martes, 20 de febrero de 2018

FABRICIO ROBLES:PRECOZ Y SIN ETIQUETAS


DÓNDE
FABRICIO ROBLES
(2018)
La imagen de la portada, con la pareja mayor, marcada por las arrugas de los recuerdos, haciendo turismo por una avenida en estación otoñal, calza a la perfección con las nostálgicas melodías que transitan a lo largo del disco, donde la palabra “quiero”, se enarbola como el estandarte de Robles, por intentar plasmar sus anhelos, deseos y afectos.
Dónde es el segundo disco del cantautor limeño, ahora radicado en Buenos Aires, quien estrenó hace tres años, con tan solo dieciséis años, su EP Videotapes, una atractiva producción de seis piezas, cuya instrumentación electroacústica expulsaba melancolía, de sonoridades eclécticas, que algunos se animaron a señalarla como “folk” o pop barroco.  Sin embargo, su propuesta en este álbum, se ha visto enriquecida con una mayor instrumentación, que incluye arreglos de cuerdas, vientos y percusión, además de músicos de otras latitudes (argentinos), dúo de voces y ensayos con diversos estilos musicales, logrando una fusión musical exquisita y sofisticada, esquiva a la etiqueta.
Esta nueva producción, fue precedida por el lanzamiento del bellísimo single “Balance” (2017), cuyas emotivas cuerdas acústicas de rasgos “folk”, son retocadas por instrumentación de vientos. Dándonos así algunas pistas del intento de Robles por ampliar sus horizontes sónicos.
Volviendo al registro, éste se inicia con las melancólicas guitarras de “Anteojos”, asomándose sobre su final jazzísticos saxofones y trompetas. Más melodías embargadas por la añoranza, reproducen las ensoñadoras cuerdas electroacústicas de “Mandarina”, así como la nostálgica “Ligero”.
“Miraflores”, es una de nuestras favoritas, por sus finas cuerdas, acompañadas por taciturnos pianos, recreando preciosas sonoridades, haciendo también su aparición violines y cellos, para embelesarnos aún más el alma y como para rematarnos el dueto de voces que emprende con una voz fémina, que volverá más adelante.  Otra joya del disco es “Vértigo”, con sus iniciales coqueteos con la bossa nova y sobre la mitad del tema irrumpiendo percusiones de rasgos afro, mientras que la atmósfera criolla persistirá con el cuasi vals “Casa”, haciendo dúo nuevamente, incorporándose set de cuerdas y un hipnótico solo de viento. Otra hermosa pieza del disco, con su peculiar final de marinera.
Fabricio en Arequipa. Facebook del artista
Por la senda de la fusión prosiguen la acústica, con algunos solos de piano, “Tiene”, de contagiosa intensidad y el landó de “San Miguel”, sorprendiéndonos sus arreglos de vientos. Cierra la ensoñadora “Vueltero”, con su etéreo canto a dúo y sus progresivos arpegios de cuerdas eléctricas. Impecable final para tan refinada obra.
Robles logra a temprana edad (a las justas llegará a los veinte años), un disco maduro, de melodías impecables y de una versatilidad sonora admirable, que resulta innecesaria clasificar, pues podemos afirmar que su música hace lo justo, agradar y elevar el alma.      



