcha para que se desplace la angelical voz de Rachel Goswell, hará su aparición en “Don’t Know Why”. Tiernas cuerdas que expulsan melancolía por todos lados transcurren en “Sugar For The Pill”.
Los “chorus” y las voces etéreas que pueblan la añorante “Everyone Knows”, nos transporta hacia latitudes oníricas. Más punteos melancólicos se sucederán en “No Longer Making Time”, pista que transita pausadamente, pero solo está tomando su tiempo para irrumpir en arrebatos atmosféricos.
Para el final, los ingleses se mandan con los temas más experimentales, y extensos a la vez, del álbum: “Go Get It”, cuya astral sonoridad, por momentos reposa, en otros se vuelve densa y sale expulsada, como si el track hubiera sido producido para el fondo de los créditos de una película; y “Falling Ashes”, donde un largo solo de piano parece interminable hasta que asoma la introspectiva voz de Neil Halstead.        
Ocho pistas han resultado más que suficiente para que Slowdive, demuestre que, a pesar del tiempo y la evolución de la música, su propuesta continua vigente.