RETROSPECTIVA 



sábado, 17 de febrero de 2018

DANTE GONZALES: FM RETROFUTURISTA

FANTASÍAS MENTALES
DANTE GONZALES
Buh Records
(2018)
Dante Gonzales (Varsovia, ex Pestaña, Estación Perdida, Hangar de los Mecánicos e Inversor Demente) a través de su arsenal de sintetizadores Yamaha, nos ofrece su tercera aventura solista, titulada Fantasías Mentales. Un trabajo plagado por una serie de sonoridades quiméricas, pues nos remontan a la época en la que creíamos en el futuro, como posibilidad de experimentar con ambientaciones galácticas o por lo menos terrestres, pero de connotaciones mágicas.
Los sonidos analógicos que emanan de los sintetizadores de Gonzales, nos hacen vibrar, poniéndonos “la piel de gallina”, al “desempolvar” de nuestro limbo una etapa embargada por las recreaciones de paisajes fantasiosos, aquellas con las que alucinábamos que se convertiría el futuro.    
En Universos Paralelos (2015), aunque Gonzales también experimentaba con esa ambientación retrofuturista, su ensayo era de corte más “synth-pop”, y varias de sus pistas se convertían en una invitación para el baile, mientras que, en este explora a profundidad con el gran abanico de posibilidades que le ofrecen las múltiples teclas y botones de sus sintetizadores, exprimiéndoles al máximo para que afloren sonidos mágicos e irreales, a pesar que muchos suenan inconexos, pero que al reunirse operan como un gran conjunto.    
Siete piezas conforman este registro, comenzando con “Algoritmos”, cuya calidad sonora nos cautiva de inmediato, además de esa peculiar transición de sonidos lúdicos. En “Espectros Digitales”, cuyas emotivas sonoridades beben de la influencia de Kraftwerk, ambienta paisajes sonoros retro futuristas, añorando la época en que creíamos en el futuro utópico, ese de megalópolis y autopistas espaciales. Mientras que sonidos misteriosos se presentan en “Dualidad”, cuyos “beats” y diversas sonoridades fantasiosas transitan de manera flotante, además de su densa percusión, a lo Front 242, otorgándole cierta “aura” oscura al tema, nota aparte para los disonantes teclados reproduciendo voces de seres irreales.
Foto: In Club Radio
Con respecto a “Estructuras”, podemos decir que se trata de una pista de tres partes, la primera con siniestros sonidos de rasgos in crescendo, construyendo ambientes que rozan entre lo robótico y lo ufológico, con intensos teclados de fondo, para luego mutar hacia sonidos más nostálgicos, yendo hasta lo reflexivo, para finalmente retornar aquella atmosfera enrarecida, por contactos con seres del tercer tipo. Sigue, “Fantasías Mentales” impecable pista de corte “synth-pop”, evocando a Depeche Mode o Erasure de sus inicios.
Para el final, “Abstracciones y Geometría” es un festín de sonidos inconexos, cada uno reproduciendo sus propias emociones, y “Horizonte de sucesos”, pleno de inquietantes sonidos de características metálicas, replicándonos en la memoria enigmáticas fantasías.  
Fantasías Mentales es una evocación hacia lo anómalo, irreal y ensoñador, una placa visionaria, que podrá ser adquirida en limitada edición en casete. Gonzales estará formando parte del Buh Fest!! donde presentará íntegramente su nuevo material.


RETROSPECTIVA














jueves, 15 de febrero de 2018

PUPPIES IN THE SUN: EXPLORANDO EL SUBCONSCIENTE

UNHEARD EP
PUPPIES IN THE SUN
Buh Records
(2018)
En la recta final del 2014, éramos sorprendidos por cuatro pistas subidas al “soundcloud”, todas ellas de características siniestras y atmosféricas, que podríamos etiquetarlas entre el “post-rock”, “kraut”, “ambient” o lo tribal y emparentarlas con colectivos como Godspeed You! Black Emperor, Explosions In The Sky o Mogwai por citar algunos contemporáneos, o Slint y Swans si nos remontamos a otros más añejos. 
Puppies In The Sun era el nombre de este acto sonoro que nos impresionó y dejó con las ganas de adquirir una producción en conjunto y física de sus pistas subidas a la red. Quienes están detrás de este atractivo proyecto para nuestro medio son: Alberto Cendra (Percusiones) y Cristóbal Pereira (Voz, sintetizadores y “samplers”), dos peruanos ahora radicados en Barcelona y Berlín respectivamente.  Ellos acaban de lanzar su EP, Unheard, cuyo solitario tema, toma como base uno de los cuatro sencillos mencionados anteriormente, “Is It Bad To Put Baby Born Puppies in The Sun?”, pero ahora añadiéndole al título: “Part II, III, IV”, para señalar su continuidad.   
Grabado en Barcelona el 2016, Unheard, es una obra de tres episodios o capítulos sonoros, donde el primero de ellos, a manera de preludio, expulsa sonidos intrigantes como si se tratará de ambientar un viaje por el subconsciente, sumándose percusiones y diversas sonoridades que nos ponen en trance, hasta que llega la colisión entre el aporreo y los sintetizadores alterados, para desvanecerse por unos instantes y se asomen ligeras sonoridades de instrumentos de viento del medio oriente, anunciado la segunda parte.
En el segundo episodio, se van sucediendo sonidos misteriosos, reproducidos por heterogéneos sampleos de rasgos enigmáticos, todos con relación con el oriente medio, aunándose corrosivas trompetas, incrementando aún más la intriga y la sensación de suspenso, asomándose lentamente los metales de percusión, hasta establecer una caótica ambientación, oyéndose voces ininteligibles.
La fórmula de ambientar una pavorosa pasividad, es el interludio aplicado para las transiciones entre capítulos, y para el final, se ve invadido por una oscura ambientación, con sampleos de cuerdas y flautas orientales, además de sonidos de rasgos magnéticos y algunos golpes inconexos de percusión, recreando casi una marcha tibetiana, hipnotizándonos sus tambores etéreos, para luego envolvernos con sonidos densos y psicodélicos, conduciéndonos hacia la alucinación, donde los metales seguirán retumbando, agregándose a la “comparsa”, más sonidos inquietantes cuyo origen instrumental resultan una incógnita, mutando hacia disonancias y estados trastornados, consiguiendo ambientaciones enajenadas y cómo para perturbar aún más el panorama, se dejan oír unos gritos dementes, concluyendo con “drones” atmosféricos. Sin duda, lo experimentado durante veinte minutos ha sido un verdadero festín onírico.  
Estamos ante un trabajo que colocará la valla muy alta para las producciones que vendrán. Por tal razón, resulta impostergable la cita para apreciar al dúo en vivo este sábado 17 de febrero en el Buh Fest!
En esta única presentación de Puppies In The Sun, se podrá adquirir la edición física de su EP, editado en formato casete, que incluye link de descarga. Esperamos que algún día los “singles” del 2014, puedan ser reunidos en una obra física. 


RETROSPECTIVA

miércoles, 14 de febrero de 2018

ANIBAL SMITH BROWN: PSICODELIA POR RANCAS


TO EACH THEIR OWN EP
ANIBAL SMITH BROWN
Desde Rancas, Cerro de Pasco, Anibal Smith Brown, es la identidad virtual que asume Aníbal Smith Meza Cajahuamán, para referenciar su pasión bohémica, e inspirado en esta, ir desarrollando en solitario, música insinuante, que transita entre lo minimalista y lo versátil, yendo desde la ejecución de cuerdas hasta los instrumentos sintéticos.
Aníbal acaba de lanzar a través de las diversas plataformas digitales un nuevo EP, To Each Their Own, compuesto por dos actos, el primero electrónico y el segundo de guitarras ensoñadoras, en total cuatro piezas de corte instrumental que, si bien no llegan ni a los once minutos de duración, resultan suficientes para alborotarnos los sentidos, merced a sus sugestivas dosis de sonoridades psicodélicas.
To Each Their Own recorre fugazmente un trayecto donde comulga la intriga, con lo laxante, lo festivo, con lo reflexivo, donde cada ambientación asume su turno sin problemas. Es así que la pieza inicial, “Dominoes”, parte de los teclados enigmáticos y minimalistas hacia la vorágine electrónica, para luego darse maña para acelerar y desacelerar a pesar de su brevedad, y aún dar paso a ritmos “dowtempo”. Luego, “LSD” se convierte en una especie de recreación de las fiestas “house” o “rave”, con sus sugestivos y dancísticos sonidos, en pos del frenesí y la visita a parajes fascinantes. Mientras que “Karu Sisa”, estable un “stand-by” al jolgorio, con su refrescante “dream-pop”, invadido por instantes por delirantes solos de guitarra. Más sonoridades de efectos analgésicos proseguirán con “Hubble”, sus cálidos arpegios y flotantes punteos, se encargan de sedarnos el alma, haciéndonos despegar de lo terrenal. Cuando el disfrute llega a su clímax, nos damos cuenta que el “viaje” concluyó.
Aníbal ha conseguido un prometedor trabajo que esperamos tenga un pronto empalme.


miércoles, 31 de enero de 2018

[NUESTROS] VINILOS PERUANOS 2017: PASIÓN POR EL FETICHE


[NUESTROS] VINILOS PERUANOS 2017: PASIÓN POR EL FETICHE
Cuando compramos un vinilo anhelamos dos aspectos relacionados con la calidad: sonido y presentación, y con éste último nos referimos a portada, sobre, inserto y demás detalles que acompañan al disco (aún el plástico que empaca el disco, en algunos casos doblando el cartón; o el agujero del vinilo, a veces mal cortado y causando incomodidad a la hora de colocarlo y sacarlo del plato).
Es decir, en la adquisición de un vinilo, está en juego que se satisfaga tres de nuestros sentidos: oído, vista y tacto. Queremos ver recompensada con creces nuestra inversión, que no baja de los setenta soles, en la mayoría de los casos y que creo a nadie les sobra.
Inspirados en estos factores, teníamos pendiente dedicarle una nota a nuestra colección personal de vinilos peruanos aparecidos y comprados el año pasado. Si no figura aquí tu favorito, no es que no hayamos sabido de su existencia, simplemente están los que nos interesó su adquisición.
Ahora, tampoco queremos que se pongan susceptibles algunos productores de estos trabajos, si creen que somos injustos con nuestros comentarios, pues la idea es ofrecer una retroalimentación a su labor, a partir de nuestra experiencia como “cliente” (pues todos han sido comprados), y esperamos que nuestras observaciones la tomen en cuenta en sus próximos proyectos.

CERO
Dolores Delirio
(CAL Comunicaciones/Discos Eternos)
Sin temor a equivocarme, en la época de su lanzamiento (1995), debe haber sido el álbum peruano que más veces he escuchado, así que creo saberme de memoria cada uno de sus detalles, tanto en sus ediciones casete y Cd, y otras posteriores que también adquirí. El sonido del vinilo es aceptable, aunque esperábamos algo superlativo. El resultado, no llega a superar al de los discos compactos, pero sí hay algunos factores gratificantes, como la reducción de la potencia de la percusión digital.
Con respecto al arte que lo acompaña, muy buen trabajo de adaptación al tamaño del vinilo, además que logra conservar el “espíritu” de la edición primigenia; la calidad del papel también es meritoria, sobre todo la del sobre del disco, pues no se quedan grabadas las grasientas huellas de los dedos.  No nos gustó, que luego que se agotó el tiraje, saquen una edición “gatefold”, ¿cómo quedamos los que adquirimos la primera? Pues, lógicamente uno va a preferir una de dos cuerpos, ¿comprarnos la nueva edición también? No, pues no nos sobra la plata.

MUERES EN TU LEY
JAS
(CAL Comunicaciones/Discos Eternos)
Nunca tuvimos una copia del vinilo original, así que no podemos hacer comparaciones sobre el sonido, pero sí que, en busca de una mejor resolución de éste, hubiera sido mejor que esta edición contenga la misma cantidad de título que su original, pues mientras a cada pista se le asigne un surco más ancho, ésta sonara en condiciones muchos más óptimas. En todo caso, para “bonus”, extras o material inédito que desee añadir, ya teníamos la reedición en disco compacto.  
El sobre del disco posee atractivas fotografías de la banda, aunque hubiera quedado genial trabajar con la misma calidad del papel que el de dolores delirio. Con respecto al inserto, contiene las letras de las canciones, pero en ambos lados, quizás una pequeña reseña de la historia de la banda en vez de la duplicación de las líricas, hubiera servido para que los nuevos oyentes se familiaricen con los orígenes de JAS y el contexto de la época del disco, y para los que ya lo sabemos, como una dosis de nostalgia y para refrescar nuestra memoria.
Cuando leímos el anuncio de otra una nueva edición en vinilo, pero en formato “gatefold”, nos regresó el mismo sinsabor ya mencionado líneas arriba. 
     
PRIMERA DOSIS
NARCOSIS
GJ Records
Con respecto a la anterior edición en vinilo, editada por Contra Orden/Odio Los Discos, tenemos que confesar que esta la supera en sonido, a pesar que contiene dos temas más: “Asfixia” y “Slacks Asesina”, que sí aparecieron en la maqueta original de 1985.  El hecho que el mismo “Wicho” García haya supervisado la remasterización, seguramente influyó en una mejor resolución del sonido.
Si bien el detalle de hacer una réplica del arte original del “booklet” de la maqueta, nos ofrece una singular atmósfera “vitange”, con el sello de color rojo incluido, “certificando que se trata de una copia de narcosis producciones”, nos quedamos con cierta sensación de cuestionarnos, ¿Nada más? ¿Esto es todo?
Las comparaciones son odiosas, pero el diseño de la portada e inserto de dos cuerpos que produjo la anterior edición, fue muy superior, dejando satisfechos nuestros ojos lujuriosos.

PASAN LOS DÍAS
G-3
Mundano Records/Trilce Discos
Esmerada reedición en “gatefold”, del recopilatorio en disco compacto aparecido dos décadas atrás y que significó el punto de partida para el sello Mundano Records. Con respecto a su edición en Cd, hay una leve mejora en el sonido de las voces; y que de verdad no había mucho que mejorar en el sonido del material, pues su resolución era muy buena. Aquí era simplemente el placer de tener un objeto más grande, para apreciar y tocar.
El arte de portada e interiores está inspirado en su original, donde el logotipo de la banda, con brillo sectorizado, quedó genial, dando la sensación de estar en alto relieve, aunque nos hubiera gustado otro color que le haga contraste para el marco. El collage de fotografías del inserto, es muy atractivo, así como las fuentes para las letras de las liricas, dándole ese toque de las publicaciones “hardcoreanas” de antaño. Mientras que la fotografía interior del “gatefold”, no nos termina de convencer, si bien intenta expresar la conexión entre la banda y su público, y los momentos vibrantes de sus conciertos, creemos que se pudo optar por una mejor toma, que no luzca movida, y que capture a todos los integrantes de la banda, de frente y sus fans sacándose el ancho abajo. Algo parecido a las imágenes que figuran en su Casete/Cd “En Casa” (2000).      

BLEU IVY NILE
TICA
Existence/Aloardi
Impecable edición artesanal en vinilo de 7”, conteniendo dos temas de la dupla conformada por Chrs Galarreta y Fabiola Vásquez, “Gloria Roja” y “De algún color tu nada”, grabadas entre el 2008 y el 2009, donde podemos apreciar cada una de las “marcianadas” sonoras que se experimentan para los temas.
El llamativo vinilo de color azul, viene en un plástico translucido con artes de ese mismo color, pero de tono más oscuro que, al unirse con su respectivo sobre plateado, crean un bonito contraste.     

LOS SUEÑOS MUEREN PRIMERO
LIMA 13
Muki Records
Cuando nos ofrecen una reedición en vinilo, de lo masters originales (analógicos y …) y otros detalles sonoros, lo menos que esperamos es un sonido increíble. Este disco es uno de esos pocos casos, en donde el resultado satisface altamente la expectativa creada; y no afirmamos esto porque estemos distribuyendo en Arequipa este trabajo, pues un músico reconocidísimo como José Javier Castro (El Aire) ha comentado en su cuenta de facebook “Gol de Muki Records, relevante, cuidada y elegante edición tanto en lo objetual como en lo sonoro. Escuchando uno entiende el porqué de todo”, mientras que el periodista Fidel Gutiérrez de Andina ha dicho “Estupendo sonido, la verdad. Ké aprendan todos”. Personajes que, creo cuentan con más experiencia que nosotros.
Desde que lo tocamos la primera vez en nuestro tornamesa, nos conquistó su impecable sonido, donde el bajo suena magnífico, así como las voces y teclados, aunque claro persisten algunas limitaciones de la grabación original, pero éstas quedan casi imperceptibles, ante la calidad de trabajo realizado para la mejora de su sonido. Es como si redescubriéramos el disco, como si lo estuviéramos escuchando por primera vez y hallando cada uno de sus detalles, pues logra emocionarnos como pocos. Para variar, “Wicho” García, es quien estuvo a cargo de la masterización del disco y diría resurrección del mismo.
Otro aspecto relevante de la reedición, es su arte de tapa, su collage fotográfico en el interior del “gatefold” y sobre del mismo, donde las letras lucen claras, hay buen contraste entre sus colores grisáceos y la calidad del material es óptima. Usar el arte de original de la portada hubiera sido una tarea compleja y creemos que esta alternativa salió muy buena. Los Sueños Mueren Primero, de lejos la mejor edición en vinilo del 2017.



NO MIGTHIER CREATURES
AIZU
Es la única edición física del trabajo de Renato Gómez, así que compararla con el digital, no tiene razón de ser. Pero, sí plasma ese sonido rústico y cavernoso, sobre todo la aspereza de las guitarras se aprecia con mayor beneplácito, allí tenemos la pista “Springfield” como mejor ejemplo de lo dicho.  
La resolución de la calidad de la fotografía de portada resulta admirable, consiguiendo un hermoso trabajo. Además, el sobre del disco, hecho de cartón, no de papel ni otro material que se deteriorara con el pasar del tiempo, contiene un sencillo pero efectivo diseño con las letras y detalles técnicos de la obra. Asimismo, la contraportada con su “NO” grandota con los temas del álbum, en color negro y fondo blanco, a lo Peter Saville. Otra edición impecable, pero sí, nos hubiera gustado que venga con su bolsita o sobre de plástico para proteger el empaque.     

SUPERFRICCIÓN
LIQUIDARLO CELULOIDE
Buh Records
Foto: facebook de buh records
Teníamos nuestras dudas de adquirir este vinilo, el primero de este sello, al tratarse de un disco de época, pues su grabación fue destinada para disco compacto, pero tras escucharlo nos hemos quedado gratamente sorprendidos, me atrevo a decir que las guitarras suenan todavía más infernales que en la edición en Cd, o son los efectos de la mezcla hecha para el vinilo. De todas formas, este trabajo nos permite apreciar desde otra perspectiva el sonido de uno de los mejores discos del 2017.
La portada más grande nos permite observar con mayor claridad sus rasgos y efectos psicodélicos. El resto del arte del disco es similar al de su edición en “digipack”, que nos hubiera gustado contenga algunas cosas adicionales, como por ejemplo en el inserto, donde una de sus caras está en blanco, quizás se hubiera colocado otra foto de la banda, acompañada por las letras de las canciones (que no son muchas ni muy extensas), detalles que finalmente marquen la diferencia, pero entendemos que lo extra depende del presupuesto que se maneje. Pero, estamos ante otra edición que tampoco tiene pierde, la cual tiene dos presentaciones, en color rojo y negro.
Conclusión
Se aplaude la intrepidez de las personas que están detrás de estos proyectos “vinileros”, pues se trata de una inversión muy riesgosa, pero para la edición de las mismas, hay que cuidar todos los detalles, no basta con solo ofrecer de los “másters originales”, sino que, efectivamente el sonido tiene que presentar una experiencia inédita para su oyente, y como lo señalamos al principio, tiene que satisfacer el oír, ver y tocar (arte y diseño que lo acompaña), al tratarse de un esperado objeto de culto...Vamos por buen camino.   

martes, 16 de enero de 2018

ENTREVISTA CON LA LÁ

“Creo que los políticos que venden al país, son los que se indignan cuando se propone una reforma educativa” 

                                                                                               La Lá



Foto: Romina Hera
La gran triunfadora del 2017 fue sin duda, La Lá, identidad artística usada por la cantautora Giovanna Núñez, para conquistarnos con su bella voz, hermosas melodías y comprometidas composiciones, donde aflora toda su sapiencia y astucia para abordar con sarcasmo, humor y audacia, delicados temas sociales como el machismo y el abuso contra la mujer. En especial con su último álbum, aclamado no solo por la crítica nacional, sino latinoamericana, y que gozará de su momento cumbre, el próximo jueves 8 de marzo, en su primera presentación en el Teatro Municipal de Lima.
Conversamos con la artista, sobre su corta, pero hasta ahora impecable trayectoria, además de sus ideales y paso por Arequipa. 

TM: ¿Cómo nació tu deseo de ser cantautora?

La Lá: Yo no desee ser cantautora, sino que empecé a componer y me enamoré de la música, eso fue lo que pasó.   

¿Cómo ha sido ese paso de ser la integrante, de una banda de jazz, a convertirte en la protagonista principal del “espectáculo”?  ¿Cómo has asumido los elogios recibidos por tus obras, en especial por tu último disco?

Bueno, lo del jazz fue un momento pasajero de mi vida, casi anecdótico, entre los 18 y 20 años, ahora tengo 35. Luego, estuve estudiando otras cosas, como Filosofía, y después apareció el proyecto solista, La Lá.
Me parece que hacer música, para mí, todavía es algo sorprendente; y que sea bien recibida y considerada, también lo es.  

¿Cuáles fueron tus influencias para tu segundo álbum, que a nuestro gusto fue el mejor de este año?

Desde niña, fui muy influenciada por el jazz, la bossa nova, la música melódica de los setentas y ochentas. En general he escuchado mucha música en mi niñez, que creo me siguen influenciando. No soy mucho de renovarme y es como si algo muy antiguo, lo que me inspira a producir música. 

Foto: Ángela Ponce
¿Qué diferencias existen, tanto musical como líricamente entre tus dos álbumes?

Creo que antes de una diferencia musical y lírica, existe en el modo de producción. El primer álbum fue una recopilación de canciones que hice durante varios años, incluso sin la expectativa de hacer un disco. En cambio, el segundo fue hecho porque había cierta presión de producirlo, pues ya habían pasado tres años. Entonces yo compuse los temas con espontaneidad, pero también tomando conciencia que había un álbum en camino, y eso sí marcó las cosas de manera diferente.   
Las canciones de Rosa, las canté mucho antes de grabarlas, y las de este álbum, no. Yo prefiero tocar mucho algo, antes de grabarlo, habiendo probado ligeramente ambos casos, pero todavía me falta mucha experiencia, para decir cuál disfruté más, pues con dos discos, creo que todavía mi recorrido ha sido corto.   

¿Por qué eres alérgica al término “femenino”?

Soy “alérgica” al uso de frases como “poesía femenina” o “rock femenino”, porque siento como si el rock fuera una cosa, pero el “rock femenino”, un apartado. Y creo que, en cuestiones musicales, poéticas y políticas (o lo que fuera), no debería existir esa discriminación entre lo femenino y … ni siquiera lo masculino, pues se considera que el “rock a secas” o la “poesía a secas”, es de hombres. Cuando dicen que es femenino, “¡ah! esa poesía de las mujeres”, porque se entiende que, la poesía en global, corresponde a lo masculino.   

Cuando tuve la oportunidad de presenciar tu concierto en Arequipa, me admiro que hayas viajado con tus dos hijos y hables con tanta naturalidad de ellos con el público, e incluso le pediste a tu esposo que vaya un ratito a verlos ¿Cómo logras el equilibrio entre ser esposa, madre y artista?

Foto: Romina Hera
Bueno, no sé si logramos el equilibro, pero tratamos de tenerlo. En realidad, somos una familia y en las condiciones que trabajamos son así, con nuestros hijos. Nos esforzamos porque ellos estén los más cómodos posibles y nosotros también para trabajar, pero ellos siempre serán la prioridad, y esperamos ser cada vez más equilibrados, tranquilos y organizados.

¿Qué tendríamos que hacer como nación, para detener el abuso, los prejuicios contra la mujer y desterrar nuestro tradicional machismo? 

Creo que todo depende de la educación. Se intentó hacer una reforma educativa, que enseñara a los niños a respetar las diferencias, y se tildó esto de una especie de “maleficio”, de ser pervertidor para los niños. Creo, que esa es una de las razones por las que el país, no puede conciliar entre todas sus partes, hombres y mujeres de diferentes partes del Perú, de diferentes actividades, de diferentes opciones religiosas, o lo que fuera, porque se promueve más la diferencia, la violencia, y eso es lo que hace que seamos un país que no tiene una identidad, donde no hay respeto. Como no hay identidad, vienen los empresarios y abusan de nosotros, porque no hay unidad. Te quitan los derechos laborales y nadie se entera, porque uno odia al otro, no hay sindicatos ni cohesión.
Creo que los políticos que venden al país, son los que se indignan cuando se propone una reforma educativa, que enseñe en las escuelas a respetar a todas las personas, sin importar su opción sexual, religiosa, el color de su piel o su habla. Esos políticos, son los que desean que siga el machismo, la discriminación y el racismo, porque les conviene.

¿Cómo recuerdas tu primer recital en Arequipa?

La Lá durante su recital en Arequipa. Foto: TM x-files
Recuerdo que estaba muy nerviosa y preocupada de hacerlo bien, porque es la tierra de mi familia, era como si le estuviera cantando a ella. Cada vez que me encuentro con personas de Arequipa, hay un cariño y empatía especial. También estaba emocionadísima y recuerdo con mucha gratitud y alegría, su sorprendente recepción. Espero que se vuelva a repetir pronto.
¡Ah!... Y mi único club de fans está allá, se llama “Queso Helado” y es lo máximo. 

¿Cómo ves a La Lá en cinco años?

Yo me veo haciendo música, quizás con algunas de las otras actividades que me gustan hacer con mis manos. Me veo tranquila con mi familia, contenta y satisfecha.


RETROSPECTIVA

2017



2014

lunes, 15 de enero de 2018

3PUNKTAS - Reseña

3PUNKTAS
Independiente
(2017)
La oscura portada del disco, con el intimidante hombre enmascarado sentado, nos creó la expectativa de escuchar algo más brutal, pero al darle “play” al equipo, somos sorprendidos por una serie de piezas que se desplazan dentro de los parámetros del “punk-rock” melódico.
Justamente tres músicos, Gonzalo Cuentas (Guitarra y voz), Rodrigo Cuentas (Bajo) y Wendell Béjar (Batería), dan vida a 3Punktas, “power-trío” proveniente de la vecina ciudad de Puno, quienes se han esmerado notablemente no solo por entregarnos un disco de pulcro sonido, sino de impecable empaque de tres cuerpos y atractivo “booklet-póster”. Apectos que siempre anhelamos que estén bien trabajados en una producción e físico.   
Ya habíamos observado el nombre del trío en los “flyers” de algunos eventos y al escuchar su álbum, pude acordarme que tuve la oportunidad de ver su performance en vivo como teloneros de G-3 el año pasado. Bueno, yendo a la placa, esta se inicia con “Tiempo x 3”, dinámica pieza que coincidentemente aborda la temática de la velocidad con que transcurre el tiempo, planteando la utopía de cambiar el mismo, “viviendo el momento”. Sigue, “Sin Pesar” con sus adrenalínicos “riffs”. Más guitarras aceleradas y portentosas percusiones prosiguen en la nostálgica “Cuando Tú no estás”.
Wendel Béjar, Gonzalo y Rodrigo Cuentas. 
Al igual que la pista inicial, unos coquetos arreglos de caja de ritmos y arpegios, se hacen presentes en “Despertar”, tema que deja un tanto el punk-rock, para adentrarse en el “pop-rock”. Para “La Última Vez” y “¡Tú vieja!”, ya las melodías resultan previsibles, siendo esto un punto en contra para el trío, pero el trayecto final del disco nos muestra a los puneños ensayando con otras alternativas, como en “Después de Todo”, con sus arreglos de guitarras más elaborados y de rasgos más viscerales, además de mandarse algunos guitarrazos de corte “heavy”. De la misma manera para “El día que te olvidé”, tomándose respiros para potenciar la estructura de su pista, y la melódica “La Sin Nombre” para alternar distorsiones, efectivos punteos y rematando con veloces “riffs”.

Podemos tener nuestras diferencias con el estilo musical que desarrolla 3Punktas, pero es innegable que estamos ante tres buenos músicos, un vocalista de voz muy aceptable para lo que se busca, pero sobre todo muchachos que tienen claros sus objetivos, y como lo mencioné anteriormente, resulta plausible su labor de producción, para tratarse de un debut (aspecto que pocas veces se toma en cuenta). Si te gustan Inyectores, Attaque 77, Diazepunk o 6 voltios, este registro seguro que será de tu agrado.